jueves, 31 de diciembre de 2009

PARA DESPEDIR EL AÑO Y LA DECADA...UN TOP TEN DE LOS ARTISTAS QUE NOS SIGUEN AL TWITTER Y EXTRAS

Bueno, el 2009 fue excelente año para el blog. Creo que no nos podemos quejar, tenemos nuestra radio, llegamos al Latin Alternative Music Conference y tuvimos un escrito inédito cortesía de Rubén Blades, nada menos.

Hay muchos amigos blogueros que cuando ya pensaba tirar la toalla con esto entregaron su apoyo y tener su feeback nos ha dado la esperanza de seguir adelante. Aunque hay mucha gente a quienes agradecer, yo resalto el apoyo de "Demon", el colombiano amante del arte gráfico y constructor del blog "El Amarillo", que empieza a darnos un panorama novedoso de la música latinoamericana; a Santiago (alias "Imfreakalot"), que aunque es sobre todo cinéfilo ha demostrado ser un genial escritor en cuanto a música se refiere y a David Delio ("Londonero"), música y el más veterano de este clan, cuyos seguimiento de la cultura pop británica puede checar en su blog. Los 3 son los que dan gran aporte y contenido a las reseñas de los discos iberoamericanos de ROCK EN LAS AMERICAS y que han tomado gran parte del contenido del blog en este año.

Pero otro agradecimiento inmensurable va para la gente del Club Fonograma, en particular para Carlos Reyes, que en nuestras similitudes y diferencias sobre nuestras perspectivas musicales, nos ha ayudado a abrir nuestros oídos y nos ha dado una esperanza de una nueva alternativa en cuanto a la posibilidad de acceder a una nueva ola de artista a lo largo de la región (de más está recomendar sus compilados Fonogramáticos). Sin duda, su página es la mejor opción para la música a finales de la década y ojalá solo sea el comienzo de algo mucho más grande que nos gustaría ver.

Y para concluir esto, pues, dejamos con un top ten particular. Uno dedicado a los artistas que nos siguen en el Twitter, que en particular es el mío, jeje, pero que nos ha llevado a recibir respuestas de Calamaro, René de Calle 13 o Tego Calderón así como desafortunados incidentes como discutir con La Tigresa del Oriente. Pero en el Twitter también otros artistas nos han puesto como seguidores, las razones las desconozco jaja.. pero es tan heterogéneo que vale la pena mencionar. Valga la aclaración que el conteo no tienen ningún orden en particular. Asi que aqui vamos:

1. FRANCOIS PEGLAU



2. LIDO PIMIENTA



3. JULIETA VENEGAS



4. LONDONERO (nos colabora pero nos sigue, harta fidelidad)



5. WILLIE COLON



6. CHUCKNORRIS



7. QUIERO CLUB



8. TURBOPOTAMOS



9. JENCARLOS



10. MAMA PULPA



Y este desordenado post lo termino con la canción que más me siguió en este década, ya sea en la PC o mis diferentes reproductores que tuve. Aqui les dejo con "Sometimes bonita" de Cementerio Club. Disfrutenla, saludos, nos leemos el próximo año:

martes, 29 de diciembre de 2009

LOS 250 DISCOS: RESUMEN (100-51)

Hace 9 meses empezamos la revisión más ambiciosa que algún blog dedicado a la música hispanoamericana haya decidido hacer, aunque nos quedan 50 más para el 2010, tienen que echarle un repaso a este fabuloso conteo, sin agradecimientos a 3 hermanos latinoamericanos que sin ellos no sería posible: David Delio (Guatemala), "Demon Balooni" (Colombia) y "Imfreakalot" (Argentina). Disfrútenlo:

100
Hombres G

Hombres G

Hombres G (1985)

Tras la pobre acogida que tuvieron sus primeros singles, Hombres G se vio en la calle sin el auspicio de ninguna compañía tanto independiente como multinacional, es en ese momento de incertidumbre que Paco Martín decide ficharles y editarles su primer LP bajo el sello Twins que acababa de fundar, autotitulado “Hombres G” se trataba de un disco de rock/pop con letras simples y entretenidas revestidas con efectivas melodías amigables para la radio, el cuarteto logro recuperar uno de sus primeros singles previamente editados “Venezia” , que junto a la archifamosa “Devuélveme a Mi Chica” los catapulto de la noche a la mañana en la nueva sensación pop del momento, también se atrevieron con algunas baladas como “No Llorare”, “Vuelve a Mi”, o “Hace un Año” entre las curiosidades esta la utópica “Matar a Castro” la cual describe con lujo de detalles como una niña le asestaría el golpe mortal al dictador liberando al pueblo cubano de la opresión.

El resultado de Hombres G fue abrumador y lo suficiente para convertirlos en un fenómeno social llena estadios al margen de la Movida madrileña. (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...-hombres-g.html
99
Smog

Dug Dug's

Smog (1972)

Los ritmos heterodoxos se mezclan en el infinito: lisérgicos, psicodélicos, transformados en colores que giran cíclicos, involuntariando a las víctimas de un ritmo pegadizo, incoherente, fugaz. Una mezcla exquisita de pies negros, de grito sublevado. Evocación abstracta del viaje por el subconsciente, montado en las barbas de Freud, en los lentes de Sartre y en las pestañas de Camus: como orfebres mecánicos de la simulación. Dug Dug´s sumergen su cabeza en la alcantarilla roquera, en el peliagudo y obsceno mundo de las tragedias y las fobias musicales. Piedra insoslayable de la música latina, del rock en libertad absoluta, en psicotrópico anhelo descolonizado, el grito tribal del México feto (bebé rock), México recién nato, México infante.

Dug Dug´s y su humeante música (vaya a saber uno de que sustancia específica), es el eslabón principal en la cadena de acontecimientos para el crecimiento revitalizante de la música roquera mexicana. En completa y sincronizada independencia, pero con reminiscencias identificables: Grateful Dead, Cream, Iron Butterfly o The Who. Excelente e imprescindible. (Imfreakalot)

http://rockenlasamericas.b...smoke-1974.html
98
Dale Aborigen

Todos Tus Muertos

Dale Aborigen (1994)

Cultura popular, mate. Cultura aborigen, raíces. Cultura subasfalto, Todos Tus Muertos. Conectadas con raíces negras, aborígenes, gauchescas, lo que sea. De la mano de Fidel Nadal, los muertos, en su tercer disco, “Dale Aborigen”, siembran la última semilla punk: el grito de rebeldía, de suciedad en los codos, y amenazan con no volver a pronunciarse nunca más. Anarquía vuelta canción, el espacio se abre entre gritos sublevados, de redención. La canción trasciende cualquier espacio, tiempo: oscilación etérea que nos une, nos hace hermanos. Somos los negros pies de plomo, los latinos que tocan bombos y hacen rituales. Los que tienen las mismas fachas, los mismos nombres. Los que luchan contra el imperio, en el narcotizante ida y vuelta de conexión a la estupidez. Todos tus Muertos reafirman, en este disco, el más importante de su carrera, su lucha eterna, su mensaje en los brazos de abrazo, en los lienzos con que se escriben las pancartas. Y suelta, como epílogo, a ritmo punk, hardcore, y por momentos rastafari, que hay que seguir luchando por la libertad espiritual. (Imfreakalot)

http://rockenlasamericas.b...rigen-1994.html
97
La marcha del golazo solitario

Los Fabulosos Cadillacs

La marcha del golazo solitario (1999)

La voz ronca de Vicentico puede sonar millonésimas veces hasta el hartazgo, acompañando siempre a las bases histriónicas de los vientos maquinarias, al ritmo frenético del ska de antaño. Con el tiempo, Los Cadillacs supieron perfeccionar la técnica, amasando una idea musical hacia un extremo diferente. Llevándola de la mano de un sinfín de recursos, de químicas no probadas, pasando por la probeta del entretenimiento y el delirio; y se reinventaron. Creando sonidos minuciosamente técnicos, ejemplares.
Hacía falta que sean conscientes de la calidad musical que su banda compone, de que (Flavio) Cianciarullo y (Javier) Minimal formen parte activa en la banda para despojar a la clásica fórmula. El resultado es una mezcla de ritmos de variada intensidad, una poética infinitamente distanciada de la anterior (metafórica, metafísica, oscura) y arreglos de toda índole; una presencia más aceitada de los instrumentos centrales, bajo y guitarra, y un adoctrinamiento necesario a la aguardentada voz de Vicentico. Todo eso y una paleta inusitada de sensaciones es: “La marcha del golazo solitario”. Se mezclan, se distribuyen y ordenan de manera selectiva: postura tanguera, las bases melódicas jazzeras, la guitarra tintineante del funk, canciones con reminiscencias a la chanson francesa y el lujo prominente (necesario) del glam rocker.
Es, el sello final. La huella necesaria para una carrera con altibajos, marcada por el éxito abrasivo que, por momentos, los desvío del camino musical, llevándolos al hit radial de dudosa calidad técnica. Es, además, el perfecto acompañamiento a su predecesor disco “Fabulosos Calavera”, como muestra tangible de un cambio rapaz. (Imfreakalot)

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96
¿Dónde jugarán los niños?

Maná

¿Dónde jugarán los niños? (1992)

Maná es la banda más "sistema" que ha tenido el género sin lugar a dudas. Su búsqueda por acomodarse en el lugar más placentero del mainstream los hizo romper con el tabú de la industria de la música en español de que una banda no vocal jamás podría superar en ventas lo conseguido por los solistas que suelen llenarnos las radios. Y es que la fórmula se concentraba en llevar el rock pachanguero a un nuevo standard ("Como te deseo", "La chula") acompañada de baladas romanticas de guitarra acústica ("Vivir sin aire", "Te lloré un río") y algunos temas sin potencialidad de sencillos donde había cierta crítica social. En momentos donde el rock buscaba influencias más profundas liderados por Mano Negra, ellos se conformaron con retransformar el concepto digerible de The Police. La fórmula funcionó tan bien, que no se atrevieron a cambiarla a lo largo de su discografía, y este disco se convirtió en el primero hecho por una banda en romper el millón de copias y es uno de los 100 discos más vendidos de los 90's en los Estados Unidos (de hecho el más vendido de los que contienen solo canciones en castellano). Respaldaron la comercialidad del "rock en español" aunque su credibilidad será discutible. (J.L. Mercado)

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95
Kinky

Kinky

Kinky (2002)

Sucio, desprolijo, caliente, fuerte, distorsionado. La música de Kinky es una desembelesada versión de los hechos a través de una candente mirada explosivamente atrapante. Un sin cesar de sonidos producidos a través de varios instrumentos, sobretodo, la marca indeleble de la guitarra que nos hace recordar que este es un subgénero del rock, fuera de ello creeríamos que Kinky ha descubierto una forma de entregarnos música bajo un nuevo rótulo. Excepcionalmente es una música todoterreno, que soporta climas, seduciendo, aferrándose a una postura técnicamente roquera, nos entrega un devenir de canciones que sirven tanto para el baile como para el mero goce sedentario.
Esta banda de Monterrey, en su primer trabajo, nos entrega en generoso muestrario el alcance musical que los engloba. Fusionando música electrónica con rock, se animan a entrarle sin escrúpulos a la cumbita, el funk, el techno más insostenible y las canciones románticas. No tan desenfadados ni histriónicos como sus coterráneos de Plastilina Mosh, pero igualmente se animan a ironizar la realidad con pinceladas de humor, a través de una lírica bastante pegadiza.
Mezclando eclécticos movimientos con bailables melodías conjugan un innovador sonido que le dio fama internacional. “Kinky” de 2002 es un breve muestrario, primitivo desde donde despegará la banda para desencajarnos con su alocada música. (Imfreakalot)

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94
Pacto con el diablo

Ángeles del Infierno

Pacto con el diablo (1984)

Si Barón Rojo fue la banda española de heavy metal que conquistó la parte sur de Latinoamérica, los Angeles del Infierno sería los que conquistarían la parte norte (al punto de ser más adorados en México y parte de Centroamérica que en su España natal). La influencia de Judas Priest en su sonido era evidente aunque destacaron por ser los primeros en usar referencias diabólicas en el mainstream y evidencia de ello es "Maldito sea tu nombre", que se convirtió rápidamente en un himno headbanger hispano. Aunque su popularidad se mantiene en los circulos metaleros, es casi únanime que su disco debut ha sido díficil de superar para la banda. (J.L.Mercado)

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93
Mystic Love

Los Pericos

Mystic Love (1998)

La recuperación sonora y estética de una banda que permanecía díscola en las radios de quinceañeras con póster en las manos y frenesí desmedido. “Mystic Love” representa el cambio, no tan radical, pero cambio al fin, de Los Pericos. Parte de ese cambio deviene también en la readaptación de su nombre: de Los Pericos a Pericos, a secas. ¿Es experiencia vivida o hastío? Es afrontar el cambio con madurez y solidez interpretativa. Es dar vuelta una página en la que los encontrábamos dando recitales en discotecas juveniles al grito desesperado (y desgarbado) del Bahiano: - ¡Lapelapelapelape! ¡Uojoy!.
Si bien, hay que deshacerse del sonido nasal de su respiración, de su canto (aunque suene cansador), el cambio proviene también en parte por nosotros. Debemos (nobleza obliga) reeditar en nuestro subconsciente la idea del “Perico de Banana” eliminando prejuicios y perjuicios auditivos.
Lo cierto y lo bueno de “Mystic Love”, del año 2000, es que este disco huele más a porro: en el sentido más reggeaniano. Se sienta más cerca (un poco) del lugar donde come Jah y grita en Babilón su encarnizado ritual. Esa recuperación mencionada tiene que ver con esto. Con volver a los valores por los cuales alguna vez fueron catalogados bajo el rótulo: “banda de reggae”.
Con canciones tímidas, atisbos de grandilocuencia rastafari, inoportunan a más de uno y dejan levantar el oído para prestarle más atención. (Imfreakalot)

http://rockenlasamericas.b...-love-1998.html
92
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones

Sui Generis

Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)

Definición de Enciclopedia: Sui Géneris: (Loc. lat.; literalmente, 'de su género', 'de su especie') Dicho de una cosa: De un género o especie muy singular y excepcional. Se utiliza para designar o describir algo o alguien que es único en su género o especie.
En ciertos lugares (por lo menos por aquí, en Argentina), se utiliza para referirse despectivamente a algo ya caduco, a un revival inconsistente que llega a producir sentimientos de compasión, ternura (siempre despectivos, más si provienen de un ser humano). Este Sui Generis, banda inicial de Charly García y Nito Mestre era, en su momento, un “Sui Generis”. Una simpática y adolescente mirada del mundo, cartel de proyección para que los púberes con insipiente vello corporal se sintieran reflejados y participes de un mundo ajeno. Era una banda en chiste para los roqueros de época: Manal, Almendra, Billy Bond, Pappo. El tiempo pasó, Charly se convirtió en monstruo (roquer Mozart) y Mestre en acompañante simpático y, a veces, errante músico. Y Sui Generis permaneció silencioso, en el mundo de las sombras, en los discos de pasta de papá idealista, de mamá nostálgica. El mito creció, aún más después de la reunión en La Bombonera en 2001.
Hoy el dúo es motivo de revisión para comprender que esconde el subconsciente garciano. ¡Y vaya con lo que nos encontramos! El niño prodigio quería decirnos algo. En retórica directa que algo estaba mal y que solo nosotros (ustedes) debemos hacer algo para terminar con esto. (Imfreakalot)

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91
La era de la boludez

Divididos

La era de la boludez (1994)

Es uno de los discos que son capaces de adquirir forma antropoide, de saltar de los parlantes para dar pelea al oyente, al espectador de esas imágenes que refleja “La era de la Boludez”. Es un muestrario inagotable de sonidos eclécticos, de forma repetitiva, incansable, el power trío de Hurlingham expresa su forma más visceral en canciones hechas puñetazo, hechas mosh, hechas calavera. Se presentan de forma carnal en pincelazos de poder, de furia, de anarquía musical; en esa rara mezcla de angustia y cañita voladora (sic Ricardo Mollo). Es Divididos la amorfa bola humana que combina, en un cóctel explosivo, a Hendrix, Atahualpa Yupanqui, Sumo y Parliament Funkadelic en la batidora musical, que adquiere la forma de nuestra cabeza, de nuestros sentidos.
En “La era de la Boludez”, Mollo, Arnedo y Gil Solá, pueden desplegar su estado puro de fiebre estética, cada arreglo minucioso es perseguido por una suerte de margen para el delirio (aunque se trate de la canción más melosa y silenciosa), siempre latente la sensación de poder, de furia tribal. En donde despliegan su verba estrepitosa, su rima incongruente, su poder de aprehensión a las nuevas normas, su hilaridad, su compromiso ineludible por el sólo hecho de ser latinoamericanos. De ser barro y tierra aborigen, de ser uña de civilizaciones colonas, de ser parte del mercado industrial, de ser hombres de opinión y bandera. (Imfreakalot)

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90
Ahí vamos

Gustavo Cerati

Ahí vamos (2006)

Tras una larga temporada de lanzar álbumes experimentales que le costaron a Cerati un poco su credibilidad como icono del rock latinoamericano así como el abandono de muchos de sus fans, el rockero argentino finalmente decide volver apostar por un álbum que no solo es lo suficientemente rockero sino también comercial y accesible para complacer a todos desde los fans más recalcitrantes de siempre hasta los recién llegados, “Ahí Vamos” es una colección de 13 temas que hablan de amores, desamores, tristezas, melancolía, arropadas con potentes guitarrazos que nos traen de regreso a un Cerati que ya habíamos olvidado, quizá el éxito de la placa radica en el buen desempeño que tuvieron sus cuatro sencillos exitosos entre los que están la elegante balada “Crimen” algo un poquito inusual en su carrera y que decir de “Adios” mi sencillo favorito del disco elegante y memorable a la vez por sus hermosas melodías, en conclusión si Bocanada es su obra maestra, Ahí Vamos puede ser considerado su digno sucesor. (David Delio)

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89
Infame

Babasónicos

Infame (2004)

La carrera de Babasonicos tiene un parte aguas tras el lanzamiento de “Jessico” la placa que les gano fama, notoriedad, y respeto de la critica, el dilema entonces era como debía sonar su siguiente placa, si debían continuar con la formula exitosa de la anterior o hacer algo que rayara en lo experimental, la banda simplemente se decanto por sonar simples y hacerse mucho más accesibles con “Infame” eso si pulieron y perfeccionaron las letras y su sonido hasta hacerlo una marca registrada, el álbum tiene una mágica y elegante gracia natural y su sonido deambula entre el glam, el pop, el rock, y las típicas baladas latinas alcanzando su cota máxima entregando buenas canciones una tras otra, no solo lograron sobreponerse al éxito comercial de Jessico sino que alcanzaron la merecida consolidación estableciendo un sonido propio que daría la pauta a seguir en el futuro, simplemente una joya de nuestros tiempos. (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...cos-infame.html
88
Hurbanistorias

Rodrigo González

Hurbanistorias (1984)

Tristemente las leyendas del rock pasan ya sea por una trágica vida llena de excesos de drogas y alcohol o por los azares de una muerte igual de trágica. Pero por alguna razón el legado que dejan puede ser tan profundo y significativo que ni siquiera el pasar del tiempo puede borrar sus huellas (en el invierno). Este es el caso de Rockdrigo Gonzales, quien con solo un disco de estudio ha influenciado a tantos artistas y bandas en Latinoamérica como ningún otro ídolo extranjero.
Para mí era un total desconocido, así como lo fue en algún tiempo la adorable Janis o el gran Jimi, pero esto lo que prueba es que sin importar la fecha de su muerte, sus canciones siguen creando eco y moviendo filas de apasionados melómanos.

Hurbanistorias, no hace honor al sobrenombre de Rodrigo González, pero vaya que le hace justicia a un músico entregado y empecinado (sin que este sea un mal adjetivo) a contar sus propias historias y refinar el insípido rock mexicano de principios de los ochentas. Quizá la canción más popularizada del disco sea “Estación Del Metro Balderas”, irónicamente no fue el propio Rockdrigo quien la hiciera conocida sino su amigo Alex Lora de El Tri.

Con su voz ronca y aguardentosa, Rockdrigo era capaz de recitar melodiosos y contestatarios poemas urbanos. Más cercano al folk y al blues que al rock mismo, Rodrigo crea doce canciones redondas y sacras, que marcan el pulso y el nuevo rumbo de la canción protesta en Latinoamérica. Sin lugar a dudas hace falta más de un terremoto y una pila de escombros para sepultar el alma indómita y consecuente de un artista que pintaba para convertirse en una gran estrella, al cual solo le alcanzo para convertirse en leyenda. (Demon Balooni)

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87
El mar no cesa

Héroes del Silencio

El mar no cesa (1988)

Entrando en la ultima parte de los ochenta, el panorama musical en español estaba dominado por bandas de plasticina y de hits fáciles como GIT o Neon, además del inicio de un burdo movimiento que se le conoció como Rock en tu Idioma, ya La Movida en España había comenzado a dar muestras de flaquezas, entonces aparecía en el horizonte para hacerle frente a tanta vanalidad y frivolidad una banda originaria de Zaragoza que a fuerza de voluntad había logrado meterse poco a poco dentro del gusto de la gente, la banda venía de grabar unos EP que sorprendieron a todos incluso a la EMI por lo que la disquera les apresuro para completar el material y convertirle en un LP, nace entonces “El Mar No Cesa” y sorpresa que el álbum se convierte en multiplatino en ventas en España y los coloca a la altura de súper vendedores como Mecano y Hombres G. El tema central del disco yace en su titulo ya que todos los temas radican de alguna manera alrededor del mar, tal y como diría el propio Bunbury que en cada uno de los textos salía el mar o el agua.

No es el mejor álbum de la banda si se toma en cuenta las joyas que vendrían después pero por lo menos es un gran comienzo, es un trabajo bastante sólido, muy ochentero, en donde las guitarras tienen un papel fundamental, arpegios con influencia new wave llenas de eco, buenas armonías, ciertos matices de pop con cierta potencia que llega a merodear dentro de las fronteras del metal junto a la voz de Bunbury que aun se estaba puliendo pero que ya daba muestras de la enorme calidad que atesoraba, fue un disco fundamental para que la banda tomara la confianza necesaria para poder perfeccionar sus futuras entregas, al igual que a su contraparte británica The Cult que casi por la misma época sonaban góticos e indies pero que tras la producción de Rick Rubin se convirtieron en referente del Hard Rock y del Metal, a los Heroes les sucede lo mismo ya que sus futuras entregas dejaran a un lado el viciado y manoseado New Wave para explorar sonidos mas solidos y duros de la mano de Manzanera, por lo cual no hay de que extrañarse que esta placa aparezca y sirva como referencia en sitios dedicados al Metal, el disco cuenta con la joya atemporal “Héroe de Leyenda” que se volvería básica e infaltable dentro de su carrera (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...ar-no-cesa.html
86
Rock & Ríos

Miguel Ríos

Rock & Ríos (1982)

Es curioso referirnos a un personaje tan ambiguo como Miguel Ríos, pese a presentarse como uno de los próceres del rock en español, es más bien característico su acercamiento a la música ligera (sus canciones más memorables son "El río" y "Santa Lucía", dos buenos temas pero lejos de la estratósfera del rock; y es bien conocida su acercamiento artístico a artistas emblema de la música española como Ana Belen, Victor Manuel o Serrat). Sin embargo, ¿por qué hay que buscarle razones para cuestionarle? Probablemente no haya otro tipo que se haya esforzado por hacer del rock un género popular en Iberoamérica como Miguel Ríos, y es que dejándose llevar por esos años de rock and roll, el español prácticamente luchó contra todo para consagrar el "rock de estadio" y vaya que la respuesta fue notable.

"Rock n Ríos" es la concreción grabada de un proyecto por conquistar el mundo con el rock, su sueño también incluía darle la mano a otros artistas que por ese entonces poco conocidos como Leño (del cual incluía "Maneras de vivir") u homenajear a otros que merecían mayor crédito popular como Moris (incluyendo "Sábado a la noche). Incluía la participación de músicos de gran nivel como Tato Gómez (que fue parte de los chilenos Embrujo) y Thijs Van Leer (de Focus). Las canciones fue una gran "bienvenida" a una generación hispanoparlante que aún no relacionaba bandas locales con el género y consagró a Ríos como un verdadero showman del rock. Luego Ríos, se concentraría en la búsqueda del talento latinoamericano para consagrar una gran escena (incluyendo a Charly García y a El Tri) y aunque su sueño de unidad rockera la terminarían sembrando otros, el disco quedó como fiel vestigio del principio de un futuro boom que nadie se atrevió a predecir... (J.L.Mercado)

http://rockenlasamericas.b...lydor-1982.html
85
Hombre Sintetizador

Zurdok

Hombre Sintetizador (1999)

Si existe una línea auditiva, imperceptible, que traza y engloba el rock en nuestro idioma, esa, tiene que ver con influencias omniscientes de las raíces de canciones remotas, de folclóricas invenciones que amasaron y redefinieron el concepto. Con el correr de los tiempos, esta música se metamorfoseó y atomizó en infinitos subgéneros que le otorgaron aliento, nuevos aires y fricciones carnales a la ya caduca música latinoamericana. Esas influencias provenientes principalmente del norte o del otro lado del charco, otorgaron tecnología, mecánica y valores que, en algunos casos (muy pocos diría con certeza), desprendieron nuevas bandas, nuevos conceptos, nueva música, música revitalizante. Zurdok es el ejemplo más actual de esta teoría. Una banda que reivindica la música de nuestro idioma pero que dota a sus canciones de cierto aire anglosajón: en la arquitectura, en la hechura poética, en el sentimiento arraigado de sus odas. Sin temerle al intento fallido, desvelan sus rostros ante los principios tecnológicos y ante los arreglos fulgurantes, megalomaníacos, apoteóticos. Las cuerdas, nuevos instrumentos no convencionales (escuchar sino el bluegrass de “¿Cuántos pasos?”) y las invenciones electrónicas, imperceptibles que acallan y proclaman: - “somos lo nuevo, escúchenme”.

“Hombre sintetizador”, disco de 1999, grabado, editado y distribuido por Zurdok es la mejor muestra de esta nueva idea de rock universal, ya no como representación fija de un lugar en el mundo, de una idea nostálgica en pancarta. (Imfreakalot)

http://rockenlasamericas.b...zador-1998.html
84
The New Sound of the Venezuelan Gozadera

Los Amigos Invisibles

The New Sound of the Venezuelan Gozadera (1998)

The New Sound Of The Venezuelan Gozadera es un perfecto ejemplar del funk, bossa, dance, electro eclético y gozón de LAI. Viva muestra de su humor negro y erótico, de sus pegajosos ritmos que invitan al pecado. Pecado sería no escucharlos y reconocer su fabuloso talento. Con canciones como Ponerte en cuatro o El disco anal que se han convertido en clásicos del latin alternative, este disco es amplio, generoso y coherente en todos los sentidos. No por nada Los Amigos son la banda más sobresaliente de Venezuela.

¿Qué puedes esperar de este disco? La risa y la sorpresa fortuita, una delirante combinación de ritmos latinos apropiados para cualquier hora del día pero que seguramente ven su máxima euforia en una noche bajo la luz de una bola de espejos. Termino esta corta intervención con el final de No me pagan, un sarcástico apunte de un político venezolano sobre su confusa forma de gobierno: “(…) estamos gobernando estupendamente, sí no gobernamos estupendamente, gobernamos con clarividencia, y sí no gobernamos con clarividencia por lo menos gobernamos con buanas intención (la “s” de más suena en la grabación), y sí alguien no ve la buena intención por lo menos reconozcan que hacemos lo que podemos”. (Demon Balooni)

http://rockenlasamericas.b...w-sound-of.html
83
Doble vida

Soda Stereo

Doble vida (1988)

rabado y mezclado en Nueva York y con producción del guitarrista de David Bowie en aquel entonces Carlos Alomar, la banda edita un álbum donde su coqueteo con los ritmos latinos y el funk arrojaron resultados disparejos. Cuando se lanzo "Doble Vida", Soda Stereo era considerada la banda de rock más importante de Latinoamérica, por lo cual se esperaba un trabajo que estuviera a la altura de tal distinción, a pesar de que el álbum carece de la consistencia de su entrega anterior, eso no le resta el merito e importancia que se merece, después de todo la placa contiene algunas de las más memorables y hermosas canciones de la banda como la introspectiva “Lo Que Sangra (La Cúpula)”, la genial “Corazón Delator”, la curiosa “Picnic en el Cuarto B”, y la archifamosa “En La Ciudad De La Furia” cuyo excelente video fue nominado a los premios MTV en representación de Latinoamérica, Alomar logro darle al álbum un tímido y leve sonido soul similar a lo que hacía Duran Duran por aquel entonces de la mano de Nile Rodgers, además como peculiaridad se incluyo una sección de instrumentos de viento en muchas canciones para darle un sabor a la banda que no había tenido antes y que nunca más volvería a tener, con esto Soda decía adiós a los 80’s y preparaba el camino para su obra cumbre que vendría dos años después. (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...doble-vida.html
82
Pateando piedras

Los Prisioneros

Pateando piedras (1986)

Los 80’s fueron para Latinoamérica años de encarnizadas luchas, represiones y desigualdades sociales, eran las épocas en que las dictaduras militares regían y sometían con mano dura y todo lo que atentara contra ellos estaba mal visto, surgen entonces movimientos musicales contestatarios que buscaban eso, contrarrestar la fuerte represión que el gobierno tenía sobre la gente, y es en medio de todo este caos que Los Prisioneros emergen en la escena musical de un convulsionado Chile, su mensaje social y su desafiante postura les valió la férrea censura de la dictadura militar de Pinochet, sin embargo ya era muy tarde, la banda iba ganando cada vez más adeptos y es que la gente se sentía fuertemente identificada con el mensaje de rechazo al régimen militar que la banda pregonaba y que por aquel entonces mantenía subyugado al país. Dentro de este turbulento panorama, aparece en el verano de 1986 la segunda producción de la banda llamada “Pateando Piedras”, aquí la banda da un gran paso en cuanto a evolución musical ya que el uso de los sintetizadores le da nuevos brillos al sonido de la banda apartándose del típico cliché de guitarra-bajo-batería, la nueva propuesta los lanza al estrellato y los posiciona como una de las mejores bandas sudamericanas del momento, tal era su popularidad que muchas de las canciones del álbum se convirtieron en himnos de protesta gracias a la fuerte crítica social que contenían, ante lo cual el gobierno militar los considera como una mala influencia a la juventud, desencadenando una fuerte censura en contra de la banda dentro de los medios de comunicación al extremo de impedir uno de sus conciertos, destacan los temas “Muevan Las Industrias”, “Por Que No Se Van” y la joyita de la placa “El Baile De Los Que Sobran”, el cual irónicamente era un tema de relleno pero que por azares del destino resulto ser el más emblemático en la carrera de la banda, es increíble que todo estaba perfectamente conjugado desde el nombre de la banda hasta el significado y la esencia de las canciones las cuales aparecieron en el momento adecuado, que más podían pedir, la consolidación, si claro pero eso vendría después. (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...do-piedras.html
81
Una semana en el motor de un autobús

Los Planetas

Una semana en el motor de un autobús (1998)

Los Planetas eran considerados una de las cartas principales dentro de la escena independiente española que luchaba por establecerse y alcanzar mayores audiencias, si bien sus álbumes anteriores eran buenos, fue con “Una Semana en el Motor de un Autobús” de 1998 que lograron unos de sus mejores y muy bien balanceados trabajos, el sonido es peculiar no hay una guitarra rítmica o principal distintiva, tampoco hay solos, claro que se pueden escuchar pinceladas de psicodelia sesentera muy a los The Birds, un poco de R.E.M. por aquí, otro poco de Ramones o Lou Reed por allá, además el bajo le da un elemento melódico extra a las canciones, arropadas consistentemente por la batería como el motor sonoro que termina de agregarle dinamismo a los temas, la letras son muy consistentes por lo que se percibe la evolución de la banda, cabe destacar “La Copa de Europa” cuyo encanto es la sección de cuerdas, “Ciencia Ficción” cuya sonoras y vibrantes guitarras melódicas le brindan un acertada similitud al sonido de la guitarra de Peter Buck, así también “Cumpleaños Total” y “La Playa” que son dignos ejemplos de una placa cuyo esfuerzo ha valido la pena y que los volvería en referentes a seguir en años venideros para bandas no solo de Granada sino de toda España. (David Delio)

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80
Big Bang

Enanitos Verdes

Big Bang (1994)

Cuando la banda parecía perderse en los márgenes que significaba ser una banda radial del rock en español, aparecen con un disco que les devuelve a una segunda vida. Las canciones son más guitarreras y potentes pero sin perder los característicos ganchos que se asocian a la banda. Algunos se atrevieron a comparar esta producción con el disco "Canción animal" de Soda Stereo, pero sería injusto decir que este se deba únicamente al primero.

Con este disco, no solo pudieron conquistar el mercado hispano en Estados Unidos (algo inusual para las bandas de rock en español) si no que canciones como "Mi primer día sin ti", "Celdas" o "Mejor no hablemos de amor" fueron coreadas por la gira continental a la que se montó la banda en los meses siguientes. Aunque, sin dudas, la canción más exitosa sería "Lamento boliviano", un tema que evoca cierto misticismo, y que en realidad se trata de un cover perteneciente a una banda de rock ochentera de su ciudad local Mendoza llamada Alcohol Etílico. (J.L.Mercado)

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79
Aquamosh

Plastilina Mosh

Aquamosh (1998)

Cuando una propuesta como la de Plastilina Mosh aparece en la escena no parecían encajar con algunos de sus contemporaneos. Sin embargo, se colaron entre la llamada escena "latino alternativa" y aprovechando su cercanía a la frontera estadounidense, se convirtieron en una curiosidad de culto (que se gozó hasta en Japón) donde en vez de hispanizar un concepto a lo Beck lo hicieron spanglish, lo que era tan bizarro a uno como a otro lado de la frontera. Pero con ello había una carga lúdica muy fuerte, y eso se hacía evidente en los diferentes videoclips que acompañaron los sencillos desprendidos, donde destacó la casi inintendible "Mr P. Mosh", canción que con el apoyo de la entonces más alternativa MTV Latinoamérica se convirtió un éxito en los circuitos del "rock en español" y que es hasta ahora recordada.

Si bien el disco en su conjunto juega con la música electrónica, en realidad existe mucha experimentación con el jazz, el funk, el soul, o simplemente jugando a ser raperos entre sampleos. Toda esa mezcla la convertía en una fiesta bizarra que cuenta como productor a Jason Roberts (relacionado a trabajos de rap como de bandas como Cypress Hill, Delinquent Habits o Control Machete) y la colaboración de Café Tacuba en "Bungaloo Punta Cometa". El disco definió la llamada "Avanzada Regia" y aunque no hubo algún otro artista que se los acercara, probablemente bandas como Kinky le deben mucho bajo la evolución del alternativo bailable. (J.L.Mercado)

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78
Amores perros

Various Artists

Amores perros (2000) [Compilation]

La banda sonora de Amores Perros marcaba un nuevo hito en el irregular historial de los soundtracks de películas latinoamericanas. La producción giraba en 2 albumes distintos. El primero que era básicamente las canciones incluidas en la propia película (y que incluía famosas canciones como "La vida es un carnaval" de Celia Cruz o "Long cool woman" de The Hollies, asi como temas instrumentales a cargo de Gustavo Santaolalla -que junto al director de la película Gonzáles Iñarritu escogieron todas las canciones del film). Pero es el segundo disco, el que trae cola (y que en edición limitada se vendió por separado como "Tributo a Amores Perros").

Este disco trae temas inéditos de la escena que giran con la temática oscurista de la película. Es asi como podemos oir a una catártica Julieta Venegas, o escuchar los temas siameses de Café Tacuba "Aviéntame" y "Dog:God", entre otros artistas que representaban una etapa de transición para la escena rockera donde pocos sobrevivirían, y el mainstream cobraría el precio de la década pasada. Un deleite variopinto que reflejaba los sonidos álgidos que terminaban con la era Santaolalla dentro del rock en español, y que lo llevaba al productor hacia una carrera como instrumentalista de lujo en Hollywood. Asimismo, el rock y la música alterlatina paso a ser canción obligada en cada banda sonora en la región. Bonito legado. (J.L.Mercado)

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77
Café Tacvba

Café Tacvba

Café Tacvba (1992)

Esta es su carta de presentación: “Esto somos. Somos Café Tacuba”. Hacen eso y no hay nada para reprocharle. El mensaje es claro: son una mezcla deforme de la maquinaria underground que en su sangre tienen clavado el ritmo mariachi, el agite corporal, la variedad de ritmos bailables. Si bien, con el correr de los años su mutación periódica excede cualquier tipo de comentarios porque, cada vez que se reinventan lo hacen de una manera formidable. Esa metamorfosis anacrónica que acaba con los mismos resultados: la variedad, la variación, pero que siempre guarda un lugar estelar esa fórmula indeleble, el ritmo sostenido.
El sello a lo largo de su discografía es algo ineludible. La imposición coral que acompaña los histéricos gritos de Rubén (Pinche Juan, Cosme, G3, Gallo Gass, Sizu Yantra o whatever), las huellas tintineantes de una guitarra en marcapasos, los arreglos folclóricos y la rima, prosa, pegadiza, capaz de crear nuevos vocablos, nuevas terminologías para hablar sobre ese lenguaje mismo: el metalenguaje cafetacubiano.
Entonces, esta carta de presentación es su más pulida obra, el Café Tacvba invisible, transparente, el primitivo, el diorama tangible. No la bestia magnética de estos tiempos, no el identificable por sobre la mutación. (Imfreakalot)

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76
Divididos por la felicidad

Sumo

Divididos por la felicidad (1985)

Luca Prodan fue un italiano que vivio intensamente una parte de su vida en Londres drogandose hasta reventar y asistiendo a cuanto concierto de rock pudo, llego el momento en el que su organismo no pudo más, por lo que a manera de terapia es invitado por un colega con el que estudio a que visite la Argentina como escape a su adicción, liquida su piso y con el dinero compra algunos instrumentos que junto a los discos que robo cuando trabajaba en las bodegas de la Virgin llevo a su nuevo destino, años después formaría una de las más grandes y legendarias bandas "Sumo".

Fue en uno de sus ahora ya legendarios directos que fueron vistos por un productor de la CBS que les ofrece un contrato, y es asi como llega el debut discográfico “Divididos por la Felicidad”, el trabajo salio en formato de vinilo pero previamente se había editado en casete, curiosamente el título del álbum hacía referencia a una de las bandas preferidas de Luca los “Joy División”, vaya ironia la que el destino le jugo al pelado ya que tanto Ian Curtis como el fallecieron de manera tragica.

El disco es una combinación bizarra, un hibrido de todas las influencias de Luca y de la banda en general, reinventaron a su modo generos como el New Wave, el Punk, y especialmente el Reggae, descargando mucha ironia y sobre todo excelente rock, bien compactado con la punzante y garrasposa voz bañada en alcohol de Luca interpretando esas raras pero a la vez encantadoras letras principalmente en ingles en este recordado debut, destaca principalmente “La Rubia Tarada” hit indiscutible con reminiscenias a Bob Marley y mucho The Clash, y la mitica “Mejor No Hablar de Ciertas Cosas”, basica en cualquier recopilación iberoamericana que se jacte de conocedora de buen rock,

Comenzaba asi la leyenda de uno de los personajes más emblematicos y pintorescos del rock, por desgracia y al igual que figuras como Cazuza o Ian Curtis la muerte ya los tenía fichado, falleciendo tragica y prematuramente dejando ese sentimiento de orfandad con la certeza de que tenían tanto que ofrecer, de ahí la inmortalidad pero es otra cosa. (David Delio)

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75
Rock!

Los Locos del Ritmo

Rock! (1960)

Antes que Soda Stereo, antes que Charly García, o Spinetta en Almendra. Antes que Los Gatos, antes que Miguel Ríos saliera a escena como Mike Ríos y poquísimo antes que Los Teen Tops lancen su primer LP donde contenían "La Plaga", traducción del "Good Gooly, Miss Molly" que hizo bailar a todas las fiestas juveniles clasemedieras hispanoamericanas, Los Locos del Ritmo aparecían a la escena con la primera producción que contenía temas en castellano y que podía resultar como un efecto gratificante luego del éxito del chicano Ritchie Valens, en su adaptación de "La Bamba".

Pese a que es una producción fundacional (es el primer LP de rock en español de...LA HISTORIA de cualquier lugar del mundo), muchos contadores de la historia del rock lo han depreciado acusando al album como un mero recopilado de refritos o en su lugar canciones demasiado inocentes que poco tiene que ver con la actualidad. Lo peor de todo es que muchos de estos tipos, ni siquiera le dieron una oida al disco antes de emitir una opinión. ¿Aciertan con sus afirmaciones? Con el mismo argumento, podriamos tirarnos abajo la mitad de producción de rock n roll de toda la historia. Asi que veamos..

La grabación se realizó entre finales de 1958 y mediados de 1959, en una época donde había una curiosidad de los jóvenes latinoamericanos por grabar canciones de aquel ritmo proveniente de Estados Unidos, pero que en cuyas tierras aun la industria no le llamaba mayor anteción, porque lo de aqui era el bolero, Javier Solis, o sino el mambo. Una vez grabado Orfeón, decidió guardar el master del disco y no le prestó mayor atención. Permanecería asi cerca de un año, hasta que se decidió lanzar timidamente la canción "Yo no soy un rebelde" de la radio, teniendo mayor recepción de lo que se pensaba y animando a la disquera a lanzar el album en 1960. Su competencia, la CBS, en contra-respuesta lanza a Los Teen Tops, pero con toda la maquinaria multinacional que tenían en la época. El resto, es historia...

El álbum contiene 12 temas, de los cuales la mitad si son covers (incluyendo "La Cucaracha" y "Pedro Pistolas"), pero que se han convertido en un testimonio fundamental para comprender como el género fue asimilado en la región, y como el impetu del rock trascendió época y actitud. (J.L.Mercado)

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74
Ozomatli

Ozomatli

Ozomatli (1998)

Como un ritual pagano donde algunos hombres ennegrecidos bailan descalzos una danza sin fin. Como un pájaro que se estrella en vuelo caduco contra el parabrisas de un avión en pleno vuelo. En el silencio congelado, instantáneo, donde el mundo se paraliza ante el cielo gris cuando una gota de lluvia está a punto de caer. En ese recuadro aúrico se encuentra el disco debut, homónimo, de Ozomatli.
El ritual, es la música de los negros que bailan incansablemente esas murgas prodigiosas, sincopadas, que se repiten infinitas como un diorama incandescente. Es la versión primitiva de nuestra esencia, la que nos mancomuna como parte de una misma enseña: como la letra ñ, como el color de nuestra piel, como la simbiosis explosiva que nos une en el grito de libertad siempre incierta, infringida por el imperio.
El pájaro, que roza lentamente hasta colapsar contra la máquina. La expresión más tenue y simplona, la naturaleza versus la invención humana. La sutil y libre expresión conferida cognitivamente a los sentimientos más intrínsecos que, indefectiblemente, chocan contra la maquinaria, contra la fuerza de gravedad. En ese colapso se encuentra su música, el intermedio exacto entre la más primitiva sensación y la rudimentaria invención del hombre.
La lluvia, elocuente momento en que uno, previo a que caiga y se desintegre en el suelo, se congela el estado de las cosas para transmutarse. Sentimiento divino de ancestros, fértil estado.
Este disco es representación de nuestra vida (la de los tercermundistas, los negros, nosotros) en este mundo. El grito primitivo de la revolución: de almas, de idiosincrasias, de esperanza. (Imfreakalot)

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73
Palabras más, palabras menos

Los Rodríguez

Palabras más, palabras menos (1995)

Este disco es un álbum de fotografías, coleccionables imágenes de pegatina. Al recorrerlo figurativamente se nota (la mano de Calamaro) que toda esa colección no fue colocada caprichosamente, es parte de una selección concienzuda, específica, apuntada a redefinir vaivenes emocionales. Como cuando se recorre un álbum familiar: los recuerdos, las vivencias, los anhelos y el devenir microscópico de ese momento lejano, pero tácitamente sin igual, donde se presta a dislocaciones emotivas y un “tira y afloje” de sensaciones experimentadas.
Probablemente la pluma de Andrés Calamaro, todavía no reconocida con lauros en su propio país, se vio potenciada con el soporte de una banda (Los Rodríguez) sin fisuras: pareja, compacta. Pareciera, al escuchar “Palabras más, Palabras menos” que preso de una osmosis espiritual, fluye pluma y música en una completa armonía.
Es, sin dudas, el disco imprescindible de la banda ibero-argentina. El sello culmine impreso en canciones de tratamiento pegadizo, apuntadas, inherentemente al éxito, a un infinito devenir, incansable, inclaudicable.
¿Argumentos? Las baladas indisolubles, poética próspera y esperanzadora, mensaje culmine. El beatnik recuperado, la marcha conocida del rocanrol en su faceta bailable. (Imfreakalot)

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72
El león

Los Fabulosos Cadillacs

El león (1992)

Álbum básico tanto dentro de la historia de la banda como de la historia del rock argentino en general, gracias a que combinaba todos los géneros interpretados por la banda logrando asi una encantadora fusión entre el rock, el reggae y por supuestos los ritmos latinos como la salsa. Lanzado en agosto de 1992 “El León” en su momento no fue un éxito de ventas, aunque su singular encanto no necesariamente radicaba en lo comercial sino en la transición que marco en la carrera de la banda y por supuesto en la calidad de las letras y el dinamismo creativo de las melodías, que como muestra contundente arrojo varios clásicos dignos del genero como el drama urbano en “Manuel Santillán, el león” de donde se extrae el nombre del álbum, su personal coqueteo con la salsa en tracks como “Carnaval Toda La Vida” y “Gitana”, su propia versión del tema “Desapariciones” del maestro Rubén Blades, el cual habla acerca de las víctimas de la represiva dictadura argentina siendo el track más conmovedores del álbum, “Soledad” que tiene cierta líneas de guitarras sacadas de algún track de U2 de la época, “Cartas, Flores y Un Puñal” una graciosa parodia a la new wave con una burlona y sarcástica letra que recuerda el sonido de aquellas bandas británicas de ska de principios de los 80’s.

Cabe destacar que la edición limitada en vinilo contenía unicamente 12 tracks a diferencia de la edición en CD que es la que contiene los 15 tracks que aparecen acontinuación, con todo y la versión salsa de "Manuel Santillán, El León". (David Delio)

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71
Enemigos de lo ajeno

El Último de la Fila

Enemigos de lo ajeno (1986)

El Último de la Fila es una banda que iba creando gran expectativa en la medida que Quimi Portet y Manolo García habían pasado a ser creadores de hits de verano (desde su banda anterior Los Burros) a una banda más interesada en como cruzar su sonido pop de guitarras con un encubrimiento de influencias notoriamente andaluzas. Aunque no eran los primeros en traer la fusión flamenca a la música contemporanea, si eran los primeros en la época que acontecía en España la movida madrileña y su agresivo impacto pop a la sociedad post-franquista.

El disco componen 10 temas que destacan por la madurez de sus letras y las inquietudes musicales mencionadas previamente; muchas canciones fueron considerados rapidamente como himnos, en especial, "Insurrección", una declaración de intenciones que se ha convertido en la canción más emblemática de su carrera. Letras que cruzaban entre la reflexión y el pesimismo hacían identificar a un público que recibía música rock de tendencia más bailable y de mensaje más directo. La crítica adoro el disco, que destacaba en el boom, aunque muchos de los temas serían regrados en "Nuevas mezclas" editado al año siguiente. (J.L.Mercado)

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70
Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea

Zoé

Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea (2006)

Tras haber logrado la consolidación y obtenido el beneplácito de la critica, la banda mexicana se encierra por casi un mes a grabar su siguiente placa de la mano del productor inglés Phill Vinall con el que logran darle forma al “Memo Rex Commander y El Corazón Atómico de la Vía Láctea” un largo y curioso nombre difícil de recordar el cual tiene una onda muy psicodélica que gira en torno a tópicos como la depresión, la melancolia, la apatía, la tristeza, y el desencanto, el disco esta basado en las peripecias del personaje “Memo Rex” que es de paso el primer track del álbum y cuya bizarra imagen fue obra del diseñador Iván Krassoyevitch quien lo plasma en la portada y junto a la banda, aquí las letras son más profundas que las anteriores entregas e inspirada casi en su totalidad por la ciencia ficción y el mundo totalmente digitalizado en el que vivimos.

A pesar de las opiniones divididas de la critica de que el álbum era muy homogéneo y carecía de potencia y textura, este tuvo la capacidad de lograr debutar en el primer lugar de las listas mexicanas en donde permaneció por casi un mes, en parte gracias a la buena acogida que tuvo el primer single “Vía Láctea”, que dicho sea de paso ha sido el álbum más ambicioso y exitoso de la banda y por ende el que les permitió por fin trascender más allá de las fronteras mexicanas. (David Delio)

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69
Confesiones de invierno

Sui Generis

Confesiones de invierno (1973)

Para muchos, este disco significa el punto cumbre del folk rock en América Latina, ¿pero se puede decir lo mismo de Sui Generis? La verdad es que no resulta ni tan intimista como el "Vida" ni tan atrevido como el "Instituciones..", pero no por ello resulta genial y que en la actualidad pareciera vérsele más como un conjunto de clásicos.

En este segundo disco de la banda, se iba a ir notando la efusividad de Charly García, no solo por escribir las mejores letras sino por su mayor disposición a salirse de lo cuadrículado del folk y jugar con el progresivo o las raices del rock n' roll. Todo ello mientras la popularidad de la banda crecía y de hecho, que terminaría opacando otro disco supremo de la época: Artaud.

Entre las canciones destacan "Bienvenidos al tren", el tema homónimo del disco y el rockerísimo "Mr Jones...", que se hizo a propósito para demostrar el lado salvaje de la banda (con mucha carga humorística) y que sería versionada en España unos años después por Tequila. Aunque no hay duda que la que trascendió el tiempo y las fronteras fue "Rasguña las piedras", un tema que comenzaba con el jadeo de un tipo y que evocaba a alguien que había sido enterrado vivo. Nada mal para un clásico. (J.L.Mercado)

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68
Yendo de la cama al living

Charly García

Yendo de la cama al living (1982)

El letargo de las horas muertas y Charly García, tras los parlantes, incitando al levantamiento espiritual de la raza humana (su raza, Argentina), a despertarse del sopor monstruoso de la ignominia fascista, del régimen que cae como una taza al suelo. ¿El contenido? La furia de un pueblo, en hervor, a punto de desparramarse en el suelo, en el cielo, en las calles, en el mundo. Tras haber estado tras el barrote bastardo y maula (gracias Larralde) de la negación; del vacío interior.
Carlos García Moreno (alias Charly García) es por historia, por tradición y encanto, el rocker más influyente en la música (¿y por qué no?), del pensamiento contemporáneo argentino. “Yendo de la cama al living” es su obra analítica, la fundamental, para desentrañar el enigma cascarudo de la sociedad de su país. Esa misma que se escuda tras los relicarios católicos aunque le den la espalda y los conviertan en victimario; esa misma que sufre y se desgrana parcialmente, ambivalente, de cualquier sacrificio monumental por seguir viviendo en un país libre, pero que permanece sosegada ante el poder catastrófico de la bota y la chapa militar.
Esta obra de Charly refleja el comportamiento, la adaptación (casi darwiniana) de la forma evolutiva de una Nación sin complejos ni pensamiento corrosivo. La que permaneció en silencio, en el sueño gris mientras las pesadillas las vivían otros. Y, el retrato, cual pintor, a cargo de García es ni más ni menos acertado: 1983, año en que las máscaras caían. (Imfreakalot)

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67
Artilleria Pesada: Presenta

Control Machete

Artilleria Pesada: Presenta (1999)

Si recargamos un fusil, invisible, para dar diatribas y dictámenes a un pueblo apagado (en off), probablemente las municiones serían poesía, no cualquiera, al menos, esas municiones serían la poesía de Control Machete. Retroalimentación de energía sulfúrica, que se conecta con los pasillos de cualquier barrio postergado: del de la vuelta de tu casa, de la mía. Esa sensación de mundo apocalíptico, a punto de explotar en rebelión. Lluvia ácida de lamentos y de clemencia, en pleno ruego a la “maravillosa” empresa con luces de neón que posterga, que elimina al no apto y lo devuelve en migajas, aprovechando su energía para construir muros y explanadas, para aumentar su imperio, para fortalecer su empresa fálica.
Parientes directos, diría, hermanos de sangre (sin saberlo) de Cypress Hill. Los Control Machete aparecieron, deslumbrando con la rima contagiosa en plan de hacerle entender a un susodicho llamado Méndez que devuelva lo que no le pertenece. Esa excusa, con que se abrieron paso, es simplemente la ventana entreabierta para conocer más sobre este dúo de raperos mexicanos que, overol de por medio, se metieron en la fosa siniestra de la protesta para proyectar imágenes de ese mundo perdido, de esas caras de dolor.
“Artillería pesada, presenta…” es su segundo disco de estudio donde, elaboración de por medio, logran darle nuevos ribetes a esa protesta (que hasta ese momento era grito y repetición, nada más). (Imfreakalot)

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66
El equilibrio de los Jaguares

Jaguares

El equilibrio de los Jaguares (1996)

Jaguares, se creaba en la confusión de la disolución de Caifanes, ante la frustración de Saúl Hernández de no poder mantener el nombre de su anterior banda cuando hasta hacía poco tiempo atrás parecía que se alejaría de la música por siempre, tras a todo ello, habérsele encontrado un mal en las cuerdas vocales.

Pero luego del caos viene la calma, como dice el dicho, y eso parece concretarse en este disco, que pese a que marcaba una nueva etapa para Hernández, musicalmente parecía conectarse con lo mejor de la discografía pasada de Caifanes, entre la búsqueda mística psicodélica de retazos post-punk pero abierto a las influencias tradicionales de los ritmos mexicanos. Y ello no se hubiera concretado, de no haber convocado una alineación de lujo: José Manuel Aguilera, Federico Fong y su amigo de Caifanes, Alfonso André. Por supuesto, hablamos de La Barranca.

El disco tuvo una respuesto positiva debido a la expectativa de lo que sería a la continuación de Caifanes, algo muy frecuente en la percepción de los fans. "Detrás de los cerros" se convirtió en su carta de presentación, y la banda tomaría otros causes mas comerciales que aunque los consolidaría en el mainstream en México perdería algo del encanto de sus comienzos, y sustituyendo a casi la banda original. (J.L.Mercado)

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65
30 años de éxitos

Los Toreros Muertos

30 años de éxitos (1986)

Garantía de confianza, fiabilidad con un solo movimiento: el agite pendular de la muñeca que rasga sobre las cuerdas de una histriónica guitarra. Es ska puro, con todos sus vicios, sus lugares comunes e imprescindibles. Los Toreros Muertos son lo más explícito (pornográfico) de ese género narcótico, ensordecedor (quizás, ocupan un lugar de privilegio junto a Ska-P), ese pacto silencioso con sus seguidores que sienten la presunción de su música al instante que se escucha sordamente el 1, 2, 3. Este pacto, además, está signado por un código en clave humorística en donde esbozan todas sus premoniciones de un mundo caótico, del mundo de las alteraciones humanas, de la locura intransigente que conmueve las ánimas vívidas. El descontrol es la premonición del siempre ponderado y estupidizante lema: “sexo, drogas y rock and roll”, en los que Los Toreros Muertos en su “30 años de éxito” agregan grandes dosis de hiperhumor.
No hay búsqueda mecánica ni esteticista de la música, es estado puro, fanfarria gallega, circo o vodevil, en cuantiosas sumas retóricas. Acompañada por una díscola voz, al límite con la desafinación, que otorga otro carácter de interpretación, de interpelación al oyente. Este disco pide a gritos la alegría descomedida, el fulgor suntuoso escondido tras tres o cuatro notas que estructuran toda la obra. (Imfreakalot)

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64
Vagabundo

Robi Draco Rosa

Vagabundo (1996)

Aquel niño flacuchito, con semi afros y bigotín de pelusa que agitaba sus caderas emulando a un vigoréxico Elvis Presley al ritmo de “Súbete a mi moto”, era Robi Rosa. Es inconcebible pensar que aquel niño ochentoso, víctima de la explotación infantil por parte de las megaproductoras discográficas, hoy es Robi Draco Rosa, el multifacético artista, EL artista. Creador de discos tan dispares como increíbles. Poeta, pintor, poeta-pintor, creador de monstruos, maquinista de la bestia pop (y no tanto).
Ya mayor, preso de alguna alucinación psicotrópica fue piloteando la nave (su nave, su música) hacia insondables lugares. En 1996, atravesó mares y catástrofes para aparcar junto al rock, masticable, profano, alucinógeno, y creó uno de los discos más increíbles pergeñados en los últimos tiempos en lengua hispana: “Vagabundo”. Son pequeños (por no decir gigantes) monumentos de música que remiten a lo mejor de una época que parecía morir de pie, con honores, pero muerta al fin, en los vinilos y en las lágrimas de nuestros padres.
Mezcla, sin licencias, el rock psicodélico de Woodstock y sus secuaces, con oscuridades obscenas, pornográficamente correctas de rock gótico, gélido, cercano a Escandinava, allá lejos, al norte norte.
Su inconfundible voz (aunque muchos intentan confundirla con su primo gay, Ricky Martin) y su pluma prodigio dan vida a este monstruo rock, a esta oda revival con autoridad y atino. (Imfreakalot)

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63
Gozo Poderoso

Aterciopelados

Gozo Poderoso (2001)

Este es un disco que se cocina a fuego lento, que prepara el campo desde la primera pista, que, con poética llorona en la que la melancólica voz de Andrea Echeverri ensaya lacrimosas melodías sobre el vinilo. Y de esa forma, de a poco el disco va recobrando fuerza, supeditado a los vaivenes emocionales y a la conjunción arrítmica de sus tonalidades. Sigue, “Luz Azul”, que despierta imágenes celestiales a medio tempo, dándole carácter y forma a la concepción de la obra para despojarnos sobre la planicie musical, para preparar auspiciosamente ese “Gozo Poderoso” que parece explotar en cualquier momento, algo que siempre permanece latente, siempre expectante, a cada tema.
El dúo colombiano se propone encarar esta obra de manera juiciosa, para nada ambiciosa, combinando su más primitivo sonido (o el de toda Colombia), el de su ADN, del que no pueden escapar por más que se crea posible; con las nuevas técnicas tecnológicas: los sintetizadores acompañantes que crean una atmósfera de despojo, de armonía coral, de clímax musical.
Y finalmente, el disco nunca explota en términos estentóreos. Explota a su modo, en el rechino vacilante del color de voz de Echeverri, en la retórica vengativa, por momentos, y la etérea figuración metafórica de un movimiento subrepticio, una poética cósmica, etérea. (Imfreakalot)

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62
Chaco

Illya Kuryaki & The Valderramas

Chaco (1995)

Este disco presenta una faceta diferente de los Kuryaki, que, hasta ese momento, era un dúo de raperitos auspiciados por el flaco Spinetta con la única virtud que uno de sus miembros es descendiente directo del gran poeta argentino. A partir de “Chaco”, se despegan de ese karma para brindarnos un disco que mezcla una ecléctica gama de sonidos, sustentados por un funk primitivo, crudo, y que combina canciones donde ambos cantantes (Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur) demuestran su sensibilidad artística y poética, donde la simplicidad recobra nuevos valores de emotividad sonora. El recorrido a través del disco nos brinda diferentes momentos en los que nos predisponen a una serie de sentimientos, de circunstancias introspectivas; nos obligan, casi de manera aleatoria, a prestarnos a un compromiso auditivo y concienzudo con la obra. Nos llevan por momentos de naturalidad musical en los que el arreglo vocal y la poesía surrealista (legado directo de Spinetta padre) evocan imágenes nostálgicas; hasta atraernos a un magnetismo brutal por los funks rapeados, característicos de la banda, en los que no dejan de lado el compromiso social y el poder automático de un intento de hardcore. Esa búsqueda musical hacia un sonido pulido, característico, lo llevarán más tarde a ser identificado con un movimiento arraigado y particular, estética mediante: las películas de Bruce Lee, las pandillas de los barrios marginales, los colores vivos y el erotismo. (Imfreakalot)

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61
Rock en español con Los Teen Tops

Los Teen Tops

Rock en español con Los Teen Tops (1960)

El primer LP de Los Teen Tops se convierte en el primer disco de larga duración que se vende a nivel internacional en todo el territorio hispanoamericano. Aunque son los próceres de la historia del rock de la grabación, la oportunidad no era tan fácil. La CBS los audicionó con un Enrique Guzmán que entró a cantar de pura casualidad, y del cual los ejecutivos encontrarían un gran atractivo como para comercializar.

Fue lanzando en los primeros meses de 1960 con bombos y platillos, al punto que la radio ponía en el mismo tiempo varios sencillos a la vez, dejando casi relegado a Los Locos del Ritmo en popularidad. Entre las versiones de éxitos de rock'n'roll estadounidense y los temas originales, terminaron por destacar las primeras que eran lo suficientemente rebeldes para una generación latinoamericana que por primera vez oía ese estilo de música pero lo suficientemente apto para que los padres lo pudieran aprobar en una sociedad mucho más conservadora de la época.

Muchas de las canciones entraron al repertorio popular de la música en Latinoamérica y con ello marcaba el inicio del consumo del rock n'roll por el público de la región y el final de la era dorada de los boleros o la música más orientada al público adulto, particularmente por "Rock de la cárcel" original de Elvis Presley y "La plaga" de Little Richard, que en vez de hacer referencia a una desenfrenada jóven afroamericana de la letra original, hacía referencia a una tipa que solo quería gozar del rock and roll. Las mayorías de las traducciones estarían a cargo del propio Guzmán, que no tardaría más de un año para abandonar la banda y comenzar una exitosa carrera solista por lo que una banda latinoamericana no volvería a tener una popularidad internacional tan grande hasta luego de algunas décadas después, aunque no sin antes haber sido parte clave de la asimilación del rock en personajes primigenios de la historia como Miguel Ríos, Charly García o Lito Nebbia. (J.L.Mercado)

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60
Rock and Roll

Tequila

Rock and Roll (1979)

Sobresaliente segunda entrega de la legendaria banda hispanoargentina en donde se puede apreciar la esmerada y cuidada producción lo cual significo tremenda evolución especialmente si se compara con su álbum debut. Surgidos en una epoca de cambios y contrastes en el marco de una España post franquista que influenciada por el punk comenzaba a moldear y definir el panorama musical rockero que posteriormente se conocería como La Movida, aunque la banda permanecio al margen de todo esto y establecio su sonido a partir de las influencias provenientes del rockabilly y de la crudeza brutal de los Rolling Stones, la cuales quedaron plasmadas en los 10 temas de "Rock And Roll", que van del blues al power pop y cuyas letras invitaban al descontrol total, a pasarla bien sin darle más vueltas al asunto, despues de todo para eso sirve el Rock, vendrían otros discos de igual calidad pero con Rock and Roll marcaron la diferencia que los catapulto a la fama y que de igual manera los condeno tras las constantes discusiones y desacuerdos motivados por la heroina, que fue lo que termino de matar a la banda (David Delio)

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59
Honestidad brutal

Andrés Calamaro

Honestidad brutal (1999)

Para cuando el disco fue lanzado en la Argentina era considerado el más largo de la historia del rock de ese país ya que contaba con 37 tracks que justamente obedecía a la edad que Calamaro tenía cuando el disco fue terminado, el álbum reflejaba un intenso, doloroso e intricado momento en la vida del músico como fruto de la ruptura con su novia, los continuos desvelos y los agotadores viajes, lo cual a la larga resulto en el trabajo más completo de su carrera debido a la diversidad de estilos musicales que abarcaba como el tango, el bossa, el ska, el blues, y suficiente experimentación que fueron el ingrediente perfecto para acompañar sus clásicas baladas y tonadas rockeras, sin embargo pese a contar con el beneplácito de la critica no se vendió tan bien como su álbum predecesor, cabe destacar dentro de las curiosidades del album el tema dedicado a Maradona, así también la dedicatorio a Miguel Abuelo antiguo compañero de Calamaro en los Abuelos de la nada. Al final de cuentas puso a Calamaro en lo más alto de la escena musical iberoamericana. (David Delio)

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Los Brincos

Los Brincos

Los Brincos (1964)

La explosión mediática de los Beatles a principios de los 60’s revoluciono la lúgubre imagen que se tenia del pop hasta entonces, los cuates no solo se convirtieron en clásicos sino que también inspiraron a centenares de bandas alrededor del mundo a copiar su imagen y sonido, entre esas bandas estaban los Brincos que con el marchar de la década pasarían a convertirse en la mejor banda española hasta el momento, se podría decir que en cierta forma estaban adelantados a su época, tanto en su usanza como en los instrumentos que usaban siempre a la vanguardia de las tendencias por lo cual no tenían sinceramente nada que envidiarle a los Beatles, Animals, Gerry & The Peacemakers, sin duda este álbum es considerado piedra angular no solo dentro del pop sino también del Indie español “Los Brincos” significo un cambio drástico contra la establecido en aquel momento gracias a su buen ritmo, los esmerados arreglos melódicos, encantadoras baladas y algunos temas con cierta tendencia garagera por no decir Indie, este se grabo en octubre del 64 en Madrid y contó con la producción de Maryni Callejo, y abría con la frenética “Dance The Pulga” también venian dos exquisitas baladas como “Es Para Ti” y “Es Como un Sueño” considerada una de las mejores canciones de toda su carrera, “Cry” que fue su primer single y “Flamenco” su primer numero 1 y que los volvería archifamosos pero las que sin duda llaman mucho mi atención son las sucias y alternativas “Shag It” y “What´s The matter With You” en donde su encanto under queda en evidencia sonando al más puro estilo de los Beatles en su época de Hamburgo o al de cualquier banda posterior a 1977 que se jactara de llevar la etiqueta de independiente, por algo es que Los Brincos y en particular este álbum ha sido el punto de partida e inspiración para muchas bandas de la movida y posteriormente del sonido indie español.

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57
Bueninvento

Julieta Venegas

Bueninvento (2000)

Producido también por Gustavo Santaolalla, “Bueninvento” segundo álbum de la mexicana Venegas presento ciertos cambios orientados hacía un rock mas subterráneo y conceptual lo cual significo una evolución en su carrera, quizás menos atrevido y directo que su predecesor pero si mucho más consistente de principio a fin, la mayoría de las canciones están arropadas y dirigidas por baterías a menudo programadas, muy buenas acentuaciones de su inseparable acordeón, mucha guitarras eléctrica, claros y destacados coros y muchos teclados descartando las canciones del piano que se caracterizaron en su debut, todos estos factores hacen de esto un material bastante versátil para el oyente de hecho a medida que el álbum progresa los ánimos e intensidades entre canción y canción se vuelven mas evidentes lo cual es uno de los aspectos destacables de la placa, de canciones con un ritmo relajado a canciones mas intensas y rápidas, de claros y fuertes coros a calmados versos con finales casi caóticos en la mayoría de los temas, lo cual le da al álbum su sabor especial haciéndolo difícil de digerir a la primera pero conforme las escuchadas se le va tomando cariño, definitivamente no es pop facilón como muchos hubieran querido de parte de la Julieta, aquí se apuesta por lo difícil lo cual se le agradece. (David Delio)

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56
Flamingos

Bunbury

Flamingos (2002)

Para discutir sobre este disco o, si se quiere, sobre toda la discografía en solitario de Enrique Bunbury, hay que despegarlo automáticamente de sus fuentes, de la súper banda ibérica Héroes del Silencio. En sus ratos en solitario, trata a cada uno de sus discos darle un sonido único, dispar de su antecesor inmediato. Siempre y cuando, guarde su impronta. El sello bunburyano que guarda su voz característica, la pose de Morrison y el glam de Bowie. Y justamente, “Flamingos” es el disco más glamoroso de todos, en el cual explota su inspiración (o devoción, quizás) por El Duque Blanco.
Luego de la prolongada y exitosa gira “Pequeño Cabaret Ambulante”, Bunbury se refugió en los estudios de grabación para retomar una esencia perdida. Trata de su costado más escéptico con el sexo opuesto, donde echa a rodar su juicio, su pesimismo y el arrepentimiento por el tiempo perdido. Juntando una big band, una especie de dream team de la música española contemporánea, ungió en quince pistas una serie de reglamentos a seguir para conocer mejor al artista. Abocado al éxito dinámico, dio forma a algunas canciones populistas, de rima fácil, como “Lady Blue” o “Enganchado a ti”. Sin embargo, este disco refleja como pasa imperceptible la rudimentaria arquitectura de una obra, que disimula constantemente a favor de buenos matices musicales, solventado en la facilidad poética de Bunbury. Un disco de temas hiteros, pero que se deja escuchar del track uno al quince. (David Delio)

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55
Finisterra

Mägo de Oz

Finisterra (2000)

Con ese ritmo ultrasónico y carrasposo que caracteriza desde sus entrañas al género heavy metal, los Mago de Oz (banda ibérica referente del género) propone abrir un libro cualquiera, una fábula extraña y nos adentra en la historia de Diego Cortés, un espadachín futurista que lucha contra el vaciamiento espiritual, por mantener el valor preciado de la humanidad. Remitiéndome a la voz en off del niño que abre el disco, entre flautas medievales y fábulas apócrifas: “por eso, es mejor forjar el alma, que amueblarla”.

La pista preliminar para agolparnos a un proyecto ambiciosos, que por tal, parece pender de una débil soga trazada a lo largo de una cornisa. El abismo. Ni todos los arreglos expuestos en el material, ni la magia oscurantista que esconden las vibraciones musicales, ni siquiera la parábola espiritual de Mago de Oz puede arremeter de lleno a favor de un concepto demasiado osado. Cada capítulo se tiñe del mismo ribete, la diferenciación entre aventura es casi transparente, de tal modo, la música ocupa un mero espacio funcional a la historia narrada, a lo cantado. El resto es puro achaque y amasijo de guitarras.
Es notoria la lucha entre la catástrofe que proponen las guitarras disparadas al aire en un cierto tiempo, con el poder necesario que requiere el metal, unos gritos agudos acorde y mucha suntuosidad musical; algo barroco escondido tras la plegaria suicida que despierta tal empresa: el contar canción tras canción una historia algo vermicida como la metáfora demodé de la historia del hombre y sus demonios. (Imfreakalot)

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54
Salve

La Polla Records

Salve (1984)

El primer LP de La Polla Records marcarìa un antes y un después en la mùsica belicosa hecho en Hispanoamerica.

Empapados de lo que sucedìa en Gran Bretaña lo llevaron a una realidad donde el Pais Vasco escupía gargajos cargados de una represión socio-cultural como consecuencia de las políticas del dictador Franco. Siendo una de las obras más recordadas del rock radical vasco (movimiento cuyos integrantes siempre rechazaron como tal porque fue una camada de bandas espontáneas que no solían tener mayor relación cercana entre ellas excepto por surgir entre el País Vasco y Navarra) terminaron siendo empapados en el otro continente por la universalidad de su anti-discurso. Y es que en el disco se habla de todo lo que era tabú o simplemente a nadie se le había ocurrido (desde la industria musical, pasando por la iglesia, los poseros, la pornografía, el abuso laboral, el apartheid, la prensa farandulera y la lista sigue), cargados de un humor negro antes de que un discurso político.

La banda llegó a alcanzar una popularidad sin precedentes para ser una banda cuyas canciones se vetaban en la radio, y su "Opus Dei,¡oh no!" del tema homónimo del disco quedó casi inmortalizado en el mundo underground de los 80's que puede ser comparado con el "Gracias totales" de Cerati que en el mundo mainstream una década después (como cuando lo cita Jorge Gonzáles en el Viña del Mar en la última presentación de Los Prisioneros en el 2003). Y es que toda banda punk contestaria que saldrìa posterior al impacto de este álbum no podrá dejar de ser comparado inevitablemente con la obra que permitió alzar la voz de los que siempre serán considerado los abyectos de una sociedad que no ha cambiado mucho en 25 años. (J.L.Mercado)

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53
Caifanes

Caifanes

Caifanes (1988)

Surgidos de los resabios de las Insólitas Imágenes de Aurora, los Caifanes debutan en 1987 haciéndose con un demo de cuatro temas como carta de presentación para hacerse de un contrato con alguna disquera entre las que se encontraba la extinta CBS México, en donde el director los recibe con la sarcástica y ahora legendaria frase: “que ellos vendían discos y no ataúdes” y para rematar termina con lo siguiente “parecen putos”, la cosa pintaba mal pero no por mucho tiempo, por ese entonces otra disquera la BMG estaba convocando a un concurso para promover un movimiento llamado Rock En Tu Idioma, siendo los Caifanes y otra llamada Neón las dos bandas elegidas que competirán por ver quién es la más popular y la que se gane el derecho de abrirle el concierto de Miguel Mateos además de un contrato discográfico, al final los favorecidos fueron los Caifanes que tras la experiencia pudieron tener un acercamiento con el productor de Mateos un tal Oscar López quien se ofreció a producirles su primer disco el cual se llamaría simplemente “Caifanes” y saldría a la venta en 1988, se puede catalogar el debut como la quintaesencia del rock mexicano, un disco rudo, crudo, propositivo, metafórico y autentico marcando la pauta a seguir en los años venideros por muchas bandas inspiradas por el sonido de este álbum, además su look a The Cure fue un punto a favor porque en ese momento no había nada parecido en la ciudad de México, de los once cortes producidos cabe destacar por su servidor los siguientes: “Mátenme Porque Me Muero” el primero en desprenderse y que a la postre llegaría a vender 300 mil copias algo insólito para el rock mexicano en aquel entonces, la archifamosa “La Negra Tomasa” que los catapultaría a la fama, este curioso hibrido de cumbia gótica traspaso las fronteras e incluso los ecos de su sonido llegaron a países tan dispares como Italia o España además que la versatilidad del arreglo permitía que fuera tocada tanto en radios tropicales como en radios rock, y el eterno clásico “Viento” cuya original punteo de guitarra destaca la creatividad de Saul Hernandez a pesar de sus carencias sabía como explotar bien los pocos recursos que tenía además el resto de la banda estuvo acertada en la rola, el disco también contaría con la participación de Gustavo Cerati que tocaría la guitarra en La Bestia Humana, haciendo una retrospectiva al respecto y viéndolo desde el punto de vista técnico puede que el álbum no fuera gran cosa si se compara con los discos que vendrian después pero su contribución para romper paradigmas dentro del rock mexicano es lo que lo eleva a categoría de clásico, este inmaculado debut de una de las bandas mexicanas más representativas de los últimos veinte años. (David Delio)

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52
Los Gatos

Los Gatos

Los Gatos (1967)

¿Realmente el primer LP se merece todo el reconocimiento que le han dado desde Argentina considerándole como el disco fundacional del rock en español? No hay duda que su éxito marcó un hito en el rock hecho en Sudamérica, y es que hasta antes de ello una banda de rock no podía vender tanto por un LP aunque ya lo habían logrado Los Teen Tops en México y Los Brincos en España anteriormente.

Pero este disco se diferenciaba de cualquiera antes por su ausencia de temas en inglés así como de versiones de temas grabados anteriormente. Los Gatos, era una deudora del caldero nacido en La Cueva, el primer reducto de la vida bohemia donde se desarrolló el primer rock fuera de la industria musical. Así que su relación con otros músicos como Tanguito o Moris serían fundamental para la concreción de algunos de los temas más significativos del disco. A ello se le añade lo melódico del disco por la fuerte influencia beat que genera una serie de canciones de corte pop de la más alta manufactura.

La canción más emblemática fue sin lugar a dudas "La balsa", un éxito inmediato que afirmó la fuerza comercial y cultural de la música particularmente producida en Argentina, y cuyo paso del tiempo ha alimentado una serie de leyendas que incluyen si la verdadera inspiración de la canción incluía una alusión a las drogas. Otros temas que sobresldrían serían "Ayer nomás" (que se dice que la letra fue cambiada de la pensada originalmente por temas de censura) así como "El vagabundo". Aunque la banda alcanzaría el éxito internacional posteriormente con "Viento, dile a la lluvia", no hay duda que en el disco debut de Los Gatos será el que terminará trascendiendo a nivel latinoamericana, por su búsqueda de idealismo bohemia de aquel tiempo así como por tomar con suma elegancia las más atractivas influencias pop que lo hacían un disco de melodías exuberantes y cancionero por igual. (J.L.Mercado)

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51
Botellita de Jerez

Botellita de Jerez

Botellita de Jerez (1984)

Botellita de Jerez aterrizaba en el panorama con una buena dosis blues rock urbano y mucho humor aprovechado los excesos de las bandas heavys para crear un concepto a lo Spinal Tap, solo que esta vez sin ficción y aterrizando a una estética que guardaba la Ciudad de México de los años 80's.

Y es que el disco está lleno de historias de una ciudad con personajes que uno puede encontrarse todos los días, y usando un lenguaje netamente coloquial, el cual fue uno de los más grandes atractivos de la banda, en una época donde aún la fiebre del rock en español no había tenido el estallido que ya golpeaba España y Argentina.

Las canciones que en su momento fueron básicamente himnos de la juventud underground, terminarían en ser los principales motores del concepto propio que desarrollarán el rock mexicano en el futuro con El Personal, Tex Tex o Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio. Las canciones más rescatables son "Charrocanrol" y "Alármala de tos", esta última, inspirada en una revista sensacionalista conocida por sus historias macabras y policiales, y que sería versionada por Café Tacuba en los 90s.

Vale la pena considerar que los miembros de la banda siempre estuvieron relacionados a la vida cultural de la Ciudad de México, sobre todo en el cine.

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