jueves, 28 de octubre de 2010

9. HEROES DEL SILENCIO - SENDEROS DE TRAICION (1990 - EMI)






"Senderos de traición", un álbum trascendental en un momento que definiría a la música española en el panorama internacional. La banda optó por su sonido duro con influencias de las grandes bandas clásicas así como el rock gótico, y los hizo abanderados únicos para las masas.

Para la critica especializada española para 1990, la era dorada de la música contempóranea local había muerto. Para llegar al mainstream, se había perdido la espontaneidad que habían caracterizado a las bandas de inicios de los 80's y había mucho escepticismo sobre nuevos actos. Por otro lado, el rock duro en ese país había perdido a los aliados mediáticos que los habían apoyado durante años y muchas bandas habían regresado al underground, desde donde se forjaban.

En ese sentido, Héroes del Silencio quedaba en una suerte de limbo, donde si bien se cerraban muchas puertas, se abrían otras. Una de ellas significaba de liderar el nuevo camino de la escena rockera en ese país. Pese al éxito de "El Mar No Cesa", se sentían en la obligación de abandonar el sonido casi básico del disco para tomar posturas más épicas, de rock de estadio, para abanderar multitudes. La banda requirió la ayuda de Phil Manzanera, quien decidió rescatar influencias que la banda había tenido pero que había dejado de lado en su disco debut. El disco sería grabado entre Madrid y Londres durante setiembre y octubre de 1990 y el título del disco haría referencia a un película del director francés Costa Gavras.

En "Senderos de Traición" nos muestra dominio del sonido y loable trabajo grupal; y aunque no fue concebido como una unidad, el disco toma una coherencia lineal a la primera oida. Canciones como "Entre dos tierras" o "Maldito duende" habían sido rescatadas de demos y maquetes de 1987, pero que bajo la nueva producción tomaban cuerpo y eran propicias para el momento de su lanzamiento. El disco se pensó en los conciertos (y eso se agradecería en las extensas giras que le seguirían al lanzamiento del álbum). La ecualización de la batería es impecable, pero las guitarras de Valdivia se oyen más fuertes, y por encima pasa la voz de Enrique.

La elegancia ante todo. Las dos canciones mentadas previamente se convirtieron en parte de la cultura pop de los 90's (aunque los fanáticos también tendrán en cuenta "La carta", "Malas intenciones" y "Con nombre de guerra"). "Entre Dos Tierras", el tema más largo del disco, se convertiría. La canción empalma con "Maldito Duende", que toma una dirección más pausada más no lenta.

Bunbury gana potencia en la voz (llegando a las notas que tenía que llegar), ideal para el hard rock y los solos de guitarras toman protagonismo (cambiaría su Fender Stratocaster por diferentes modelos de Gibson Les Paul). Las letras siguen proyectando tristeza, aunque hay ciertas frases que juegan entre lo ridículo y lo enigmático.

La recepción del disco sería excelente, y con ello, la banda se embarcaría en una gira impresionante para aquellos tiempos por toda América y gran parte de Europa, teniendo un éxito nunca antes visto para una banda de rock que interpretaba música en español en paises como Italia o Alemania (en este último país tienen una dedicación de culto que se ha mantenido en el tiempo). En el continente americano, se los vio como los redentores del rock llenando un vacío que habían dejado las bandas del otro lado del charco, tras el boom de las bandas españolas de los 90's, al punto que fueron la única banda de rock que pudo recibir la misma atención que las bandas latinoamericanas en la próxima era de la generación MTV Latino.

"Senderos de Traición" marcó un momento en el que la historia del rock hispanoamericano exigía a las bandas que tenían que cambiar. Muchas desaparicieron y se perdieron en la nostalgia. En tanto, Héroes del Silencio terminó por registrar los temas más emblemáticos de su carrera. Canciones que han tomado postura legendaria a través del tiempo, reivindicando el sonido duro a nivel masivo pero enarbolando los principios que toda banda pop que deja huella tener. A partir de este álbum, el público les otorgó un lugar en la historia que hasta ahora nadie ha podido superar.



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A1 Entre dos tierras 6:12
A2 Maldito duende 4:19
A3 La carta 3:04
A4 Malas intenciones 3:50
A5 Sal 0:20
A6 Senda 3:59
B1 Hechizo 4:31
B2 Oración 4:05
B3 Despertar 2:48
B4 Decadencia 4:10
B5 Con nombre de guerra 4:14



martes, 26 de octubre de 2010

CLUB FONOGRAMA CREA UN HITO EN EL INDIE HISPANOAMERICANO CON SU VOL. 10



Club Fonograma es probablemente el medio más importante en estos días de los que están especializados en actualidad del mundo hispanoamericano. No es por nada que le llamemos "el Pitchfork latino" (en cuanto a referencia se merece). De ser a un simple divertimento de un mexicano que ha residido casi toda su vida en Phoenix (irónicamente la capital del estado norteamericano donde se aprobó la ley más controversial en contra de la comunidad hispana en ese país en los últimos años) a ser un medio que diversos artistas como gente de la industria alternativa ha terminado por reverenciar ha pasado un gran camino, pero no sin antes haberse ganado su reconocimiento por reinvindicar actos de diversos origenes y que gracias a la magia del Internet han podido convertirse en la música del futuro en Hispanoamerica.

Desde hace más de un año, este medio publicaba compilaciones llamadas Fonogramáticos (de los cuales han participado desde artistas como Turbopótamos a Calle 13) y para su edición 10 decidieron autohomenajearse con una ayudita de los artistas que aman las propias propuestas que el blog ha sacado a relucir. La compilación, asimismo, demuestra su interés por artistas de España, México y Chile (aunque también aparece la colombiana Lido Pimienta, el venezolano Algodón Egipcio asi como el dominicano Alex Ferraira). Una celebración al indie con las bendiciones mainstream de Julieta Venegas (quien versiona a Rita Indiana junto a su amiga de los tiempos de Tijuana No!, Ceci Bastida), y curiosidades como versiones a la banda regional mexicana Intocable o al reguetonero Tego Calderón, solo entendibles en el mundo Fonograma.

Definitivamente constituye un hito al llamar atención de un mundo independiente que va cobrando fuerza en sí misma y está superando el localismo que había sido su gran limitación en cuanto a su público así como recepción de la crítica. Indie hispanoamericano, preséntese asimismo.

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POST EN CLUB FONOGRAMA

domingo, 24 de octubre de 2010

10. MOLOTOV - ¿DONDE JUGARAN LAS NIÑAS? (1997 - UNIVERSAL)







El tiempo suele ser el gran juzgador, y en la música no hay excepción. "¿Dónde Jugarán Las Niñas?" es un disco que ha dividido a la crítica. Para algunos quedo un disco banal de temas para adolescentes que cualquiera puede grabar; para otros significa un parteaguas en la cultura pop musical de América Latina con canciones más importantes de lo que a primera oida pueden sonar.

Antes que nada hay que entender que detrás de Molotov nunca hubo un discurso político ni ideológico como muchos vieron en ellos (al punto de que algunos consideraron que algunas de sus canciones eran una nueva forma de "canción protesta" y otros veían una versión más mexicana que perseguía el discurso de bandas como Rage Against the Machine). Más bien, liricamente sus antecedentes se pueden rastrear a las bandas incorrectas del pop español de inicios de los 80s como Los Nikis o Siniestro Total, pero llevados a la generación MTV, donde recubiertos de un funk metal potente les daba una potencia que el público masivo jamás había visto en una banda de la región.

Y es que hay que tener en cuenta cuanta cucufatería ha habido en los medios masivos latinoamericanos que se espantaban porque los Hombres G decían "Mamón" en "Devuélveme a mi chica" y así los convertieron en un fenómeno. Mientras canciones de amor o melodías simplonas retransmitidas para toda la región desde Miami con Univisión o Ciudad de México con Televisa, Molotov explotó hasta el tuétano los medios alternativos e hizo que su humor sin desparpajo encuentre una identidad distinta en la gente que hizo de las canciones verdaderos clásicos.

Pero la revolución de Molotov desde sus letras también tenían se caracterizaron por demostrarle a la industria musical que el uso de modismos no generaban menor identificación en paises no habituados a los mismos. La industria había obligado o perseguía que los exponentes internacionales usaran un castellano uniforme para que puedan ser entendidos por todos (y lo hicieron desde los "artistas" Televisa hasta los exponentes del rock en tu idioma de Argentina que cambiaban el "vos" por el tú"). Sin embargo, Molotov pudo vender solo en Argentina más de 100 mil copias diciendo "gacho" o "chinga tu madre".

Y Molotov pudo hacer de la contradicción una virtud, o quizás demostrar que el mundo no se dividía tan simple como blanco y negro. Una canción como "Gimme the power", pudo ser coreada hasta por grupos anti-norteamericanos que nunca se quejaron de que hubiera términos en inglés en la canción; o que gente en Bolivia, Uruguay o El Salvador, coreara el "Viva México, cabrones!" como si se la cantasen a sus propios paises, sin perder el poder que llevaba la misma canción.

El poco humor con que se lo tomarían los medios masivos, sobre todo en su natal México, solo terminó dando más crédito así como un carácter político al disco (que también se relacionaba con los tiempos que el PRI dejaba el poder), lo cual Universal sabría explotar a nivel mundial, y otorgaría a Gustavo Santaolalla verdadero status de Rey Midas (si es que aún dudaban tras el disco "Re" de Café Tacuba). Por cierto, Santaolalla, es el artífice de haber llevado el sonido de la banda a terrenos más alterlatinos y poder emalgamar ese sonido corajudo llevado por un bajista subestimado quien es Micky Huidobro.

Referencias a personajes de televisión, a la suegra, a los chicanos, a las perras, a los narcos, a los putos y a los gordos terminaron recreando a los personajes de los cuales se pueden seguir contando chistes dentro del folclor urbano, que en su mal gusto y visceralidad, podía terminar generar un éxito desbordante. Pesados pero enarbolando el espíritu juvenil que los acercaba a un público mundial que gustaba del rapcore (y que los hizo inesperadamente conocidos por un momento en países que no entendían las letras como Alemania o Japón).

La banda jamás se jactó de no ser comercial (y muchos fans que recién entendían con el tiempo el concepto de la banda terminarían desilusionándose). Sin embargo, es imposible poder subestimar el impacto de "¿Dónde jugarán las niñas?" que por donde se lo vea es un disco que generó un cambio para bien en la mentalidad del público masivo, la industria y la escena; y por otro lado que supo imprimir canciones que van desde lo más simplista (como "Puto") a lo más complejas (como la subestimada "Más vale cholo", que tiene un desarrollo narrativo comparado con "Pedro Navaja").



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1 Que no te haga bobo Jacobo 3:25
2 Molotov Coktail Party 3:34
3 Voto Latino 2:58
4 Chinga tu madre 3:19
5 Gimme tha Power 4:11
6 Mátate teté 4:30
7 Más vale cholo 4:45
8 Use It or Lose It 4:22
9 Puto 2:08
10 ¿Por que no te haces para allá?... al más allá 4:47
11 Cerdo 2:48
12 Quítate que ma'sturbas (perra arrabalera) 3:57



miércoles, 20 de octubre de 2010

LOS 250 DISCOS: RESUMEN (50-11)

50
Fundamental

Puya

Fundamental (1999)

Puya era una banda que pasaría a la historia por buscar la concreción de dos géneros que simplemente parecían no tener manera de encontrar un punto de encuentro. Y es que la tradición de la salsa y metal podían calzar dentro de una buena dosis de funk. La era dorada del nu-metal los introduciría a codearse con las bandas top del género a nivel internacional y el álbum "Fundamental" sería el trabajo de esa experiencia, que pasaría tras las manos del productor argentino Gustavo Santaolalla.

La banda puertorriqueña que se había establecido en Florida hacía gala de un sonido limpio pero fuerte que permitía oir con claridad el sonido de los vientos con la de las guitarras en su modo más crudo, mientras el vocalista Sergio Cobelo combinaba sonidos desgarrados con rapeos o soneos con gran destreza y las canciones tenían letras que cambinaban el inglés con el español, en algunos casos ininteligibles o escondidos tras la música.

El disco fue comparado con el "Roots" de Sepultura, aunque la influencia lo acerca más hacia el rock de base afro-caribeña del Santana de los 70's. Los temas destacaron fueron "Keep it simple", "Oasis" asi como la canción homónima. Canciones donde también había un acercamiento al rap asi como al son cubano aunque siempre dentro del concepto crítico que mantenían las líricas de la banda. El disco recibió una excelente crítica por parte de los medios especializados en nu-metal y fueron invitados al Ozzfest. Sin embargo, en algún momento quedaron en el limbo entre la escena de las bandas de "rock en español" y la escena estadounidense; algo frecuente para las bandas que quieren romper barreras, por lo que luego de un disco adicional se disolverían no sin antes haberse jactado de ser la banda que se atrevió a más desde la otra trinchera. (J.L.Mercado)

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49
Sin documentos

Los Rodríguez

Sin documentos (1993)

Un par de canciones con posteridad invulnerable, unos sonidos poco pulidos y esa rima calamariana híbrida entre lo absurdo, lo genial y lo estúpido, le valieron a Andrés Calamaro para regresar a su Continente con más glorias y esperas que en cualquier otro momento de su carrera. Es que, ya parecía perder el barco de la vigencia post muerte de Miguel Abuelo, post desmembramiento de sus Abuelos de la Nada, algunos discos que lo convirtieron un irreverente creador de éxitos de moda (“Sin gamulán” o “Mil horas”), pero tras el ocaso, un olvido prematuro que deseaba venir por él. También, el valor de algunos hits pasajeros, como su incansable “No se puede vivir del amor”, sufrieron algunas heridas de gravedad. Entonces, Andrés, viajó a España para cultivar su prosa sin miedo a equivocaciones, errores ni mensajes solapados por la crítica.
Años más tarde, como una extraña coincidencia o un elemento incidental, Andrés Calamaro presentaba a sus Rodríguez, con un ritmo que extraía el veneno canario del flamenco en tempo de candombe rioplatense, como fusión de esa identidad, presentaban: “Sin documentos”. Éxito arrollador, de nuevo a los aplausos, etcéteras.

El componente principal de este disco, una sumatoria de canciones roqueras (algo kitsch), poesías hilvanadas con la prosapia de un Calamaro todavía no consciente de su capacidad creadora, y el resto, canciones armónicas: algunas baladas con un sentido de coraje autocrítico y demás aventuras que resumen el espectáculo que pronto, Calamaro y Rot (Ariel, su guitarrista), desarrollarían por cinco o seis años más.

Entre las canciones destacadas están los temas "Dulce condena", "7 segundos" y "Salud, dinero y amor", aparte del conocídisimo tema homónimo, clásico rockero de carga sexual. Las canciones siguen la linea del primer disco, en un Tequila mestizo formando un empalme simbiótico del piano rock que Calamaro importaba de su tierra a continente europeo. El legado de este disco es indiscutible. (Mr Imfreakalot)

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48
La Revolución de Emiliano Zapata

La Revolución de Emiliano Zapata

La Revolución de Emiliano Zapata (1971)

Con el tiempo, dicen, madura la fruta. Con el tiempo, las cosas buenas adquieren su mejor color, sabor, intensidad. Con ese tiempo, los elementos de una biología indefinida se tornan especiales, adquiriendo el punto justo, para convertirse en piezas de colección, en estampillas de un álbum de colección. Eso pensamos hoy, cuando la maquinaria del rock se ha convertido en mercantilismo, en espejismos, en pura espuma y pose.

Allá, en aquellos años de exploración, de fiebre sincronizada por la urgencia del autodescubrimiento, se sembraban semillas - pequeñas pistas - que hoy recogemos como la fruta más sacra. Es que en aquellos tiempos, no había roedores publicitarios encima de las bandas, y esto, posibilitaba al desenfreno, a la prueba, al inocente ensayo. Este disco, inicial de La Revolución de Emiliano Zapata, es un convite a esas aventuras. A esas pequeñas huellas, diría mesozoicas, que hoy analizamos con tanto detenimiento, con tanta puntillosidad y cientificismo. Pues quiero decirles, my friends, que aquí no hay nada que decir. Esto es estado puro de inconsciencia sobre la música. Estado puro de imaginación, de desvarío, de irresponsabilidad. Ese germen que hoy tomamos como una obra de arte, no es más que el rock inocente de la primera época. Que trae aparejado las pifias del iniciado, que suena a lata por los sedimentos del vinilo mal grabado, que tiene la urgencia del éxito, pero sobretodo, y lo más valioso, esconde la llama inaugural de una época en fiebre, esas que parecen principiar un algo que todavía no tiene forma y se despierta lentamente. Ese rock – el de búsqueda – es el que mejor suena a rock. Para eso, no hay palabras que valgan. No es cuestión de una postura, ni de un look, ni de cuan graves suenen las guitarras, ni cual fuese o no la melodía. El rock fue la novedad: esa de ahí, que escucharán en el disco de 1971 de La Revolución de Emiliano Zapata. El resto, hasta hoy, es imitación o réplica. Aquellos tiempos, acá, en Latinoamérica, allá, en Reino Unido o Estados Unidos, o en cualquier lugar del mundo donde las guitarras experimentaban, eso era rock. (Mr Imfreakalot)

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47
Invisible

La Ley

Invisible (1995)

Cuarto álbum oficial en la carrera de la banda La Ley considerado por sus más acérrimos fans como su obra cumbre, “Invisible” fue lanzado al año siguiente de la trágica muerte del miembro fundador Andrés Bobe, si bien la muerte del compositor principal de La Ley enluto al rock chileno, para la banda significo un giro radical en su carrera ya que el ingreso de Pedro Frugone reemplazo de Bobe marco el inicio de otra etapa, empezando por el estilo de tocar de ambos ya que Bobe se decantaba más por un sonido New Wave el cual es evidente en los primeros álbumes de La Ley mientras que Frugone era más Glam.

A partir de este momento la banda deja por un lado la estética New Wave y los cambia por una tendencia más ecléctica y gótica tanto en imagen como en su sonido, el aspecto visual se vio reforzado por letras un tanto oníricas y abstractas cargadas de guitarras más distorsionadas, las canciones tienen profundidad y la música es limpia y aguda con canciones tanto en inglés, español y francés gracias a los años que Cuevas paso viviendo en Canadá lo cual hace que el disco sea la perfecta combinación de melódicas y obscuras baladas hacía tracks con un corte más alternativo llevadas a nuevas alturas gracias a la sofocante voz de Cuevas, el álbum a pesar de ser un tributo a la muerte de Bobe no evita que Cuevas tome por fin su rol preponderante como líder dejando al lado la implacable sombra del otrora líder de la banda.

Entre los datos curiosos del disco cabe destacar que algunas eran composiciones que el grupo ya venía tocando cierto tiempo atrás como la celebre “El Duelo” y “Animal”, y aparte que se rescataron algunas composiciones gracias al regreso del tecladista Rodrigo Aboitiz como “Corridor” y “1-800 Dual” que por ese entonces carecía de letra alguna. De invisible se lanzaron 5 singles oficiales, siendo el primero la exitosa y póstuma composición de Bobe “El Duelo” que vino a establecerles como una banda de la altura de Soda Stereo o Héroes del Silencio, el éxito en ventas del álbum les llevo a una extensa gira de casi 3 años siendo una de las más completas y exitosas realizadas por una banda latinoamericana hasta entonces, incluso el disco Invisible supero en ventas a Sueño Stereo que había sido lanzado por las mismas fechas.

Hasta la fecha el cuestionamiento de cual hubiera sido el rumbo de la banda de haber vivido Bobe sigue en pie, y es que durante su epoca, la banda hacía una música mas obscura mientras que durante la etapa de Cuevas el sonido se volvió más Pop, aunque habría que preguntarse si la banda hubiera cosechado el mismo éxito masivo de haber seguido el camino de Bobe. (David Delio)

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46
La Canción de Juan Perro

Radio Futura

La Canción de Juan Perro (1987)

Es curioso ver la crítica española y su visión de las cosas cuando enarbolaron a Radio Futura como una banda de rock latino. Y claro que en este caso la visión de "latino" está relacionada a ese imagen caribeña que enarbola un paraíso tropical. Se siente cierta lascividad y evocación a gente caliente pero la banda tenía un desarrollo paralelo a la evolución del rock mestizo que se daba en América Latina.

En "La Canción de Juan Perro", disco grabado en Nueva York, incluía percusión afro-cubana y una sección de vientos, pero en síntesis no tomaba gran diferencia de muchas banda de pop-rock a nivel mundial aquellos tiempos. El nivel de la banda se apreciaba más bien en su dedicación por hacer buenos temas pop, que tenían pegada pero siempre fueron en busca de trascendencia. El tratamiento de las letras y la sofisticación demostraban que habían superado la gracia juvenil de "Escuela de calor", el juego de lo "latino" no pasa de ser un recurso más en ese concepto.

Y es esa calidez que toma por asalto gran parte de la región americana que los abrazó en el mismísimo boom del rock en tu idioma, y si bien la competencia era reñida, la banda supo tener un lugar para una generación que le agradece canciones como "A cara o cruz" o "La negra flor", clásicos instatáneos, o temas como "37 grados" o la adaptación de "Anabel Lee" que empezaron a dar el crédito a Santiago Auserón, como un compositor a tener en cuenta, y que por cierto tomaría el pseudónimo de Juan Perro a partir del título del álbum. Aunque unos años después lanzarían "Veneno en la piel" que es la canción que terminaría en el consciente colectivo, no hay duda que "La canción de Juan Perro" terminó siendo el álbum con el que se les identificará para la posteridad. (J.L. Mercado)

http://rockenlasamericas.b...on-de-juan.html
45
Sueño Stereo

Soda Stereo

Sueño Stereo (1995)

Sueño Stereo se trato de una colección de doce canciones impecables, solidas, parejas y más que dignas para finalizar una exitosa carrera de una las más completas y variopintas bandas que el rock latinoamericano hubiera logrado parir.

Ya por aquel entonces era ampliamente conocido el malestar de los integrantes sin embargo pudieron limar las asperezas y presiones del momento y el resultado fue este formidable disco que es la culminación, el estado absoluto de su sonido a medio camino entre la experimentación de Dynamo y la contundencia de Canción Animal su álbum más completo hasta la fecha.

Para variar el melancólico Sueño Stereo contenía lo típico en los disco de la banda, un par de hits que llegaron a ser éxitos masivos como la célebre y universal “Ella Uso Mi Cabeza Como Un Revolver” tan solo esta canción vale por completo la placa ya que es considerada entre lo más relevante que hiciera la banda, un single poderoso arropado con un correcto manejo de las cuerdas y samples extraños que le otorgan una absoluta distinción mucho más que clásicos como Persiana Americana o La Ciudad de la Furia, y la encantadora y ecléctica “Zoom” que alcanzo la plena difusión gracias al video que invitado al libre amor como en los viejos 60’s, sobresalen también “Pasos” y la celestial “Crema de Estrellas” donde los arreglos de cuerdas vuelven a darle sabor a los vastos paisajes sonoros con los que conto el álbum, Cabe destacar también “Paseando por Roma” que obedecía a las tendencias britpoperas a lo Blur-Oasis del momento, y finalmente la alucinante Disco Eterno, por mencionar los cortes más destacables. (David Delio)

http://rockenlasamericas.b...-1995-sony.html
44
Avalancha de éxitos

Café Tacvba

Avalancha de éxitos (1996)

Después del arrollador éxito y aclamadas críticas de Re, Café Tacvba se vio en la tarea de conseguir un disco que continuara el camino ecléctico de su antecesor. Para esto, recurrió al inagotable almacén de hits populares y de mezclas inimaginables que marcan la pauta de la banda en el terreno de la fusión. Aunque la idea solo fuera disfrutar haciendo covers de canciones de dominio público, este disco marcaría el regreso de Café Tacvba por el sendero de momentos memorables: "Como Te Extraño Mi Amor" y la reversión de
"Chilanga Banda", canciones que se han convertido en parte imprescindible de su discografía, así no hayan sido creadas, más bien recreadas, por ellos.

La avalancha comienza con "Chilanga Banda" de Jaime López. El manejo del lenguaje en este track subversivo es deslumbrante; el uso extendido del fonema de la letra CH sirve para presentar la realidad mexicana desde un enfoque popular y critico. Dentro de las reversiones más populares encontramos ese hit de música para planchar (como la conocemos en Colombia) generalmente llamada música AM; "No controles", que es redibujada en tono agresivo y rebelde en la voz de Meme del Real. La famosa, "Ojala Que Llueva Café", esta vez en compañía del maestro Alejandro Flores para crear un Huapango revestido de encanto y picardía.

"Alarmala de Tos" y "Metamorfosis" son cuentos macabros narrados con un trasfondo súper eléctrico y apropiado para los mensajes que transmiten. La primera habla de la explotación y la trata de personas, mientras que la segunda es un acercamiento a los cambios drásticos de personalidad. Los momentos de calma llegan con el bolero "No me comprendes", para el cual se acompañaron de un piano que nos regala notas tropicales capaces de envolver la explosión que supone el acompañamientos de instrumentos acústicos y eléctricos interpretados de forma magistral. "Perfidia", por su parte está marcada por el bajo y una espesa capa de loops y experimentos sonoros. Sin duda, la canción del disco es ese otro éxito radial de la onda AM de Leo Dan.

Tal vez el logro más grande de este disco, además de continuar la secuencia popular y las mezclas que iniciaron con Re, fue que nos permitió entender que Café Tacvba tiene un don (un poco escaso en el mercado) para apropiarse de canciones que no son de su autoría, cosa que reivindicarían con su homenaje a Los Tres en el EP Vale Callampa.

Un gran disco que vale cada segundo y cada nota, lleno de éxitos para el disfrute de las masas y de melodías exquisitas para los amantes de la buena música. (Demon Balooni)

http://rockenlasamericas.b...xitos-1997.html
43
El espíritu del vino

Héroes del Silencio

El espíritu del vino (1993)

Héroes del Silencio iba abriéndose por buen camino en su búsqueda de conquistar el mundo y demostrar que las barreras del idioma podían romperse incluso con el prejuicio de que el rock y el idioma español podían ir de la mano (y no hablo del mundo hispanoparlante). Las intensas giras también habían ayudado a generar una mayor seguridad sobre lo que ellos querían y todo apuntaba a acercarse al espíritu del rock.

Phil Manzanera volvió a trabajar con ellos y la grabación fue en los estudios Gallery (en Chertsey, Londres), pertenecientes al propio productor. El título del disco hacía una referencia a los excesos que se dieron en todo sentido, desde la búsqueda de dar el mayor número de tracks posible hasta el uso de drogas durante la grabación, y todo ello sin contar lo gran ególatras que se habían vuelto, la misma imagen de la estrella de rock que muchos fanáticos acá y allá adoran. Pero es el sendero hacia donde giraban los que hacía de su trabajo algo de trascendencia.

El abandono total al new wave y la apuesta mayor por las guitarras (lo que practicamente obligaría la entrada del guitarrista mexicano Alan Boguslavsky) fue asociada con una búsqueda por lo místico, algo totalmente contradictorio si consideramos lo mencionado previamente, pero es que precisamente esa lucha de extremos parecía recubrir la temática que terminaba por cerrar el círculo de aquella etapa.

Canciones como "Nuestros nombres", "La herida" o "Flor de loto" se convirtieron en himnos de los fans (a diferencia de "La sirena varada" que tuvo un poco más de suerte comercial, sobre todo en América Latina), sin embargo, sería sensato decir que no era precisamente el álbum de donde se podía desprender sencillos.

El tiempo lo ha consolidado como el disco favorito entre los fanáticos porque aunque no tuvo la potencia de su sucesor "Avalancha" ni el toque sofisticado de "Senderos de traición" terminó siendo el gran testimonio del pico de una banda de rock, que marcaba la mitad de una carrera que bajo su grandeza terminaría por iniciar la chispa incendiaria de un fin previsible que muchos no aceptaban ver. (J.L.Mercado)

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42
Libertinaje

Bersuit Vergarabat

Libertinaje (1998)

Esto es un juicio de valor: “Libertinaje” es un disco 100 % efectivista. El resultado de un manojo de vicisitudes atravesadas a lo largo de un tiempo de mareas, de ocasos, de máscaras carnavalescas, de excesos. La reversión de la historia de Bersuit Vergarabat se empieza a contar a partir de este disco, y, de un capitán de mareas que supo rescatarlos del naufragio: Gustavo Santaolalla.

Corrían los vertiginosos años noventa en la Argentina. Un derroche de fiesta neoliberal, de viajes a Miami y plata dulce; por un lado, algunos músicos corrían a través y para el éxito oportuno, sumidos a una especie de cresta contestataria de doble faz, de indiscreto pensamiento hacia el ascenso directo. Por otro lado, una resistencia débil y ambivalente, que pregonaba ante los oídos todavía tapados por el dulce de una época en receso de análisis, reflexión y lucha. Para aquellos músicos, la suerte era esquiva, altanera y malintencionada. Entre ese grupo desfavorecido se encontraban los Bersuit Vergarabat. Una banda que coleccionaba entre su itinerario ese irrefrenable mensaje contestatario, ese deseo tácito por creer que la música es el medio para la reflexión. Pero claro, el público estaba encapsulado en el plástico recipiente oscuro y cegador de la fiesta menemista. Entonces, ¿cómo descubrir los ojos de la gente contra un velo tan hermético? Entreguémosle fiesta en clave Morse, en mensaje solapado (y no tanto), para aquellos que, de alguna manera entenderán, con el tiempo, que son parte de esa ola que crece y que algún día, en la lejanía, morirán aplastados por ella: y así, en un futuro remoto reivindicarán la poesía, el mensaje, entenderán, nos entenderán, etcétera.

Por eso ratifico mi sentencia previa. Efectivizar a través de la música: reuniendo todas las cualidades posibles, agrupando en dosis exageradas los ritmos escondidos que una banda (hablamos de muchas personas) puede ejecutar y, sobretodo, aprovechar un momento de duda, de abismo intelectual y colocarlo entre el público como una pieza infaltable de dominio popular. Y el mérito (reafirmo, es un mérito) de Santaolalla, de lograr percibir sobre el horizonte inextinguible de posibilidades la verdadera naturaleza y razón de Bersuit Vergarabat: la efectividad, en “Libertinaje”, de las necesidades de una época determinada, de una demanda que parecía silenciada por una mordaza popular.

Desde la estrepitosa, directa y pornográfica reversión de “Señor Cobranza” de Las Manos de Filippi, pasando por la emocionante “Vuelos” – en el giro alegórico más excelso – y los himnos (pre-destinados a ello): “Murguita del sur”, “Se viene”, “Yo tomo” y “¿Qué pasó?”, repasando por un repertorio ecléctico, sabroso y por demás provechoso para cimentar las bases de una nueva versión de la banda: la adaptación como forma principal de comercio, como un escudo de auto-realización para contraatacar en el momento preciso, como una forma ambigua de concientizar y recibir algo a cambio. (Imfreakalot)

http://rockenlasamericas.b...inaje-1998.html
41
Bocanada

Gustavo Cerati

Bocanada (1999)

Cuando Cerati deja Soda parece que no solo se deshizo de su melena y de la ropa pasada de moda sino que tomó un nuevo rumbo desde lo musical que desentona un poco con la etiqueta de rock en español. Primero se embarca con Melero en un rollo electrónico-experimental que hasta la fecha sigue siendo tierra desconocida para muchos de sus fanáticos. El viaje experimental continúo y tuvo su pico más alto en 1999 cuando publica su primer disco en solitario: Bocanada; una exquisita fuente de melodías de pop distorsionado a las cuales se suma la maestría de Cerati para crear letras poéticas y profundas.

"Tabú" abre el disco con aires de free jazz al cual se le une una especia de trivialidad salvaje que no puede acompañar de mejor manera la poesía armoniosa del maestro. Canciones como "Engaña" y "Puente" quedaron como el gran legado de este disco; temas de amor envueltos con palabras justas para desatar el encanto, notas que rozan el pop y que se alejan de él con una facilidad provocada por el indudable talento de Cerati con la guitarra.

La diversidad reina en las primeras ocho canciones del disco donde la calma lo envuelve todo de manera gloriosa y en instantes caótica. "Bocanada" por ejemplo es un severo viaje introspectivo donde la voz se convierte en el puente entre la perdición sónica y la realidad absurda. "Rio babel" y "Beautiful" vienen con claras influencias electrónicas que no abandonan del todo la calma pero que vislumbran una frescura pueril. Sin duda el track del disco es "Verbo carne". Seguramente esta canción fue la que prendió la chispa de los Once episodios sinfónicos. Una pieza que mezcla todos los elementos de Bocanada y le agrega un sabor indescriptible. Sinfonías, guitarras, secuencias electrónicas casi imperceptibles y una letra intensa que hace justicia a tan buena música.

El descaro comienza a apoderarse del disco a partir de la canción numero 9. La hermosa lirica y los acordes medidos de la guitarra dan paso a la experimentación con sonidos de ambiente y electrónicos, tal vez por esto, Bocanada es un disco apetecido por DJs. Si escuchamos "Paseo inmoral" por ejemplo, podríamos sorprendernos con la similitud de los beats bailables de finales de los noventas con los que muchas bandas están empleando en la actualidad. ¿Visionario o descarado? Para nadie es un secreto que Cerati está más allá del bien y del mal y con Bocanada no hizo más que darnos una prueba de las texturas de su cielo sónico y de su lirica inigualable. (Demon Balooni)

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40
...próxima estación...Esperanza

Manu Chao

...próxima estación...Esperanza (2001)

Luego del éxito avasallador del disco "Clandestino", Manu Chao se dirigía a terrenos muy conocidos para él mismo. Y ese mundo consistía en la vida del caminante que iba grabando con un pequeño aparato sus recorridos por el planeta. Pero a la hora de que ello se materializó tenía un elemento que pese a que primera oída no suele llamar la atención lo diferenciaba. Y es que dentro de ese mundo de samples desordenados que evocan distintos momentos y sensaciones había una dirección más cosmopólita y positiva.

A diferencia del antecesor, el español había perdido el liderazgo en ser la lengua principal de los mensajes de Manu, y había entrado a tener una mayor participación el inglés, el portugués y el francés. Ello podría no tener mayor reconocimiento, considerando que el público destinatario siempre ha sido de lo más variado. Pero es la comprensión y asimilación de los estribillos de los oyentes lo que causa cierta empatía de consecuencias globalizadoras.

Y claro que el más grande manifiesto fue el extremamente simplón y pegajoso "Me gustas tú", un tema que en algún momento podría haber sido repudiado por programadores radiales por su cuota "freak" y que terminó conviertiéndose en un himno pop alternativo de éxitos desmedidos incluso en los circuitos menos pensados a nivel mundial.

La dirección la cual menciono al principio se plasma en la pérdida del mensaje político (matizandolo con el social) en pro de darle una cadencia rítmica entre los giros minimalistas que genera un viaje entre lo exótico y lo divertido. La conciencia espiral del disco también puede jugar en contra de oídos virgenes pero es innegable que esta consagró a Chao a la escena mundial al punto que llevaría la siguiente etapa de su carrera a la producción en vivo que le llevarían incluso a encabezar una de las noches de Lollapalooza del 2006 y pasaría a hacer un referente global del lado más anarquista de la música alternativa. (J.L.Mercado)

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39
Piano Bar

Charly García

Piano Bar (1984)

Fue el cuarto disco de estudio en la carrera del siempre controversial Charly García, grabado en su totalidad en Buenos Aires y mezclado en el Electric Lady Studios en la ciudad de Nueva York. Se trata de un disco redondo, crudo y bastante visceral, de esos que rompen parámetros tradicionales y que se cuentan por pocos, parido totalmente por un Charly que por 1984 se encontraba en su mejor forma, casi que libre de cualquier exceso característico en su vida y carrera profesional, el resultado entonces fue abrumador melodías pegajosas y letras que criticaban la pasmosidad de la sociedad de aquellos años, Piano Bar esta basado en un sonido netamente pop-rock arropado con la sutileza y simpleza primordial que Charly solía usar por aquel entonces en sus obras, el disco abre con "demoliendo hoteles", seguida de la encantadora "promesas sobre el bidet" y luego la que obedecía a esos tiempos ochentenos tan eclécticos "raros peinados nuevos", para darles nuevos brillos y aires a una escena musical argentina que venia de salir de la crisis de las Malvinas.

Por supuesto que como buen argentino no podía dejar atrás su cuota tanguera en “no te animas a despegar” y su infaltable vena humorística en “no se va llamar mi amor” cuentan que era una critica a los que no dejaron ponerle de nombre “mi amor” a un tema porque ese título tan manoseado ya estaba registrado.

Para las sesiones de Piano Bar, Charly se hizo acompañar de músicos como Pablo Guyot en la guitarra, Alfredo Toth en el bajo, Willi Iturri en la batería y Fito Paez en los pianos, en cuanto a los tres anteriores pues estos al final formaron GIT aquella banda que fue punta de aquel movimiento fresón llamado Rock En Tu Idioma y cuyo primer álbum sería producido por Charly.

Por desgracia El disco coincide con la época en la que el publico comenzaba ver más a Charly como el hombre-escándalo y controversialmente indeseado que como el músico completo que era, lo cual marcaría a Charly para siempre pese a estar en su pináculo creativo su vida personal y emocional, toda esa locura y desenfreno necesitaba una via de escape en un álbum como Piano Bar el cual logro quedar marcado como un clásico para la posteridad no solo del rock argentino sino del iberoamericano en general. Sin duda la mejor etapa en la carrera del pintoresco Charly que a pesar de los pesares y entre tanto mar de disfuncionalidades y casi que sin ensayos logro sacar adelante uno de los álbumes pilares del movimiento. (David Delio)

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38
Oktubre

Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota

Oktubre (1986)

Oktubre fue el segundo disco de la banda Patricio Rey y Redonditos de Ricota, la banda independiente más masiva que tuvo Latinoamérica durante los 80's, una década que estaba dando oportunidad a una cultura que ofrecía resistencia a esa movida mediática que estaba atrapando a la nueva generación, pero que contradictoriamente, también permitía abrir los espacios que este tipo de bandas necesitaban.

Y es que el profesionalismo que se plasma al disco también va acorde con el oscurismo y encriptación que solo un disco del underground podría haber emergido. Y es que el Indio Solari, buscaba imprimir a la banda un sello personal que lo distinguiera del simplismo lírico que abundaba en aquellos tiempos y cuyo aborrecimiento hacía público. Ello lo encontró en un concepto que rodeaba el interés de la banda por la Unión Soviética, aunque con mucha ambigüedad, al punto de dudar si se trata de una crítica o una elegía al mismo.

Asimismo, las canciones buscaban tomar distancia de cualquier banda de new wave de aquel entonces, y buscaban un medio entre el rock n roll y el blues rock, aunque siempre con el corte interpretativo del Indio Solari cuya voz recogía otras influencias y terminaba cuajando el distintivo de la banda que ya se venía trabajando desde el otro disco.

El trabajo marca un inicio y un precedente para el mundo independiente, sobre todo para Argentina, que junto a Sumo, se convertirían en los fenómenos que más influenciarían partiendo desde fuera del mainstream (por lo menos en un principio). Canciones como "Fuego de octubre", "Música para pastillas" o "Preso en mi ciudad" calaron en su público férreo aunque sería "Jijiji", el clásico inevitable y conocido por la voz final gritando: "Chernobyl". (J.L.Mercado)

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37
Amor Chiquito

Fobia

Amor Chiquito (1996)

Por 1995, Fobia era una banda en crecimiento en cuanto a aceptación, su pop psicótico y de líricas sarcásticas estaban aterrizando a términos más concisos, aunque no por ello menos interesantes. Quizás también se pueda dar el crédito al productor Gustavo Santaolalla quien junto a Anibal Kerpel estaría tras del disco.

Y es que para el disco "Amor Chiquito" cambiaron la rutina como habían grabado discos anteriores. Incluso se hablaba de una presión por parte de la disquera. El resultado fue el de un integro y excelso disco pop que aún cuesta ser entendido en los mismos términos como rock, pese a que los fanáticos del mismo no niegan en adorar cada uno de los 11 temas que integran el álbum (12 sin incluimos el bonus track). ¿Cómo es posible eso?

Las razones pueden encontrarse en las expectativas que esperaban los fanáticos del rock en ese entonces: un disco trasgresor y que escupiera furia maldita que aquí nunca existe. Porque las canciones han sido pensadas en forma calculadora desde el inicial "Revolución sin manos" pasando hasta el pop de referencias a Pixies como en "Descontrol". Se pensó el disco en un largo plazo, y el tiempo ha demostrado ello. La mayoría de los temas terminaron en el colectivo de los fanáticos del género por sobre otros temas de sus anteriores discos que gozaron de mayor popularidad en su momento.

Y es que Fobia nunca supuso forzarse a entrar a un cuadriculado comercial, pero sí a una serie de cambios que terminarían por forzar la salida del baterista "Chiquis" Amaro poco tiempo después de la salida del disco(siendo reemplazando por Jay De La Cueva) y que generarían una buena recepción de canciones como "Veneno Vil", "Vivo" y la aparentemente cursi "Hipnotízame". Ni la referencia implícita a la pedofilia de la portada como del título sería impedimento de ello. (J.L.Mercado)

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36
Comfort y música para volar

Soda Stereo

Comfort y música para volar (1996)

En la serie Unplugged que ofrecía la cadena de videos MTV en los 90s, era una buena oportunidad para que las bandas se expongan al desnudo dejando la complejidad, el ruidismo o toda la parafernalia y se acerquen a lo orgánico y simple de la música. Ello iba simplemente en contracorriente con lo que Soda Stereo quería plasmar en su concierto "Plugged" que para evitar problemas con el resto de la serie en su versión latinoamericana se le prefirió llamar como "Comfort y música para volar".

Y no es precisamente porque las canciones quieran presentar distorsiones y carga brutal, pero era inevitable negar la etapa de experimentación eléctrica por la que pasaban sumado al cada vez mayor amor de Cerati por las máquinas, que parece haber encontrado mejor escenario como para mostrar ese acercamiento.

Del concierto original solo entrarían 7 temas (aunque 10 años después ha salido una nueva versión donde se incluye los 13 temas) y 3 de ellos que correspondía a "Sueño Stereo" que tan solo había sido editado un año atrás pero los puntos más altos estaban en los temas más viejos que eran reinventados. Por ello, quedó inmortalizada la versión de "Un misil en mi placard", casi irreconocible comparando al tema original 12 años atrás, y el de "En la ciudad de la furia" cuya versión acompañada por Andrea Echeverri terminó convirtiéndose en uno de los momentos icónicos del rock en español en los años 90's. En algunos temas se deja acompañar la viola, el violoncello y el fagot a cargo de los hermanos Fainguersch.

Otra curiosidad del disco es la segunda parte es que se trató en realidad de temas de estudio que se pensaron lanzar como un lado B de "Sueño Stereo" y cuyos temas variaban entre el shoagaze y la electrónica como un rezago de lo que ya venía de "Dynamo". El empalme entre ambos contrastes del disco está sujeto por una suerte de pestañeo que parece aterrizar el viaje al cual nos quieren llevar.

Sería la última producción que contendría temas de estudio de la banda y con ello, la colocación de disco clásico quedó en la posteridad. (J.L.Mercado)

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35
El patio

Triana

El patio (1975)

Triana parecía ser el punto cumbre de una experimentación que buscaba fusionar el rock con el flamenco en España. Y "El Patio" buscaba ser la consagración de ello, el trabajo que mejor aglomeraba el término de "rock andaluz."

El trío conformado por Jesús de la Rosa Luque (voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (percusión) encontró su base a partir del rock progresivo (aunque con el apoyo de Manolo Rosa al bajo y Antonio García de Diego en la guitarra eléctrica) pero eran las raíces de su natal Sevilla lo que permitía una amalgama casi mágica, permitiéndose lucirse con grandes solos.

El disco cortaba con unos 70's, donde muy pocos grupos habían podido enrumbar el movimiento del rock tan rápidamente coincidiendo con una época democrática tras la caida de Franco, que de paso significaba el fin del centralismo y la celebración de ciudades consideradas periféricas hasta ese entonces dentro de la nación española.

Los 2 más grandes clásicos de la banda estarán contenidos en esta producción: "Abre la puerta" y "En el lago", canciones que superan los 6 minutos y donde dan gran proeza de las más grandes habilidades para gustar así como para sorprender. Pero hay que dejar en claro que pese a la invención, el rock siempre fue el género bajo cual ellos se manejaba e inclusive al punto de reconocer influencias como la de Vanilla Fudge o King Crimson.

La banda seguiría manejando ese línea (aunque con acercamientos a formatos más comerciales que les permitiría llegar a un público mayor) hasta el fallecimiento de Jesús De La Rosa en 1983 por un accidente automovilístico. Sin embargo, ninguna de sus obras se pudo acerca a esta, al punto que incluso su repercusión ha superado largamente el mundo hispanoamericano y es considerado una joya dentro del progresivo mundial. (J.L.Mercado)

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34
La espada y la pared

Los Tres

La espada y la pared (1995)

Hoy me propuse la tarea de reseñar otro de esos discos que cualquier fanático del rock en español debe escuchar por lo menos una vez en la vida. Tarea que acepto con gusto pero con el miedo de desentonar por mi falta de experiencia. Por eso con mi más humilde espíritu de melómano neófito me pongo entre La espada y la pared para reseñar un disco que mantiene su esencia intacta a pesar de los años y que seguramente ha influenciado a tantas bandas como cualquiera de los discos que forman esta lista interminable.

La Espada y La Pared marcó su camino como el disco que internacionalizó a Los Tres, un éxito de ventas en chile y un compilado de composiciones frescas de las cuales “Déjate Caer” es solo el abrebocas. La primera canción del disco se siente como hibrido de música folklórica chilena a la que se le suma un jazz pervertido por el Skabilly; por su parte, la letra nos deja todo a la imaginación y unas ganas locas de darle besos a la madre. No es hasta que comenzamos a pisar el terreno del resto del material cuando nos damos cuenta del potencial inagotable del que está hecho.

“Hojas de té” tiene esa esencia de juventud rebelde al igual que el absurdo de fusionar la razón y el olvido para acabar con las ataduras: “los recuerdos harán que te olvide… que no se te olvide acordarte que me tienes que olvidar” simplemente genial. “La Espada y la Pared” es una joya indiscutible, desde las evidente influencias de punk hasta el uso de acordeones, todo encaja magistralmente en un track que se extiende por cinco minutos de adrenalina elegante. Tírate por su parte es otra canción obligada del disco, decadente y cruel, descorazonada y apasionada, llena de furia, visceralidad que deambula como perro callejero por calles desoladas donde los músicos tocan piezas de jazz a media noche.

En el trayecto del disco encontramos mas de esas fusiones bien logradas y nada pretenciosas de la banda, un sonido tan único, alimentado por años de experiencia y porque no, por la decadencia noventera, mas explicita en un corte de influencias eléctricas como “Tu cariño se me va” (cover de Buddy Richard), hasta el cover de Velvet Underground que tiene tanto de grunge como de pieza experimental, conjurando sintetizadores y secuencias que al sumarse la voz crean un ambiente envolvente ante el cual es imposible resistirse. (Demon Balooni)

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33
Simplemente El Tri

El Tri

Simplemente El Tri (1984)

En una época que el rock en español estaba despegando en México pero aún no había llegado al climax comercial (que alcanzaría en 1987), El Tri aparecía con su disco debut, o en todo caso renacía con un nuevo concepto tras el rompimiento de Three Souls In My Mind (aunque si se le pregunta a Alex Lora, se trata de la misma banda).

Viéndose en retrospectiva la discografía de El Tri, lo que difereciaba "Simplemente" de todo lo que vendría por delante, es que en esta producción su había una verdadera vocación de trabajar como banda antes que de un grupo opacado por el protagonismo de su lider. Sergio Mancera en guitarra principal y Arturo Labastida en el saxo, que venían de la agrupación anterior tenían participación en la composición de los temas y ello se siente en la oída final. Lo mismo sucedía con el batero Mariano Soto.

Las canciones pasean entre el rock and roll y el blues rock con pequeños pero interesantes acercamientos al hard rock. Entre los temas más destacados están el cover de Rockdrigo Gonzáles del "Metro Balderas" (que ayudaría a popularizar el tema original) y el hard blues "San Juanico" (basado en un tragedia real). Pero la canción que termino por consagrarse al punto que ha sido versionado en un sinnúmero de veces es "Triste canción de amor", un blues rock que en la voz de un Lora menos alborotado pero con un final in crescendo y digno de clásico instantáneo.

Vale recordar que la recepción del disco no fue rápida. De hecho, su éxito tuvo que esperar un tiempo luego de la salida del álbum y luego que la Warner vio que algunas canciones funcionaban bien en otros países (como sucedió en Perú), ral como sucedería con otras producciones de rock mexicano que fueron considerados como "bichos raros" por un público local incrédulo, que con el tiempo termina por rendirse ante los mismos. (J.L.Mercado)

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32
Deseo carnal

Alaska y Dinarama

Deseo carnal (1984)

Hasta antes de Alaska y "Deseo carnal" era muy díficil entender al pop como trasgresor, y es que sus melodías melosas y no muy complejas las hacen muy asimilables por cualquier tipo de público. Sin embargo, detro de todo ello había una cuota de manifiesto, deudora del mundo clandestino del cual alguna vez fueron parte.

Con una estética alusiva a la homosexualidad, la reinvidicación de la mujer, lo andrógino y a lo radical, Alaska y compañían se postulaban como ídolos generacionales de una España que ya había pasado por la transición y ya estaba en las puertas de su inserción en la Europa desarrollada.

El disco tiene un himno llamado "Ni tú ni nadie", una canción que tras el intro potente de la guitarra que llama la intención de inmediato, luego se convierte en un colorido tema bailable que guerrea en nombre del amor propio. Pero el disco abría como otra canción, quizás algo opacada en cuanto masividas por la anterior, pero no menos importante: "¿Cómo pudiste hacerme esto a mi?"

Las referencias del álbum parecían más cercana a la música disco que cualquier otra banda del momento, y que solo se puede entender como natural si se había oido el tema "Bailando" de la etapa con Los Pegamoides. Sin embargo, era la forma en como tomaban géneros musicales inocuos con actitud punk lo que vitalizaba su acto. Por otro lado, el legado del disco se sintió básicamente en la apertura mediática a las referencias sexuales (y no solamente homosexual como se los suele asociar, para muestra, la portada misma del disco), más evidente en su imagen que en las letras, y pusieron su granito de arena en la revolución liberal, tanto en España (donde Alaska pasó a convertirse en icono) como en América (donde fueron vistos en un principio como una sensación freak para luego ser entendidos por la propuesta que representaban). (J.L.Mercado)

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31
Magos, espadas y rosas

Rata Blanca

Magos, espadas y rosas (1990)

Rata Blanca jamás pensó que con su segundo disco terminaría convirtiéndose en el fenómeno metalero más exitoso de América Latina ¿Cómo pudo pasar ello? Para aquel entonces muchas bandas del rock duro español que habían llegado a continente americano estaban de retirada y muchas bandas de su género en su país jamás pensaron en la posibilidad de que su música podía trascender las fronteras.

En un momento donde el rock en español caía en el debacle del formulismo y Metallica iba tomando el mainstream a nivel internacional, aparece "Magos, espadas y rosas", primer álbum con la voz de Adrián Barilari. Precisamente la fuerza de su voz cohesionaba una propuesta que aún tenía problemas internos por no encontrar el vocalista que llevara la posta en su sonido.

Lanzado con bombos y platillos, la reacción al disco fue casi inmediato. En las radios comerciales entró el tema "Mujer amante", una balada rockera que no tenía similar a otra en la música en español por aquel entonces, y encajó perfecto en un grupo de público alejado a esta música. Sin embargo, hay que entender que el mundo del metal también celebró la consagración de la banda. Medios especializados, la crítica y los amantes de rock enarbolaron la producción; canciones como "Haz tu jugada" o "Días duros" fueron muy oidos (así como los temas "Preludio obsesivo" y "Otoño medieval" que venían del disco pasado), pero sería "La leyenda del hada y el mago", la que se convertiría en un colosal himno metalero internacional con un solo de guitarra que hasta ahora es recordado.

El tiempo ha ubicado a "Magos, espadas y rosas" como un notable disco clásico y las referencias a las grandes bandas de metal se sienten presenten sin una preponderancia en particular (aunque las referencias a la Nueva Ola del Metal Británico ochentero están a la orden del día), y es la mayor prueba de que en algún momento el metal hecho en casa también fue popular y de calidad. (J.L.Mercado)

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30
Descanso dominical

Mecano

Descanso dominical (1988)

Mecano se empezó a escuchar en Latinoamérica dentro del la primera camada del boom del rock en español. Y de los aquellos primeros temas con alta remiscencia al denominado "new romantic" con identificación a la pubertad y adolescencia a los tiempos de "Descanso Dominical" la banda ya había pasado con un respaldo comercial que parecía comerse la Europa entera.

Y es que mientras en América se los veía con notable respeto, en su natal España su éxito era una excusa para rebatir su credibilidad como banda y cuestionar cada intento de reinventarse de los hermanos Cano con Ana Torroja. Sin embargo, el paso de los años ha terminado por revertir la opinión de escépticos y demostrar que la crítica solo había sido víctima de sus propios prejuicios.

Y es que este disco termina siendo una obra maestra del pop, canciones fabulosamente pegajosas y de referencias líricas poco frecuentes en el mainstream (literatura, historia, arte en general). Musicalmente aunque la base de los temas está en un new wave poco rebuscado, es el juego de la combinación de otros estilos lo que la da un aire muy agradable a la producción: música barroca, flamenco, jazz.

Muchas de las canciones tomaron rápidamente el nivel de clásicos y se instalaron en el inconsciente colectivo. La balada "Mujer contra mujer" rompió esquemas en su momento por hablar abiertamente de un amor lésbico, y en su momento fue muy polémico. "La fuerza del destino" es el tema pop por excelencia del disco, que pese a durar un poco más de los temas de su estilo, se convirtió en uno de los temas frecuentes de su repertorio. Por otro lado, critica la exacerbación hispana por los Estados Unidos en "No hay marcha en Nueva York" e invitan al guitarrista de flamenco Tomatito para el instrumental "Por la cara".

El disco fue uno de los más vendidos que ha tenido España en su historia, pero su trascendencia está en haber podido reinventar la música pop y demostrar que se puede vender un producto original y llegar a las masas. Su influencia incluso persigue a muchas bandas de corte indie en la actualidad. (J.L.Mercado)

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29
El amor después del amor

Fito Páez

El amor después del amor (1992)

"El Amor Después del Amor" marca un antes y un después en la carrera de Fito Páez. El artista que durante años había sido estado resguardado en un mundo de culto tras la protección de mecenas de la talla de Charly García y Spinetta estaba a punto de despegar, y se dirigía a un mundo pop que buscaba un nuevo prócer que se convierta en la estrella que salvara al rock en español de su ínfulas autocomplacientes.

También habría que anotar la vida personal del cantautor, y es que Fito siempre se caracterizó por buscar reflejar sus estados sentimentales en sus producciones y para el disco del año 92 se encontraba en su mejor momento al estar sosteniendo una relación maravillosa (por aquel entonces) con Cecilia Roth. El efecto romántico y de mucho positivismo es prácticamente consecuencia natural de ello.

Canciones como "Dos días en la vida", "Tumbas de la gloria", "La rueda mágica" o "Brillante sobre el mic" son temas que pasarían a convertirse parte del repertorio natural del músico. La excelsa metáfora se contrapone al juego entre el absurdo y la realidad como parte de un nuevo código que el letrista quiere crear. El disco no tardaría en convertirse en un éxito de ventas a nivel argentino (llegando a ser el disco local más vendido de los 90's) y le abre las puertas a nivel internacional al punto al punto de convertirse en un referente reflexivo de lo que sucedía con el rock hispanoamericano en aquel entonces.

Uno de los atributos adicionales de la producción es el acercamiento de los invitados. Y es que sumados al visto bueno de García-Spinetta, la voz de Mercedes Sosa en "Detrás del Muro de los Lamentos" termina por cerrar el ciclo del entendimiento del disco a simplemente "clásico inmediato". También participaban Ariel Roth y Calamaro por los separados aunque antes del disco el nombre de Fito era mucho más resonante que la banda de ambos (Los Rodriguez).

El tiempo ha terminado por ubicar al disco como un encuentro necesario entre el rock, la música de cantautor y el pop para la música latinoamericana, ya que los dos primeros encontraron una bocanada en momentos donde se cuestionaba su pérdida de empatía social en aquellos tiempos, y Páez quedó en deuda con el disco al llevarlo hacia senderos que lo pusieron en el Olimpo de la música contemporánea (sobre todo luego que Ricardo Arjona lo haya puesto en duda). (J.L.Mercado)

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28
Serú Girán

Serú Girán

Serú Girán (1978)

Serú Girán nacía básicamente como un proyecto alterno a La Máquina de Hacer Pájaros pero las circunstancias así como curiosidades musicales de Charly García y David Lebón terminó por convertirlo en su mayor prioridad. Ello se manifestaría en el álbum debut de la banda. Brasil se había convertido en la tierra que vería desarrollarse el proyecto, donde alcanzarían su mayor interés por el jazz-rock. Atrás habían quedado esos amores por el rock sinfónico, ahora se trataba de un regreso a la canción, con su ornamentación, deudora de las experiencias previas.

Esa podría haber sido la clave que en este disco se encontrarán mucho de los himnos que conectaron con un público argentino que los adoptó cuando el rock buscaba expandir sus pequeños circuitos, aunque aún estaba lejos de alcanzar el boom que tomarían en los 80's.

Oscar Moro y Pedro Aznar solo terminarían por darle sofisticación a canciones que en su conjunto sonaba lo suficientemente sólidas para sostenerse en el tiempo. Temas como "Eiti Leda" y "Autos, jets, aviones, barcos" se insertaron perfectamente en el repetorio local, e incluso siguieron a los integrantes de la banda al término de la banda. Pero sería el tema lento "Seminare" el que terminaría por darle su mayor respaldo popular.

Contaron con la colaboración de una orquesta a cargo de Daniel Goldberg, y la grabación se hizo entre Buenos Aires y Los Angeles. Todo ello muestra de lo ambicioso del proyecto. (J.L.Mercado)

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27
La voz de los '80

Los Prisioneros

La voz de los '80 (1984)

A solo un año que Charly García lanzaba "Clics Modernos" desde Argentina e iniciaba el boom del rock en español, una banda aparecía desde el vecino Chile. La nueva onda del rock se acercaba a la gente, pero faltaba el lado más irreverente, el que contenía un pensamiento, algo que diera que hablar.

Los Prisioneros debutaban lejos de las multinacionales y con canciones más políticas de los que estaban sonando bajo países donde ya se había restaurado la democracia. "Todo comenzó con un puñado de canciones que hicimos para nosotros (..) tocábamos en una pieza de mi casa, actuábamos esporádicamente pensando que siempre nos iba a ir mal. Hasta que de repente nos descubrió un tipo al que le interesaba hacer esto y vio que lo que hacíamos podía tener alguna importancia, algún éxito." decía Jorge González . El tipo al que se referían era Carlos Fonseca, que percibió perfectamente ese vacío en la escena.

El disco jugaba con la actitud del punk pero renegaban del punk. "Los hippies y los punk ya tuvieron la ocasión" cantaban en "La voz de los 80s", un himno de universalidad latinoamericana a la nueva juventud. Y como ese, eran muchos los himnos presentes en el disco, y que hacían que un público más allá de su país natal se interesaran por ellos, cuajando perfectamente con los tiempos de expansión del rock en español. Por otro lado, "Sexo" fue durante años el tema más popular en las radio sudamericanas, que traía el gancho perfecto para hacerlo atractivo a la nueva generación más abierta a las temáticas que eran tabú hasta ese entonces.

Su sonido variaba entre el post-punk, el rockabilly y el reggae, con alguna remembranza a The Clash. Apenas se notaban los teclados que en los discos siguientes irían ganando fuerza. Y a pesar de ser la fotografía de un momento, muchos de sus mensajes aún ganan receptibilidad por los amantes del género, que han demostrado que el disco ha resistido los tiempos de mayor desconfianza, donde muchos son acusados de darse de mesiánicos sin piedad alguna. (J.L.Mercado)

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26
Signos

Soda Stereo

Signos (1986)

Cuando hablas con jóvenes promedios de distintas ciudades latinoamericanas que vivieron a flor de piel los 80's reconocerán de inmediatamente algo del álbum "Signos". Puede ser la portada, las presentaciones en vivo del disco, y algunas más fanáticos te comentaran tema por tema.

Hay que ponerse en ese momento para poder reconocer el impacto que tuvo el disco desde que salio a finales de 1986, ¿Pero el disco no le debe a generaciones venideras o acaso ha envejecido en el tiempo? La prolija discografía de Soda Stereo podría poner a tener a muchos rockeros discutir por horas, pero no cabe duda que "Signos" marca un antes y un después en la música pop latinoamericana.

En primer lugar se tiene que reconocer el crecimiento de la banda en cuanto madurez artística, y el talento para poder trabajar las canciones con el poco tiempo que tenían. La disquera presionaba ante la demanda popular y los chicos salieron del estudio con la seguridad que el trabajo los llevaría mucho más allá.

El detonante sencillo de "Persiana americana" no solo terminaba convirtiéndose en un hito sino que se encargaba de despejar naturalmente a los detractores que aminoraban el impacto del rock en español. Desde el riff inicial hasta la letra atrapante terminaron por dictar cátedra sobre como escribir una buena canción en el new wave. Temas como "Prófugos" o el tema homónimo al disco también se han perpetrado de la radio y el inconscientes colectivo, pero una muestra de la trascendencia del disco es que otras canciones como "El rito" o "En camino" siguen siendo coreadas a pesar del apabullantes número de sencillos de la banda en su historia.

A partir de esta producción los críticos más ácidos de la banda empezaron a reconocerles el crédito. Vale mencionar que la propia banda realizó la producción. El sonido puede haber envejecido pero es incuestionable que es un disco básico para toda banda que quiere empezar. Ni hablar del nivel de profesionalismo al cual habían llegado, la banda supo crear un nivel de comunicación con el público de distintos países (eso de hablarle a todos como uno mismo y no ser la banda de rock lejana que solo se la conoce por la radio y la TV hablaba bien de ellos) y ello sería retribuido con la empatía que se formaría ante la creación de una verdadera identidad del rock latinoamericano más allá de modas comerciales y la gran prueba se mantiene la sostenibilidad de la propuesta hasta el día de hoy. (J.L.Mercado)

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25
El diablito

Caifanes

El diablito (1990)

El segundo disco de Caifanes tiene un profundo significado para la escena del rock mexicano. La industria local estaba en crecimiento y si bien había encontrado en Caifanes una banda de sólidez que gozaba del visto bueno de gran parte de los músicos de base asi como del gusto popular, era un reto poder superar el agigantado éxito de "La Negra Tomasa".

¿Ser tropical es malo? No, pero lo popular es fácilmente cuestionable en la escena mexicana y relacionado con lo vendible. Caifanes no tenía que dar un giro de 180 grados, simplemente mostrar el concepto completo del grupo; ese que aveces es ocultado por un megaéxito y el público pecando de conocedor termina por sentenciar a artistas que no han ofrecido todo lo que tiene por hacer.

Para ello convocan a Alejandro Marcovich con lo que terminan remarcando el aspecto guitarrero en el sonido de las canciones. Se seguía la linea del post-punk pero había mayores matices que se acercaban a la música tradicional mexicana (ciertas estructuras en las canciones o el uso de vientos, por ejemplo). Canciones como "Detrás de ti", "Antes de que nos olviden" o "Los dioses ocultos" fueron las que destacaron, no sin dejar de mencionar el misticismo que cada vez se hacía más concurrente en las letras y le dio cierto nivel de gurú a Saúl Hernández dentro del público. Sin embargo, el tema más recordado sería el tema romántica "La célula que explota", una oda metafórica a los sentimientos encontrados.

Cabe destacar que en un año donde otras bandas empezaban a dar giros de madurez artística (Soda Stereo lanzaba "Canción animal" y Héroes del Silencio "Senderos de Traición"), Caifanes luchaba palmo a palmo para tener un lugar en el Olimpo de la gran escena, aunque el disco no tuvo mucho impacto en Sudamérica, región reacia a las propuestas del norte. Sin embargo, su trascendencia para la historia del rock hispanoamericano es indiscutible. Como dato anecdótico es que el nombre "El Diablito" fue dado por el público por la curiosa figura en la portada, ya que originalmente se le llamaba como "Volumen II" (J.L.Mercado)

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Vida

Sui Generis

Vida (1972)

"Vida" fue la primera muestra de Sui Generis, aquel grupo que comandaban por igual Charly García y Nito Mestre. Si se quiere rastrear cierta historia de donde parte una de los mayores aportadores a la producción del rock hispanoamericano, se tiene que llegar hasta aquí. Un disco que aunque a primera oída puede ser enmarcado dentro del folk rock, puede denotar la linea de curiosidad de Charly que perseguiría a lo largo de su carrera (sin desmerecerle el crédito a Nito Mestre que es parte cerebral en muchas de las canciones).

Editados por Microfón, salen en 1972 con "Canción para mi muerte" como la canción que sería la carta de presentación de la banda. Pero tener una canción perfecta para un momento puede ser razón para que el público termine por crear ciertos presupuestos sobre lo que es "Vida", pese a que lo pudieron haber oído completo en alguna ocasión. Canciones como "Dime quien me la robó" o "Mariel y el capitán" superan de largo la etiqueta del género que se le suele enclavar el disco. Pero es precisamente la generación hippie quien adopta el álbum tomando sus canciones y mensajes más idealistas y risueñas.

El tiempo ha terminado ubicar al disco como muy adolescente, y hasta desfasado con los tiempos de mayor confrontación a nivel socio-política que vendría en Argentina. Sin embargo, poniéndonos en el momento, hay que considerar que tanto Mestre como García supieron encumbrar y darle una forma a la letra castellana en el género, cosa que era poco atrevida en el resto de la región. Si bien aún el rock en la propia Argentina, estaba lejos de ser popular (en cierta manera estaban representando a una forma contracultural, que estaba empezando a ser aceptada en ambientes como los universitarios), estaba dando al inicio a una pequeña bola que en el tiempo iba a tomar forma. (J.L.Mercado)

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El circo

La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio

El circo (1991)

Durante 1991, una banda hizo que muchos jóvenes de clase media baja puedan soñar con ser exitosos haciendo ska, y eso era toda una revolución en aquel momento. "El Circo" de Maldita Vecindad traía un sonido muy fresco, pero sobre todo, demostraba el gran poder de atracción que tenía una banda de su estilo.

Y claro que todo no era ska, sino que apartir de allí se podían cruzar distintos ritmos afrocaribeños con el rock y en algunas veces, con el funk. Había un cierto aroma a los ritmos de antaño que hacían bailar a los mexicanos por los 50's, pero sobre ella se plasma críticas a esa misma generación o se hacía referencias a las diferencias sociales, algo que no se decía, a menos que fuera una banda underground.

Asimismo había una búsqueda de reivindicación con la cultura popular a diferencia de otros discos de rock que parecían estar peleados con eso, a pesar que contrariamente querían llenar recintos y ser masivos, y la prueba de ello está en el tema "Pachuco", que terminó siendo el clásico que inmortalizó a la banda, o en el cover de "Querida" de Juan Gabriel o las "bombas" de Carlos Monsivais. Otros temas como "Kumbala", "Un gran circo" o "Un poco de sangre" también son recordados por sus letras o los pegadizos solos del saxo.

Su impacto en Sudamérica no fue tanto como en Norteamérica, donde solo en México vendieron 800 mil copias en corto tiempo y puso a la ciudad estadounidense de Los Angeles de cabeza donde la crítica ensalzó la producción (la revista SPIN lo escogió uno de los discos del año) y la comunidad mexico-estadounidense los cobijó en su seno reconociéndolos como el grupo musical que representaría a la nueva generación lo que los llevó a largas giras que duraron años, mientras sostendrían un problema con la disquera que congelaría el lanzamiento de nuevo material ese tiempo. (J.L.Mercado)

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Alturas de Machu Picchu

Los Jaivas

Alturas de Machu Picchu (1981)

En un tiempo donde el rock progresivo iba de bajada, ante la cada vez mayor cantidad de bandas de rock de canciones de corte de 3 minutos, Los Jaivas deciden nadar contracorriente con lo que el tiempo ha terminado por concederle el título de su "obra magna". Estamos hablando del disco "Alturas de Machu Picchu" de 1981

Sin embargo, la idea original no partió de la propia banda sino del productor peruano de cine Daniel Camino que tenía en mente un megaproyecto de corte audiovisual donde se tributaría a Sudamérica y contaría con las participaciones de Mercedes Sosa y Chabuca Granda. Lamentablemente el fallecimiento de esta última así como el frustrado contacto con la argentina evitó que ambas participaran. Los hermanos Parra deciden tomar la posta al ver la posibilidad de efectivamente musicalizar los poemas de Pablo Neruda, que dan el título al disco, y que empezaba a tomar forma el concepto.

Los Jaivas en los últimos años se habían estado involucrando tanto con el folklore andino así como la nueva canción chilena que ya se los etiquetaba en ese linea y aunque no se concibio a "Alturas.." como un disco de rock, era evidente que tomaba son conceptualismo del progresivo y sónicamente estaba relacionado con bandas que había hecho fusión en los 70's como los bolivianos Wara. Basta oir la potencia de una canción como "La Poderosa Muerte" donde el primer plano se lo gana el baterista Eduardo Parra. Sin embargo, la canción más popular "Sube a Nacer Conmigo Hermano" tiene una mayor influencia de la llanera venezolana.

Aunque el disco sigue siendo alabado por la crítica especializada en rock progresivo a nivel mundial, aún esta gema no ha sabido encuadrar en el entendimiento histórico del rock hispanoamericano con la excepción de su local Chile terminó por encumbrarlos como los artistas contempóraneos más importantes del género, opacando a Los Prisioneros cuando el público rescata la estética sobre el momento, y sinceramente, este disco no tiene edad. (J.L.Mercado)

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Jessico

Babasónicos

Jessico (2001)

Babasónicos para inicios de los 2000's ya había recorrido mucho como banda aunque aun no tenía el reconocimiento que merecía. En un momento de transición para el rock en general, la banda despega hacia terrenos más atractivos para un público mayor aunque no necesariamente masivo.

"Jessico" en retrospectiva se le suele ver como el disco exitoso comercialmente a nivel internacional. Sin embargo, la crisis por la que pasaba Argentina había generado que se pusiera mayor atención sobre otras escenas. El verdadero best-seller fue "Infame" (2003), pero es inevitable hacer el rastreo hacia su disco anterior para entender la base sónico bajo el cual había evolucionado su propuesta y también hay que entender que el tiempo permitió el encumbramiento de los sencillos del disco que terminaron cobrando vida propia al punto de reconocerlo como el sonido más estimulante hacia donde se dirigía el rock hispanoamericano.

El disco tenía varios matices, desde un juego arriesgado con la electrónica hasta un homenaje al glam rock, pero siempre con un matiz hacia la sensualidad masculina. Y es que el tratamiento de las canciones así como las letras parecía tener una carga que generó atención por el público femenino (algo obvio en temas como "Rubi" pero inclusive notorio en esas voces impostadas en canciones menos obvias como "Pendejo").

Mucha de la crítica habla del concepto pop en el disco imposible otorgarle la cuota experimental (en cuanto al a búsqueda de cohesión de sonidos que jugaban a ser rock) y vanguardista (en cuanto a la calidad del sonido, por el papel del productor Andrew Weiss conocido por su trabajo con Ween). Algunos le han dado la etiqueta de neo-psicodelia.

Moderno, artificial y lúdico, aún a algunos les cuesta a algunos llamarle obra maestra, no hay duda que el disco los puso en el primer plano del sonido que tomaría el rock hispanoamericano en el siglo XXI lejos de la onda alterlatina y que sería inspirador para el camino de bandas que seguirían aquel sendero como Café Tacuba. (J.L.Mercado)

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20
Avalancha

Héroes del Silencio

Avalancha (1995)

"Avalancha" significaba a muchos niveles el comienzo del fin. Héroes del Silencio empezaba a pasar por problemas internos, pero los muchachos siempre guardaron discreción. Por otro lado significaba su renuncia total al pop (cuyos rezagos aún se podían notar en ciertos momentos del enigmático disco "El espíritu del vino") para entregarse de lleno al hard rock (y con influencia del heavy metal), pero no por ello su ímpetu por querer terminar de conquistar al mundo.

Y es que el reto de este disco era conquistar a un público que siempre les fue adverso, que es muy díficil y no se deja seducir fácilmente: El público "heavy"
El tiempo fue capaz de encumbrar esta producción al punto que mucho cuestionadores de la época terminaron por arrepentirse. Se trata de un disco complicado, de guitarras poderosas (es más importante el juego de guitarras de Juan Valdivia con Alan Boguslavsky), un mayor juego de los tiempos, y un Bunbury dispuesto a echar vocales que iba de acuerdo con el nuevo sonido. Un disco lleno de himnos que el tiempo pondría en su respectivo lugar.

¿Sería acaso la furia interna de la banda que se supo encausar en pura música? Aunque en su momento habría sido muy díficil responder a ello, solo basta escuchar una canción como "Parasiempre" para resolverlo. Y en todas esas ideas atormentadas, se encontró a Bob Ezrin como tipo que encerraría toda esa dispersión, y que como productor tenía como respaldo trabajos como "The Wall" de Pink Floyd o "Berlin" de Lou Reed.

Las canciones enarbolaban ideas de rebeldía así como de protesta y el nuevo sonido edificaba lo que muchos fanáticos había esperado que llegara a sonar Héroes. Por ello, temas como "Iberia sumergida" o "La chispa adecuada" se convirtieron en clásicos que más allá de su separación han resistido muy bien el paso del tiempo, sumado a los adeptos que se fueron sumando luego.

Hay que considerar que Héroes del Silencio marcaría un ciclo con este disco y es que si bien postulaban a alcanzar otros hitos como banda, en el fondo cada integrante ya sentía que estaba tomando su propio rumbo. Lo implacable que sonaba el disco en su conjunto daba la sensación de que la banda iba por más, bastaba ver la prensa musical a inicios de 1996 para entender que las malestares de la banda ya eran evidentes. No hubo con ellos giras de despedidas ni un último adiós publicitado (aunque decidieron darse una oportunidad en una tour único en el 2007), y ya Bunbury pensaba como romper con su imagen de rock star a partir de su "Radical Sonora" que lanzaría solo un año después.

España no tuvo mucho sentimentalismo con ello (su prensa musical siempre los subestimó dándole mayor cobertura a las bandas de corte indie, encima de que ya había encontrado en Extremoduro su banda de rock duro a enaltecer y se contentarían con los álbumes en vivo y de rarezas que lanzarían poco después) y Latinoamérica se quedó prácticamente boquiabierto al percatarse que una banda transcontinental que había sido suya se había esfumado en el momento que todos hablaban del momento del rock en español (y a solo meses de la futura separación de otra banda fundamental, Soda Stereo). Sin embargo, "Avalancha" fue la mejor obra con la que una banda podía terminar un ciclo, que el tiempo le ha dado su lugar como uno de los esenciales para una generación de rock que no volverá a repetirse. (J.L.Mercado)

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Cuatro caminos

Café Tacvba

Cuatro caminos (2003)

Café Tacuba lanzaba en 2003 "Cuatro Caminos", que era su primer LP con una nueva disquera, pero que era la última parte de una evolución sónica que se remontaba desde el disco debut de 1992 y que tenía que oirse correlativamente la discografía en el tiempo para ser entendida.

Y como cualquier banda que llegaba al climax evolutivo no pretendía ser entendida, simplemente quería expresar un momento que no podía ser visto más que una banda que hacía música desde otro visión e influencia. Café Tacuba había pasado de ser la banda mexicana que quería reinvindicar un sonido que consideraba como subestimado en el mundo urbano a ser una banda que pretendía ser respetada por su sonido sin tener que estar delimitada por alguna carga geográfica.

Siguen comandados por la producción de Gustavo Santaolalla, pero es la intervención de Dave Fridmann y Andrew Weiss como ingenieros de sonido los que terminan siendo protagonista de la carga final del disco. La experimentación de Reves/YoSoy aterriza en 14 temas de pop atípico en la región y que parecía más deudora a bandas como Pavement o Flaming Lips que cualquier producción hispanoamericana de su tiempo.

La voz de Rubén Albarrán (que utiliza en aquel entonces el seudónimo de Elfego Buendía, quizás con referencia a la obra "Cien Años de Soledad) pasa a ser un instrumento más en un juego inteligente entre el teclado, la guitarra y el bajo en la confección de las canciones y con la utilización por primera vez de una batería real en el estudio lo que a su vez daba una mayor profundidad a las capas sonoras de los temas.

Aunque al comienzo las canciones tuvieron un tibio recibimiento (el primer sencillo fue "Eo (El sonidero)" que si bien sonó bastante no tuvo la misma aceptación que las viejas canciones), el tema de bandera sería "Eres", la canción romántica del disco con la interpretación vocal de Emmanuel Del Real aunque con una linea de guitarra muy atractiva. Por otro lado, la crítica no se cansó de elogiar la producción, aunque los más necios fans de los 90's cuestionaron la pérdida de su acercamiento folklórico. Sin embargo, el público indie terminó por acoger bien el disco, incluyendo otras canciones como "Mediodía" o "Puntos cardinales" con proyección a futuros clásicos. (J.L.Mercado)

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18
Alta suciedad

Andrés Calamaro

Alta suciedad (1997)

Hasta antes de Andrés Calamaro no había habido otro músico latinoamericano en España que haya podido juntar por igual credibilidad y popularidad. Tras la disolución de Los Rodriguez, había terminado por robarle el protagonismo a Ariel Rot, que supuestamente debía ser la estrella del show en la banda, y había una gran expectativa por el gran disco como solista.

Lo que muchos no sabían es que Calamaro no debutaba en solitario, sino que había hecho una serie de discos desde los 80's. Sin embargo, esta vez era diferente porque su nombre lo había puesto en la expectativa de la crítica, la industria y por supuesto, las fanáticos de Los Rodriguez.

Calamaro aprovecha la situación para hacer el disco como se le antojó: Se tomó su debido tiempo, lo hizo en constante viajes a la ciudad de Nueva York donde solicitó los servicios de músicos de sesión que trabajaron con artistas como Keith Richards o Aretha Franklin y tomó la molestia de regrabar uno que otro tema que había hecho en años pasados en su estudio casero con todas las facilidad que un músico curioso ansía.

El disco desde el principio juega con la intencionalidad de sonar a clásico pese a la gran paleta de géneros encontrados pasando por el funk, el blues así como cierta reminiscencia latina en algún momento. Pero todos los temas pasan por el filtro del pop, y es que las canciones son pensadas en una estructura pop, en dar mensajes concisos en estribillos y coros; y toda esa amalgama es la magia de la producción.

Por otro lado, Calamaro había sabido muy bien guardar cierto misterio (lejos de sus excesos mediáticos desafortunados que le han invadido en los últimos tiempos) y con un aura a lo Bob Dylan (demasiado reflejada en la portada del disco) que habían hecho de "Alta Suciedad", el disco que el público quería oír de un Mesías musical. El tiempo ha sabido poner en un lugar mucho más alto al disco que al propio Andrés (aunque es innegable que su contribución pasada a la música es irrebatible haga lo que haga). Canciones como "Loco" o "Media Verónica" cuajaron rápidamente en el repertorio básico del rock en español, pero será "Flaca", el tema por excelencia que terminará por encumbrar al argentino misma, un juego cadencial de rhythm & blues en clave jazz pop, con una letra que sin decir mucho termina siendo mensaje total para muchísimas personas. El conjunto de toda esa alineación entre texto, contexto y sonoridad terminó por definir un antes y un después en la historia del rock de cantautor. (J.L.Mercado)

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17
Volumen brutal

Barón Rojo

Volumen brutal (1982)

En 1982, Barón Rojo impone cátedra al mundo hispanoamericano con el primer gran disco de heavy metal en la región. "Volumen Brutal" marca un antes y un después en el rock duro pero también marca un despegue del género en cuanto popularidad. Cada canción del disco es un clásico instantáneo.

Luego del primer disco, ya había una gran expectativa sobre el potencial que tenía la banda así que decidieron apostar por la banda en cuanto sea posible. Es por ello que viajan a Londres para grabar el disco en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas. Asimismo preparon simultaneamente una versión en inglés con las mismas canciones y que la compañía Kamaflage adquiriría los derechos para su venta en Europa. La misma fue la que le permitió la portada de la Kerrang! en Inglaterra durante los años dorados de la revista heavy de mayor popularidad.

Pero el gran peso de la producción se sostenía en las propias canciones al punto que hasta muchos medios europeos preferían la versión en español que en inglés (con buena críticas). Su sonido que tenía una influencia enorme a las bandas de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico, había podido codearse en gente como Hawkwind o Iron Maiden en las giras (de hecho el propio Bruce Dickinson alguna vez afirmó que gustaba del sonido de la banda, hecho que lo animó a participar en las adaptaciones de las letras al inglés).

Las letras hablaban del inconformismo y llamaban a la rebeldía y el cuestionamiento. Junto con los riffs vibrantes se construía un nuevo lenguaje de la crítica social. Temas desde "Incomunicación" a "Concierto para ellos" (este último un tributo a los rockeros fallecidos). Pero sin duda los temas que quedaron para la posteridad serán "Los rockeros van al infierno", que desde que fue sencillo se convirtió en un tema esencial que jugando con las armonías guitarreras de los hermanos De Castro contenía una letra que atraía a los jóvenes desde el principio, y "Resistiré", una canción rápida que tras su pasiva introducción, arrasa con punteos de guitarra sobre los estribillos, y que sería la primera gran canción a la resistencia en el rock hispano.

El disco pondría a la banda en un lugar donde nunca una banda de la región había podido y abriría la brecha para el desarrollo del heavy metal que tomarían la posta otras bandas como Angeles del Infierno o mucho después, Rata Blanca, en Argentina. Las ventas tampoco serían nada malas donde la suma de tanto la versión en castellano como en inglés habrían superado los 2 millones de copias a nivel mundial. El tiempo definitivamente dio más fuerza a los fanáticos de este disco que podrán corear todos juntos: "¡Mi rollo es el rock!" (J.L.Mercado)

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16
Fabulosos Calavera

Los Fabulosos Cadillacs

Fabulosos Calavera (1997)

El disco lanzado en 1997 interrumpe abruptamente el desarrollo de la carrera que había tenido los Fabulosos Cadillacs. El disco abandona los cánticos de estadios y de onda popular que habían caracterizado a la banda poniendo en riesgo su propia fanaticada base. Sin embargo, es la aclamación del disco por una parte de la crítica la que la dará el espaldarazo a la banda que lo necesitaba cuando llegaba el fin de la era dorada del rock en español.

Aunque los créditos de ese sonido los tendría en su momento el productor guatemalteco-estadounidense KC Porter (quien usaría la credibilidad del mismo para llevarlo por aires más comerciales en las producciones de tracks del "Supernatural" de Santana o de discos de Ricky Martin), los años demostrarían que sería el recién ingresado guitarrista Ariel Minimal (que con su proyecto Pez ha demostrado su afinidad hacia el jazz y el rock progresivo) el que cohesionaría el caos bajo la que se construye el disco. Un caos que solamente funciona a través de la polarización. Es de ese modo que funciona juntos la seriedad y la ironía, lo denso y lo ligero; en algunos momentos personalizándose a través de los carácteres de Cianciarullo (que por ese entonces, denotaba su cercanía a bandas como Brujería o Rage Against the Machine y es la expresión de los momentos más rockeros así como dementes de la producción) y Vicentico (donde por primera vez se le nota su acercamiento a los crooners latinoamericanos que luego emularía en forma equivoca en su carrera solista).

El juego bipolar bajo la que se sostiene el álbum es la única forma que permite que el oyente pueda entender hacia donde gira la radicalización de sonidos en forma impuras de ska o raggae. Incluso la introducción al disco a partir de "El muerto" que es la canción más cercana a su carrera pasada es un accidente donde el Santana del Woodstock parecería resucitar a partir de un enamoramiento por el hardcore. El momento diferente se encontraría en "Hoy lloré canción" que es una canción escrita por Cianciarullo pensada en Blades de principio a fin y cuyas vocales solo terminan por configurar un tributo adelantado a la etapa más consciente de la banda y que poco o nada repitiría en adelante. Pero el tema más popular del disco sería "Calaveras y diablitos", un tema lento con mucho sabor nostálgico.

El disco funcionó muy bien sobre todo en Norteamérica; incluso se les concedió el primer Grammy a mejor álbum de Rock Latino por mejor producción de 1997. Asimismo, la producción ha cuajado muy bien en el tiempo al punto de reconocérsele en distintos ámbitos como el mejor de la discografía de la banda teniendo en cuenta los riesgos y el resultado final. (J.L. Mercado)

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15
Dynamo

Soda Stereo

Dynamo (1992)

Luego de que Soda Stereo haya girado al lado contrario de la industria musical y se imponga con un concepto guitarrero con "Canción animal" en 1990 (con buena aceptación, sobre todo en su natal Argentina, donde se ganó al público más localista) decide ir mucho más allá y hacer un álbum dejando las presiones de tener que gustar a la gente, coincidiendo con un apasionamiento que la banda tenía por My Bloody Valentine y el shoegaze (género que ni en su natal Inglaterra jamás fue de éxito de ventas).

El juego de las guitarras con los máquinas era algo que Cerati quería experimentar venía inmediatamente de su disco con Melero "Colores Santos" (y que del tiempo de la salida de uno y el otro solo fueron algunos meses). La diferencia es que ahora plasmado desde la propia banda tenía que haber un sonido más complicado y contradictorio (armonía vs. distorsión).

Daniel Melero también es parte importantísima en la concepción del disco, al punto que Bosio y Alberti quedan como meros ejecutores (en especial este último, el cual se sometía al sonido que había pensado Cerati y originaba la primera gran confrontación entre ambos dentro de la banda). Las canciones no estuvo pensado en sencillos aunque destacaron "En remolinos", "Claroscuro" y en especial, "Primavera 0", cuyo riff introductorio quedó inmortalizado en las personas que la oyeron, y el cual abre el inicio de la música alternativa en América Latina.

La búsqueda de experimentación los puso de desubicados en un tiempo donde la industria parecía más desencajada con las buenas propuestas, y de hecho, la radio abandonó a Soda, un público aletargado acusó a los Soda de volverse aburridos, y las ventas infimas enloquecieron a Sony, de los cuales salieron para grabar posteriormente con BMG (aunque ambas fusionarían años después). Sin embargo, es el tiempo el que luego hará que la crítica haga reinvindicar el disco, por el riesgo así como su actitud a plasmar algo del cual ellos mismos contaron que reflejaba su momento. El egoismo puro hecho arte. ¿Bailando entre la distorsión?¿Corear voces perdidas entre capas sónicas?¿Saturaciones para un público simplón? Los de la banda no jugaron a ser los desentendidos, era que estaban en el lugar y tiempo equivocados. (J.L.Mercado)

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14
Puta's Fever

Mano Negra

Puta's Fever (1989)

El disco con que Mano Negra se introdujo a Latinoamérica no era precisamente el disco de influencia más latinoamericana de su carrera y la canción con que se presentaron al público continental, ni siquiera era parte de la edición original del álbum, pero marcaba el inicio de un contacto con la región como ninguna otra banda europea lo había hecho hasta aquel entonces.

Sin embargo, Mano Negra buscaba traer una consigna que si bien ya existía en algunas bandas contemporaneas aún no había calado como debía. Se trataba de la reinvindicación del mestizaje a partir de la concepción de los ritmos considerados como marginales (sobretodo para el mundo del rock). Había mucho del concepto de The Clash, pero ellos daban un paso más allá: ellos hablaban desde allá para poder hablarle al de acá. Su base en Paris les quedaba cortos y pretendían ahondar en las tierras donde provenían muchos de los migrantes que vivían en la periferia de la ciudad.

Pero todo no era sobre la mezcla; si no más bien de poder plasmar actitud y entender los diferentes ritmos que pasan desde ska a música raï, sin abandonar las bases del rock n roll y coquetear con el rap (para lo cual era prematuro para la música de estos lares), todo ello en combo bailable que lo hacía atractivo a un público importante y acompañado con letras que iban del castellano, inglés, francés o árabe.

Asimismo, en su plan de aculturación regional, la banda decidió hacer las cosas al revés como se hacían hasta ese momento. En vez de buscar asimilarse en las 2 grandes ciudad donde se cubría el rock (Buenos Aires y Ciudad de México), deciden tocar en lugares donde la industria del rock era virgen e inhóspita: Cusco y Cuenca, motivados más por un contacto diferente a los que los grupos del momento esperaban, y mismos revolucionarios buscaron inyectar con el concepto un nuevo aire a la camada de bandas que tomarían la escena alterlatina en los 90's a partir del apadrinamiento de estas, buscando la cohesión de una generación de artistas transnacionales unidos por sus ritmos festivos, actitud de resitencia y letra de denuncia.

El título del disco hacía referencia a una enfermedad venérea en clave de argot dominicano (aparentemente), y temas como "King Kong Five", "Sidi h'bibi" y "Guayaquil city" fueron las grandes muestras del sonido como "la banda" (algo que cambiaría tiempo después). Aunque para Latinoamérica, el disco tuvo una versión incluyendo "Mala vida" (originalmente de "Patchanka"), vendería cerca de 800 mil copias a nivel mundial y la crítica mundial los ubicaría como los líderes del nuevo sonido del rock. Un disco que pudo ser opacada en su momento por la comercialización de otras bandas en plena era dorada del rock en español pero que el tiempo ha terminado por darle un lugar preferencial en el entendimiento del género. (J.L.Mercado)

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13
Revés/Yosoy

Café Tacvba

Revés/Yosoy (1999)

Reves/YoSoy representaba mucho pasos más allá del sonido que aun podía identificar al rock en español de los 90's, querían demostrar a su vez la importancia de la música electrónica para el futuro del rock. Se adelantaron a lo que Radiohead quería demostrar y lo plasmaría un año después con su aclamadísimo "Kid A".

Sin embargo, las nuevas latitudes hacia donde se dirigía la banda tuvieron que pasar un gran obstáculo que terminó por modificar la idea original de la banda: su disquera Warner. El disco que debería hacer aparecido en 1998 no gustó para nada a los ejecutivos desde que se enteraron que se iba a tratar de un disco lleno de temas instrumentales. La banda y su manager tuvieron que negociar el proyecto hasta que llegaron a un acuerdo que habría disco de temas no comerciales si había un disco con canciones más convencionales.

El disco contó con la producción de Gustavo Santaolalla (en un año excepcional para su carrera) y contaría con invitados de lujo como el Kronos Quartet o la Compañía de Danza Folklórica, antojos de la banda que se esforzaba porque la nueva idea cierre la misma concreción que habían anticipado. La primera parte del disco estaba compuesta por temas que habían sido dejado de lado en los albumes anteriores en su mayoría y volvieron a ser regrabadas para la ocasión. La coherencia entre el orden de los tracks y las letras (un trasfondo psicológico) es tal que no da esa impresión. Destacaron los temas de "La locomotora" y "La muerte chiquita", los únicos temas que calaron en un público escéptico frente al nuevo sonido de la banda.

La segunda parte es la que se debe meramente a la experimentación que va por descomponer las grabaciones creadas por los invitados a referencias al new age o la música industrial. La banda en un fin de promocionar las canciones les dió un video musical a cada uno, donde destacó el hipnótico "13". Asimismo el disco traía otras sorpresas que hacía la delicia de los melómanos (como los juegos de los tracks entre otras cosas).

El disco pese a los esfuerzos de promoción fue un rotundo fracaso comercial y la crítica se dividió respecto al mismo. Una parte lo consideró como una renuncia a sus raices folklóricas por pretenciosos. La disquera no les rescindió contrato hasta que años después la banda pasa a Universal. El tiempo se encargó darle su lugar como el disco que marcaba un antes y un después en la última etapa de la música contemporenea en Hispanoamérica donde se ha perdido el temor por jugar con las máquinas y plasmarlo en nuevas formas de música. Asimismo es imprescindible para poder entender como la banda que tocaba "María" terminó tomando como referencia directa a The Flaming Lips. Una vez más rompían con su noción de lo establecido y ofrecían la posibilidad de ser lúdicos en una forma como pocas bandas del continente se atrevieron a hacerlo. (J.L.Mercado)

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12
Almendra

Almendra

Almendra (1969)

A 9 años desde que se editó el primer LP con rock en castellano ("Rock!" de Los Locos del Ritmo) y 2 años del primero con música completamente original (el homónimo de Los Gatos), se lanzaba un disco que marcaba un antes y después. El aspecto fundacional que prácticamente abría la década de los 70's ha terminado por hacerle perder el otro lado que lo hacía brillar: su contraculturalidad.

Y es que esta producción chocaba contra los axiomas bajo los cuales se entendía el rock en ese momento. Para la gran mayoría del rock hecho en América Latina, cantar en castellano era una renuncia al rock; a esas alturas, significaba ser parte del "establishment". A esas alturas "La plaga" era un tema de fondo para chicos narcisistas modernos que se jactaban de divertirse y las bandas que quería incursionar en la experimentación aseguraban que la única manera de serle fiel a las nuevas lecturas del rock era siéndole fiel a su propio idioma. Para finales de los 60's, decenas de bandas por toda la región hacían discos complejos que no vendieron mucho en su momento pero el tiempo los ha reivindicado. Sin embargo, todos se caracterizan por sus pésimas vocales en inglés, algunos incluso más ilusos, pensando que ello les daría la carta abierta para conquistar el mundo anglo.

Por ello, reducir el primer disco de Almendra a la lenta (y digerible) "Muchacha ojos de papel" sería un craso error y no permitiría entender las diferentes aristas del disco que en su conjunto se resumía a cuatro muchachos que buscaban crear un lenguaje propio a través del rock. A diferencia de las otras bandas contemporáneas, ellos no subestimaron al público local y se dirigían a ellos. Un joven Luis Alberto Spinetta reconoce sus influencias intelectuales y su admiración por grandes letristas ajenos al rock como Joan Manuel Serrat.

Pero hay que reconocer que el conjunto de la banda también trabajaba excelente y Edelmiro Molinario, Emlio Del Guercio y Rodolfo García en su aprendizaje demostraron gran madurez y curiosidad para incursionar por igual en el hard rock, el progresivo y el folk.

El disco otorgaría canciones que son reconocidísimas en el Cono Sur como "Ana no duerme" o "Color humano", pero ello no se construyó de un día a otro. De hecho, el primer tiraje del disco que no tenía ningún desbordante número no llegó a agotarse ni en los primeros seis meses. Pero una vez más el tiempo pone todo en su lugar, y el álbum se convierte en un referente necesario para poder explicar el nacimiento de un código de rock en nuestro idioma, a más de una década que estallara el boom comercial.

Lo que vendría después con Almendra no sería muy bueno (a menos de un año del lanzamiento ya estaban separados). Sin embargo, desde los caminos que tomaron los músicos hubo una intencionalidad de querer superarse a sí mismo. En el caso particular de Spinetta, iniciaría una carrera contra el viento por buscar crear un concepto propio de hacer música y que sentaría un precedente para el rock argentino en el futuro junto a otro colega que el destino los pondría bajo el mismo estudio de grabación ocasionalmente: Charly García. (J.L.Mercado)

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El Dorado

Aterciopelados

El Dorado (1995)

Una banda cuya especialidad era transformar canciones de alma punk en hermosas y pegadizas melodías pop recubiertas con moderado aroma tradicional colombiano se convierte en una de las bandas favoritas de la generación MTV de los 90's y con "El Dorado" inmortaliza su música para siempre.

El segundo trabajo de la banda ponía a Colombia en el mapa internacional del rock hispanoamericano (de donde trabajo más reconocido por aquel entonces era el de Carlos Vives, a quien se le atribuía de haber modernizado el vallenato) y ponía en alto a las bandas de vocalistas femeninas (y es que la presencia de las mujeres en el rock popular era ínfimo, y cuyo vacío habían tomado artistas de pobre concepto como Alejandra Guzmán).

El disco es más conceptual de lo que su simpleza parece denotar a primera oida. Y es que había un juego por explotar al máximo las características de la Bogotá más alternativa, la que reconocía sus raíces, pero era a la vez crítica o pícara en su sentido más urbano. Hay muchos ganchos de guitarras en las diversas canciones pero nunca se abusan de ellas y de hecho empalman perfectamente con los coros de Andrea.

Cada canción mostraba una personalidad definida que atraía a un público que buscaba cosas más inesperadas. El tema de la fusión penetra a partir de la percusión o en determinados arreglos, pero aún estaban distantes de las posturas más alterlatinas que tomarían en los años siguientes.

Las dos canciones más populares del disco son 2 canciones que definieron los 90's como una década de rock en Latinoamérica: "Bolero falaz" y "Florecita rockera"; la primera, basada en un bolero para introducirse en un empalme de pop perfecto bajo una letra suculenta de amor dudoso; la otra, una canción directa que reivindicaba el "girl attitude" de una manera directa y saludable.

Está de más decir que el disco tuvó un exito de ventas increible (se dice que las ventas totales hasta el día de hoy ya habrían superado el millón de copias). Inmediatamente Soda Stereo invita a Andrea Echeverri para su concierto MTV de su serie Unplugged y Héroes del Silencio los invita a girar con ellos a España. Y aunque nunca hubo en su Colombia una banda de relevo que tuviera la misma credibilidad y éxito comercial a la vez, prácticamente activaron la industria del pop-rock allí y de no ser por ellos fenómenos de corte mas pop como Juanes o Shakira nunca hubieran sido conocidos. Reinsertaron la actitud a la estructura de la canción pop: melodicamente eléctricos cuando lo debían y aportadores de una evolución al folk pop hispanoamericano que en la posteridad marcaría el sendero de la música alterlatina. (J.L.Mercado)

http://rockenlasamericas.b...o-bmg-1995.html

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