viernes, 24 de diciembre de 2010

1. CAFE TACUBA - RE (WARNER - 1994)






En el año 2006, la revista angelina Al Borde publicó la lista de los 250 albumes del rock iberoamericano el cual otorgó a "Re" el primer lugar afirmando que “Re” es una obra fundamental dentro de la música latina donde el eclecticismo deja de ser un tabú y se convierte en herramienta de creatividad. Mucha gente reaccionó confirmándolo y otra gente cuestionó que el eclecticismo sea una razón válida para poder otorgarle el lugar del disco más importante de la historia.

Decir que "Re" es el disco más trascendental en el rock hispanoamericano meramente porque hace "20 géneros en 20 canciones diferentes" suena sacado de un promocional de disquera multinacional. Evidentemente hay mucho más allá de aquella afirmación, y para ello es necesario entender el panorama bajo cual yacía el rock hispanoamericano, sus miedos, sus contradicciones, su búsqueda por no ser una copia al rock anglo a la vez que negaba o viciaba los intentos de un nuevo rock desde la crítica o el conservadurismo de un público rockero que más bien parecía hacerle un favor al formato radial que lleva a un patético etiquetaje que bota al tacho lo que no encaja.

Café Tacuba no fue el primero en idear un disco que conciba tradición desde el rock, pero la diferencia partía en su propia configuración. Había un entendimiento del mestizaje muy distinta a los de sus predecesores. Santana era parte de una comunidad hispana en EE.UU que clamaba por un sonido de identidad, Mano Negra había sufrido el escarnio del racismo y entendía en el mestizaje la reinvidicación de lo rechazado y Los Fabulosos Cadillacs era una banda que quiso emular el ska británico y estaba en un proceso aprendizaje de asmilación de la cultura caribeña a su entorno. Café Tacuba era una banda de clase media cuyos integrantes tenían poco contacto con la cultura tradicional de su país. Vivían en Ciudad Satélite, un lugar cuyo modelo era la modernidad a la estadounidense. Tanto ellos como sus amigos toda la vida solo oyeron bandas de rock británicas y norteamericanas y poco era el contacto con otros sonidos..

Café Tacuba buscaba plasmar un sonido "mexicano" a partir del rock. Los elementos, los instrumentos, las influencias no escondían las influencias del pop y el rock. Pero partieron por hacer algo distinto, a partir de un ánimo de investigación que terminó en un ejercicio empírico y que aterrizó por la estética de lo visual hacia la reivindicación del sincretismo como búsqueda de vanguardia. El producto final de ello jamás sonó a tradición porque simplemente nunca iba a poder a sonar a un son huapango original o a una polka (ellos comentan que en algunas oportunidades los puristas de los géneros que experimentaban se les acercaban para decirles lo mal que tocaban).

Asimismo, Rubén Albarrán pensó que las letras así como el sonido debía basarse en lo cíclico. Una metáfora que solo pretendía decir que el mestizaje era un proceso circular cuyo recorrido regresaba al punto inicial. El gran recorrido sónico solo pretendía volver a la base, al origen. Es así como entre las canciones hay una extraña conexión pese a que algunas pueden oirse completamente antagónicas. Y es que todas giran bajo un núcleo conceptual, un concepto funk (donde la canción "El ciclón" tiene un papel preponderante en la oída del disco más importante de lo que se le suele estimar) que se sumergía en canciones que no suelen superar los 3:30 minutos.

Cada canción del disco tiene un impacto que es percibido hasta la actualidad. La parodia a la música norteña, "La ingrata", se metió en la cultura pop; mientras que "Las flores", es el tema más recordado por el público rockero; aunque los fanáticos de la banda se rinden más ante "El baile y el salón", mientras el público ligado más al world music rescata uno de los temas de mayor feeling tradicional: "Esa noche".

Sin embargo, hay que reconocer que los éxitos no fueron inmediatos, y de hecho hubo mucha resistencia por parte del público rockero a aceptarlo, sobretodo en su natal México, donde se los consideraba como "bichos raros." En Sudamérica, fueron acogidos por la generación MTV Latino, y luego medios internacionales terminarían por ensalzar el disco como la mítica reseña en el New York Times. Café Tacuba estuvo dispuesto a romper con los patrones que consideraban le hacían mal al rock mexicano (y que de hecho, están presentes en todo el rock hispanoamericano: en su temor a que el acercamiento a lo popular, erróneamente, significaba aliarse a lo comercial y a la plasticidad) y abrieron una brecha que luego tomaran otras bandas para la música alterlatina (a diferencia de la propia banda, que más bien tomaría otros senderos).

Por otro lado, Gustavo Santaolalla terminó por coronarse como el productor esencial de la era dorada del rock en español, y terminó haciendo de una nueva generación de rockeros dispuestos a cambiar los moldes un movimiento que si no hubiera existido el "Re" no hubiera podido haber una llave que abriera la puerta del rock hispanoamericano a la boca de los más prestigiosos críticos alrededor del planeta. Y también llevó al replanteamiento de lo que significa el rock y de que manera el mismo puede ser la base de recrear movimientos que reconozcan la pluralidad cultural de Hispanoamérica y gocen del mismo espíritu que empujaron los grandes momentos del rock n' roll en el mundo.

"Re" no es una obra maestra meramente por su eclecticismo, es una obra maestra porque cambió el panorama del rock en Hispanoamérica para siempre.


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1El aparato3:19
2La ingrata3:32
3El ciclón2:55
4El borrego2:08
5Esa noche3:26
624 horas2:19
7Ixtepec3:20
8Trópico de Cáncer4:38
9El metro3:46
10El fin de la infancia2:18
11Madrugal1:08
12Pez2:18
13Verde1:54
14La negrita3:04
15El tlatoani del barrio3:26
16Las flores2:15
17La pinta2:49
18El baile y el salón5:08
19El puñal y el corazón4:21
20El balcón1:40


LOS 250 DISCOS: RESUMEN (10-2)

10
¿Dónde jugarán las niñas?

Molotov

¿Dónde jugarán las niñas? (1997)

El tiempo suele ser el gran juzgador, y en la música no hay excepción. "¿Dónde Jugarán Las Niñas?" es un disco que ha dividido a la crítica. Para algunos quedo un disco banal de temas para adolescentes que cualquiera puede grabar; para otros significa un parteaguas en la cultura pop musical de América Latina con canciones más importantes de lo que a primera oida pueden sonar.

Antes que nada hay que entender que detrás de Molotov nunca hubo un discurso político ni ideológico como muchos vieron en ellos (al punto de que algunos consideraron que algunas de sus canciones eran una nueva forma de "canción protesta" y otros veían una versión más mexicana que perseguía el discurso de bandas como Rage Against the Machine). Más bien, liricamente sus antecedentes se pueden rastrear a las bandas incorrectas del pop español de inicios de los 80s como Los Nikis o Siniestro Total, pero llevados a la generación MTV, donde recubiertos de un funk metal potente les daba una potencia que el público masivo jamás había visto en una banda de la región.

Y es que hay que tener en cuenta cuanta cucufatería ha habido en los medios masivos latinoamericanos que se espantaban porque los Hombres G decían "Mamón" en "Devuélveme a mi chica" y así los convertieron en un fenómeno. Mientras canciones de amor o melodías simplonas retransmitidas para toda la región desde Miami con Univisión o Ciudad de México con Televisa, Molotov explotó hasta el tuétano los medios alternativos e hizo que su humor sin desparpajo encuentre una identidad distinta en la gente que hizo de las canciones verdaderos clásicos.

Pero la revolución de Molotov desde sus letras también tenían se caracterizaron por demostrarle a la industria musical que el uso de modismos no generaban menor identificación en paises no habituados a los mismos. La industria había obligado o perseguía que los exponentes internacionales usaran un castellano uniforme para que puedan ser entendidos por todos (y lo hicieron desde los "artistas" Televisa hasta los exponentes del rock en tu idioma de Argentina que cambiaban el "vos" por el tú"). Sin embargo, Molotov pudo vender solo en Argentina más de 100 mil copias diciendo "gacho" o "chinga tu madre".

Y Molotov pudo hacer de la contradicción una virtud, o quizás demostrar que el mundo no se dividía tan simple como blanco y negro. Una canción como "Gimme the power", pudo ser coreada hasta por grupos anti-norteamericanos que nunca se quejaron de que hubiera términos en inglés en la canción; o que gente en Bolivia, Uruguay o El Salvador, coreara el "Viva México, cabrones!" como si se la cantasen a sus propios paises, sin perder el poder que llevaba la misma canción.

El poco humor con que se lo tomarían los medios masivos, sobre todo en su natal México, solo terminó dando más crédito así como un carácter político al disco (que también se relacionaba con los tiempos que el PRI dejaba el poder), lo cual Universal sabría explotar a nivel mundial, y otorgaría a Gustavo Santaolalla verdadero status de Rey Midas (si es que aún dudaban tras el disco "Re" de Café Tacuba). Por cierto, Santaolalla, es el artífice de haber llevado el sonido de la banda a terrenos más alterlatinos y poder emalgamar ese sonido corajudo llevado por un bajista subestimado quien es Micky Huidobro.

Referencias a personajes de televisión, a la suegra, a los chicanos, a las perras, a los narcos, a los putos y a los gordos terminaron recreando a los personajes de los cuales se pueden seguir contando chistes dentro del folclor urbano, que en su mal gusto y visceralidad, podía terminar generar un éxito desbordante. Pesados pero enarbolando el espíritu juvenil que los acercaba a un público mundial que gustaba del rapcore (y que los hizo inesperadamente conocidos por un momento en países que no entendían las letras como Alemania o Japón).

La banda jamás se jactó de no ser comercial (y muchos fans que recién entendían con el tiempo el concepto de la banda terminarían desilusionándose). Sin embargo, es imposible poder subestimar el impacto de "¿Dónde jugarán las niñas?" que por donde se lo vea es un disco que generó un cambio para bien en la mentalidad del público masivo, la industria y la escena; y por otro lado que supo imprimir canciones que van desde lo más simplista (como "Puto") a lo más complejas (como la subestimada "Más vale cholo", que tiene un desarrollo narrativo comparado con "Pedro Navaja"). (J.L.Mercado)

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9
Senderos de traición

Héroes del Silencio

Senderos de traición (1990)

"Senderos de traición", un álbum trascendental en un momento que definiría a la música española en el panorama internacional. La banda optó por su sonido duro con influencias de las grandes bandas clásicas así como el rock gótico, y los hizo abanderados únicos para las masas.

Para la critica especializada española para 1990, la era dorada de la música contempóranea local había muerto. Para llegar al mainstream, se había perdido la espontaneidad que habían caracterizado a las bandas de inicios de los 80's y había mucho escepticismo sobre nuevos actos. Por otro lado, el rock duro en ese país había perdido a los aliados mediáticos que los habían apoyado durante años y muchas bandas habían regresado al underground, desde donde se forjaban.

En ese sentido, Héroes del Silencio quedaba en una suerte de limbo, donde si bien se cerraban muchas puertas, se abrían otras. Una de ellas significaba de liderar el nuevo camino de la escena rockera en ese país. Pese al éxito de "El Mar No Cesa", se sentían en la obligación de abandonar el sonido casi básico del disco para tomar posturas más épicas, de rock de estadio, para abanderar multitudes. La banda requirió la ayuda de Phil Manzanera, quien decidió rescatar influencias que la banda había tenido pero que había dejado de lado en su disco debut. El disco sería grabado entre Madrid y Londres durante setiembre y octubre de 1990 y el título del disco haría referencia a un película del director francés Costa Gavras.

En "Senderos de Traición" nos muestra dominio del sonido y loable trabajo grupal; y aunque no fue concebido como una unidad, el disco toma una coherencia lineal a la primera oida. Canciones como "Entre dos tierras" o "Maldito duende" habían sido rescatadas de demos y maquetes de 1987, pero que bajo la nueva producción tomaban cuerpo y eran propicias para el momento de su lanzamiento. El disco se pensó en los conciertos (y eso se agradecería en las extensas giras que le seguirían al lanzamiento del álbum). La ecualización de la batería es impecable, pero las guitarras de Valdivia se oyen más fuertes, y por encima pasa la voz de Enrique.

La elegancia ante todo. Las dos canciones mentadas previamente se convirtieron en parte de la cultura pop de los 90's (aunque los fanáticos también tendrán en cuenta "La carta", "Malas intenciones" y "Con nombre de guerra"). "Entre Dos Tierras", el tema más largo del disco, se convertiría. La canción empalma con "Maldito Duende", que toma una dirección más pausada más no lenta.

Bunbury gana potencia en la voz (llegando a las notas que tenía que llegar), ideal para el hard rock y los solos de guitarras toman protagonismo (cambiaría su Fender Stratocaster por diferentes modelos de Gibson Les Paul). Las letras siguen proyectando tristeza, aunque hay ciertas frases que juegan entre lo ridículo y lo enigmático.

La recepción del disco sería excelente, y con ello, la banda se embarcaría en una gira impresionante para aquellos tiempos por toda América y gran parte de Europa, teniendo un éxito nunca antes visto para una banda de rock que interpretaba música en español en paises como Italia o Alemania (en este último país tienen una dedicación de culto que se ha mantenido en el tiempo). En el continente americano, se los vio como los redentores del rock llenando un vacío que habían dejado las bandas del otro lado del charco, tras el boom de las bandas españolas de los 90's, al punto que fueron la única banda de rock que pudo recibir la misma atención que las bandas latinoamericanas en la próxima era de la generación MTV Latino.

"Senderos de Traición" marcó un momento en el que la historia del rock hispanoamericano exigía a las bandas que tenían que cambiar. Muchas desaparicieron y se perdieron en la nostalgia. En tanto, Héroes del Silencio terminó por registrar los temas más emblemáticos de su carrera. Canciones que han tomado postura legendaria a través del tiempo, reivindicando el sonido duro a nivel masivo pero enarbolando los principios que toda banda pop que deja huella tener. A partir de este álbum, el público les otorgó un lugar en la historia que hasta ahora nadie ha podido superar. (J.L.Mercado)

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8
El silencio

Caifanes

El silencio (1992)

En 1992, Caifanes había pasado el dilema del segundo álbum, con aceptación del público y la crítica (particularmente en México, su tierra natal). Ello les otorgaba más libertad para poder encomendarse a su siguiente trabajo. Es así como convocan al ex-King Crimson Andrew Belew para que se encargue de la producción.

La concepción de "El Silencio" era buscar lo mejor de los anteriores trabajos pero desde una óptica distinta. Caifanes parecía ser una banda bipolar hasta ese entonces: Por un lado mostraba esa cara tradicionalista que gozaba con las influencias místicas mexicanas o cubanas, y tenías esa otra cara rockera y frontal que parecía negarlo. En este álbum se busca congeniar estas dos facetas de la banda y el engranaje es tan perfecto que el tiempo lo ha ensalzado como un disco aún no superado en su conjunto.

El resultado final es un disco redondo y sumamente cuidado, y en su país en particular, se terminó por darles la categoría de banda épica y a la altura de las bandas hispanoamericanas de otros paises (recogiendo las críticas locales de ese momento). Y es que era una época donde las bandas como Héroes del Silencio o Soda Stereo se exigían para hacer un trabajo a posterior respecto a los discos (los primeros reventaban aún en la radio con "Senderos de Traición" del '90 mientras Soda Stereo lanzaba "Dynamo" importándoles un carajo la masividad). Es inevitable mencionar que los egos nacionalistas también estaban en juego, pero el resultado es de disfrute universal y compagina en los tesoros que consagra el rock hispanoamericano.

La banda nunca sonará tan cohesionada y aparecía en un momento de transición para el rock mexicano (Maldita Vecindad había lanzado un año antes "El Circo" con grandísima atención y Café Tacuba debutaba). El disco lo grabaron en Estados Unidos, luego de haber armado los temas previamente. La característica principal era tomar las texturas de la música tradicional latinoamericana pero sin perder las armonías así como sonoridad y potencia de una banda de rock. Es así como puedes encontrar la canción más poderosa del su carrera ("Metamorfeame") y enpalma perfectamente con las matices de huapangos y música banda sinaloense que aparecen en temas como "Piedra".

Este empalme entre las capas sonoras y las atmósferas hace dudar si se trata de un disco de fusión. No hay reminiscencia a Santana. Ni siquiera se puede encontrar una referencia de Mano Negra (salvo el paralelismo cronológico) en el concepto. Se trata de un disco cuya base el rock, aveces con una estructura más pop, aveces con ligeras reminiscencias a la música progresiva e inclusive a la música funk.

Aunque se puede darle el crédito de haber recibido influencias del movimiento alternativo que sucedía en los Estados Unidos por aquel entonces, la inspiración de este venía desde su ideología de ser originales rompiendo el modelo de "estandarización" en vez de tomar de una forma "copiosa" los sonidos de las bandas del momento. El juego sincrético gana fuerza y hasta se puede hablar de música alterlatina con actitud, donde las guitarras aún eran las más usadas y revestían a las canciones, a diferencia de lo que sucede en los últimos años.

El disco se encargó de darle un sello al rock mexicano y fue uno de los fundamentales en la segunda mitad de la era dorada del rock en español. El tiempo ha terminado por inmortalizarlo y hacer de la banda su ejemplar discográfico más representativo. Aunque aún merece mayor reconocimiento en parte de Sudamérica, las razones de que sea subestimado no responden a su calidad, demostrada hasta el hartazgo sino a esa ignorancia cínica de parte de los que cuentan la historia del rock hispanoamericano, que no advierten que bandas más internacionales como Café Tacuba o Molotov estaban tomando la posta de la herencia de estos. (J.L.Mercado)

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7
Artaud

Pescado Rabioso

Artaud (1973)

Los 70's fueron una década mala para hacer rock en Latinoamérica, que no quiere decir que haya sido una década que hubo mala música. De hecho, en muchos sentidos, es una década excelsa, de cual muchos fanáticos de la música suelen disfrutar llena de experimentaciones donde el rock siempre estuvo involucrada de manera más indirecta en algunas ocasiones que otras.

La salsa se nutría de los sonidos de Nueva York, y la nueva canción dejaba las posturas rurales para construir sus propios códigos con referencias a la música occidental. Luis Alberto Spinetta se encontraba en ese contexto, sumado a su vida como ciudadano de una Argentina compleja. Pescado Rabioso, reconocido como banda de blues rock, en esta ocasión no era Pescado Rabioso ni una banda de blues rock. Spinetta reconstruye la banda que abandonó Amaya, Lebón y Cutaia y convoca a dos de sus viejos amigos de Almendra así como a su hermano.

Pese a los cambios, Spinetta se maneja como líder nato. De hecho, la crítica lo considera como su primer disco solista (pese al "Spinettalandia y sus amigos" de 1971), y se maneja bajo la concepción que tenía del rock. Mientras los distintos movimientos en Latinoamérica negaban la inevitable influencia del rock en su evolución, el más bien la reconocía y le otorgaba un intelectualismo de impronta personal, que seguía el sendero marcado por el álbum Almendra de fines de 1969.

Ello le permitió ser cobijado por los circuitos universitarios del Cono Sur de los 70's y fue en gran parte, el gran causante del atesoramiento del rock argentino por un público que le dio la talla de patrimonio local y negó el carácter de "música extranjerizante" que ensombrecía a toda la región. Fue la primera vez que el rock podía ser entendida como parte de la música latina, como parte de una nueva cultura popular que estaba en plena formación.

Las canciones aunque son en su mayoría acústicas, también hay experimentación con el pop progresivo, el jazz y el avant-folk. La canción más conocida del disco es un tema cantada a la mujer que es madre: "Todas las hojas son del viento" que incluye una referencia anti-drogas. También destaca el psicótico "Starosta el idiota" que incluye un sample de "She loves you" de The Beatles. Las referencias a este disco a lo largo del tiempo han sido varias. Las más destacadas vienen de Gustavo Cerati quien en su disco "Amor amarillo" versionó el tema "Bajan" y en el disco (Un)Plugged de Soda Stereo incluyen un fragmento de "Cementerio Club" dentro de "Té para tres".

En síntesis, el álbum es el punto climático en la carrera de un músico que supo construir un lenguaje que terminó haciendo de un disco de culto, el medio necesario para que músicos populares construyeron un movimiento que si bien tomaba los preceptos de la música que alimentaba al mundo tuviera su propia personalidad. El rock hispanoamericano aprendió a que escarbar en el intelectualismo y la vanguardia no iba en contra de reconocer su territorio. Cuando el rock recibía las peores embestidas, solos los mejores sobrevivieron, y los 70's demostraron por qué Spinetta sobrevivió y terminó por enaltecer el imaginario rockero de América Latina. (J.L.Mercado)

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6
Clandestino

Manu Chao

Clandestino (1998)

Manu Chao había pasado por un largo recorrido para llegar a "Clandestino", desde un punk que se entía identificado con la ideología de The Clash por haber sido un marginal extranjero en Paris (que pese a ser parisino de nacimiento siempre fue tratado como forastero por su origen español) a un aventurero que recorría medio Tercer Mundo en busca de nuevas respuestas.

El entendimiento del rock para Manu Chao venía con una mentalidad para los tiempos de la globalización. La occidentalización y el capitalismo salvaje se estaba comiendo los últimos refugios de resistencia, y su trabajo toma como núcleo central los discursos del Comandante Marcos, presentes a lo largo del disco.

El álbum en sí, es un viaje y a partir del minimalismo busca confeccionar un rompecabezas tomando desde estilos musicales tradicionales a hilos experimentables; todo desde una grabadora que recoge los distintos sonidos de su recorrido. Hay que reconocer que las canciones suelen tener ganchos que atrapan rápidamente pero el conjunto del disco puede no ser digerible tan fácilmente en tanto transita como un espiral.

Como los trabajos de Mano Negra, "Clandestino" está en varios idiomas, siendo el castellano el principal, incluida la canción principal, un himno para los inmigrantes en situación ilegal. Otras canciones que también calaron fueron "Mentira" y "Desaparecido". Una canción está conectada a otra, muchas veces enlazadas por los samples.

La hazaña de poder etiquetar el disco por la crítica (¿es música latina?¿es reggae?¿es electrónico?) ha terminado por darle un lado más ecléctico que su filosofía ha querido dejar en claro. Para el público internacional, el disco ha terminado siendo consagrado por su hazaña de hacer canciones pop a partir de collages (con una preferencia en particular por "Bongo Bong") y el público hispanoamericano ha recogido el lado cancionero del mismo (llamado por algunos como canción protesta de vanguardia).

Lo que no queda mayor duda es que en un tiempo donde el rock había empezado a ser cuestionado por su imposibilidad a ser crítico y directo sin dejar los clichés, "Clandestino" marcaba un nuevo tiempo para la música en América Latina. Inauguraba una era para la música alterlatina que bandas como Calle 13, Aterciopelados (en su segunda etapa) o Bomba Estéreo han tomado la posta adaptándola en diversas formas y a nivel mundial se encumbró como un lider de la música worldbeat (que a diferencia de la entonces conocida world music no eran música para restaurantes finos sino que era música con actitud) para artistas como Gogol Bordello, Asian Dub Foundation o Diplo. La inserción del sonido rezagado en el mundo del rock, modernos pero diferentes. (J.L.Mercado)

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5
Abraxas

Santana

Abraxas (1970)

Durante casi 10 minutos un guitarrista de origen mexicano pudo convertirse en el rey del rock y poner a miles de hippies drogados alucinar a otro nivel en un festival que la historia ha terminado por inmortalizar.

Pero claro que no todo era Carlos, había un grupo fenomenal que hizo que la música tuviera el impacto que hizo, sobre todo por el percusionista José "Chepito" Areas y el batero Michael Shrieve. Sin embargo, Carlos tenía la visión y el concepto. Un sonido que bajos otras bandas hubiera sido un mero recurso esotérico e instantaneo, era en ella un precedente que terminó otorgando una nueva forma de identidad para el rock del sur.

Desde la impresionante cubierta a los riffs de guitarra eléctrica vertidas influencias de jazz, Carlos tiene esta sensación conmovedora que sólo una pocas leyendas de la guitarra pueden dar la impresión que crean sin esfuerzo y Santana no dejaba de cautivar, mostrando una versatilidad muy interesante cuya mezcla entre sonidos que muy pocas veces se habían cohesionado atraían a un público norteamericano que se quedaba boquiabierto. Escuchar a alguien que domina la guitarra como él, pueden hacer olvidar lo difícil que algunos de los acordes son en realidad. El juego de lo suave con la cadencia rítmica que le da una aura mística dentro de la potencia que se mueve en el rock termina redondeando lo que significa "Abraxas".

El disco se grabó en Wally Heider Recording Studio en un poco de más de dos semanas durante la primera mitad de 1970. Se tomaron dos canciones prestadas ("Oye como va" o "Black magic woman") y bajo las nuevas versiones cobraron otra vida. El tema original de Tito Puente es cantada por Rico Reyes. El órgano y guitarra brillan gracias a Carlos y Gregg Rolie con momentos donde se luce cada uno.

Otro de los títulos en castellano del disco, "Se acabó" (que aparece en el disco original como "Se a cabo"), son un juego de jolgorio en el disco donde convulsiona el bloque percusivo con la dupla guitarra-teclado que produce un tema de latin jazz muy potente como fascinante. En "Samba pa ti", Santana imprime su sello en guitarra acústica con un tema instrumental que ha terminado inmortalizandose hasta en las clases más básicas del instrumento.

Por otro lado significó la entrada de la cultura latina a la música moderna y con ello, hacía callar a muchos rockeros en América Latina que se negaban a cantar en castellano porque consideraban que era un idioma ilegítimo para hacerlo (y eso incluía a bandas que ya habían integrado ritmos latinos y afrocaribeños). Introdujo a una persona de origen latinoamericano al mundo del rock anglo y se dio el lujo de cambiar las reglas de juego.

Aunque el impacto en el Sur tomó un poco más de tiempo, se adelantó a la introducción de ritmos caribeños a la música popular como luego lo haría Bob Marley con el reggae (y que a la larga tendría un poco más de credibilidad debido a lo que representó para su país Jamaica). Sin embargo, es innegable que en conjunto plantó la semilla que luego artistas como Los Fabulosos Cadillacs o Mano Negra (o inclusive Maná, para hablar en términos de la música pop) terminarían trabajando desde diversas ópticas y reminiscencias. Y en los Estados Unidos aportó enormemente en la reivindicación de la cultura chicana en la Costa Oeste y abrió una conversación con la escena de la Costa Este que bajo influencias un poco menos "descontaminadas" terminarían creando el boom de la salsa con La Fania All Stars. (J.L.Mercado)

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4
Casa Babylon

Mano Negra

Casa Babylon (1994)

"Casa Babylon" es el disco latinoamericano de Mano Negra. Punto.

Sin embargo, a lo largo del recorrido que la banda francesa había hecho por el mundo había dejado de funcionar como banda para trabajarse como un colectivo, con liderazgo de Manu Chao, algo que poco a poco había comenzado a abrir las grietas que llevarían a la separación final.

Durante este album hacen gala de todo lo que habían ido aprehendiendo en el camino. Las sonidos empiezan a ensamblarse a partir de un sound system que se compone a partir de samples de discursos y canciones grabadas así como potentes sonidos bailables en vivo. Manu juega entre ser un intrépido MC en unas canciones y en otras ser cantautor intermediario entre una realidad oculta y una audiencia ignorante.

Es así como la búsqueda de Mano Negra de Latinoamérica no se da en un sentido folklórico ni recogiendo ese sentimentalismo tradicionalista que otros músicos han buscado imprimir a lo largo del tiempo, sino a partir de un collage urbano donde se pierden los gritos de revolución, los cánticos futboleros o las locuciones de divertidos DJ de radio que buscan atraer sintonía. Si el oyente busca encontrar raggae o ska podría decepcionarse porque el disco le escupirá un sonido corrompido que hasta le puede parecer repulsivo sino entiende el contexto.

El contexto era una realidad convulsionada entre una lucha contra el narcotráfico cada vez más violenta y que incluía la muerte del capo de la droga Pablo Escobar, a los gobernantes latinoamericanos que llevaban a los países hacia el libre mercado y la resistencia por algunos grupos como el EZLN en México. En el fondo, cosas que siguen pasando bajo otras formas y otros personajes, pero que en ese momento, la banda pensó que era el momento para inmortalizarlo.

Debido a los problemas internos que la banda sufrió, personajes externos tuvieron importancia en la concepción del disco. En particular, el argentino Fidel Nadal, miembro de Todos Tus Muertos, que hace apariciones en varios tracks del album y trabajó en la composición de los mismos.

La canción bandera del disco, "Señor Matanza", marcó todo una tendencia en su momento en cuanto a sonido (y también por el recordado videoclip filmado en Colombia con la estética urbana latinoamericana). Y aunque por tratarse de un disco cuya inspiración se encontró en la región con canciones tan distintas como "El alakrán", "Santa Maradona", también hay canciones con temas en inglés como "Drives me crazy".

El disco juega con un paseo que va de un estado eufórico a la parsimonía y a lo apocalíptico (con el fatal "This is my world"), poniendo cerradura a este sub-mundo sonoro donde la banda se jacta de celebrar entre pesimismo y denuncia, sin advertir la postura minimalista que luego tomara Manu Chao en "Clandestino".

En síntesis, "Casa Babylon" se adelanta a la onda alterlatina que entrará con fuerza a partir de finales de los 90's y toma por sorpresa a una escena latinoamericana que estaba buscando su propia identidad sin dejar de lado los principios del rock que hacían hincapié en el cambio generacional. Mano Negra pasó de ser una banda mestiza francesa de base punk para convertirse en la plataforma que Manu Chao necesitaba para sembrar la semilla de un movimiento desde América Latina que recogía los sonidos e ideas de los rechazados pero expulsado a un solo chorro. Ahi están los preceptos: energía y rebeldía de una manera que otros artistas están tratando de emular. (J.L.Mercado)

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3
Clics modernos

Charly García

Clics modernos (1983)

1983 es un año trascendental para la música latinoamericana contemporanea. Era el inicio de una revolución donde una juventud tenía voz mientras la sociedad vivía momentos de progreso. La voz de los 80s era llevada por un viejo rockero que no moría, sino más bien que se reinventaba. "Clics modernos" era la banda sonora de ese momento.

Charly García se pone al servicio del new wave y los sonidos bailables. El nunca negó que se inspiró de alguna manera en el funk y la música que se encontró en Nueva York cuando grabó el disco. De alguna manera, Joe Blaney que había trabajado como ingeniero en "Combat Rock" de The Clash y que ahora hacía de productor junto a García, puso su grano de arena en el conjunto sónico.

Sin embargo, Charly rompía con la emulación de lo anglo al proponer algo más que ser el importador de los nuevos sonidos al rock latinoamericano, sino que más bien procura que el mismo no pierda a la tradición lírica que había construido desde los 70's con Sui Generis y aún mantenía en el predecesor "Yendo de la cama al living". Remarcar la importancia de la letra en el nuevo sonido, era darle una marca fundacional a los tiempos que luego se conocería como la "era dorada del rock en español".

Y es que hay un cuidado por el cual se procura que cada una de las canciones se consolide como un himno. Es asi como detrás del beat pegajoso de "Nos siguen pegando abajo (pecado mortal) -por ejemplo- hay una canción de protesta social casi inconsciente, las referencias a la represión, a las drogas y el impacto de la sociedad ante la tabú era descrito de una manera corta y directa al oyente popular. Canciones digeribles fundacionales de un movimiento que sobrepasaba la escena argentina. Otras canciones inmortalizadas son "No me dejan salir" y "Báncate ese defecto". Claro que el piano rock no está dejado de lado completamente y hace de sus delicias en el ahora clásico tema "Los dinosaurios", una canción dirigada a los dictadores del regimen militar argentino.

Entre los músicos colaboradores destacan su amigo de Serú Girán Pedro Aznar en el bajo así como el guitarrista Larry Carlton. Hay que recordar que debido a los presupuestos que se costeaban por ese entonces no era posible llevar a músicos locales hasta Nueva York donde con la excepción de Aznar, se armó una banda llena de músicos norteamericanos. Para las presentaciones en vivo contaría con sus músicos que al poco tiempo formarían a G.I.T.

La recepción del album no fue positiva inmeditamente. De hecho gran parte de la crítica y su público se sentía abandonados. Pero ha sido el tiempo y la visión en retrospectiva el que ha permitido entender que este disco es el eslabón perdido para entender como Latinoamérica respondería a la música pop y como el fenómeno del rock popular en los 80's y década venideras cambiarían la gran escena así como la consagración del cronista del rock en un ícono internacional y que otros artistas tomarían para llevarlo por aires más comerciales y masivos a lo largo del tiempo. (J.L.Mercado)

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Canción animal

Soda Stereo

Canción animal (1990)

Cuando Soda Stereo había hecho con nombre propio una labor que la enaborlaba como la banda más importante a lo largo de la región "Canción animal" reconstruye los preceptos del rock latinoamericano.

Soda nunca negó que hacía un pop-rock estilizado pero siempre se sintió en la obligación a adelantarse a sus colegas, porque el encanto en un género limitado es tomar los riesgos antes que los demás. En este disco los sintetizadores pasan a un segundo plano para darle protagonismo a las guitarras. El disco gana terreno en la diversificación de su sonido pero jamás pretende ser pretencioso y ahi radica su gusto popular en el tiempo. A lo que si renunció Soda fue a la concesión a dar temas fáciles para la radio que por ese entonces había terminado por prostituir la etiqueta del "rock en tu idioma" con el fin de maximizar su masividad.

Es así como una banda masiva piensa en un disco a largo plazo con temas de trascedencia. Una canción como "De música ligera" no se hizo un clásico de la noche a la mañana, fue su confección la que la hizo resistente y le dio la inmortalidad bajo la cual ahora se pasea por cuanto aparato de sonido tenga el latinoamericano promedio. Y lo mismo sucedía con canciones como "Un millón de años luz" o "Hombre al agua".

Por otro lado, se busca un mensaje más directo, pensado pero nunca complejo, respuestas al momento de creatividad que estaban pasando. El trabajo de la lírica buscaba armonizar el concepto de una canción de rock. En "Té para tres" se puede ser melancólico o en "Sueles dejarme solo" se puede ser pesado. No se puede hablar de una sola dirección pero si se puede entender perfectamente que lo que querían. Para las presentaciones en vivo sería la última vez que trabajaría con sus músicos invitados, ya que pasarían por una etapa de minimalismo sónico.

El impacto de "Canción animal" fue primordial para Soda Stereo tanto para Argentina como para el rock hispnoamericano en general. En su país natal, la banda pudo consolidarse y terminar con esa condena que hacía el público local al abandonar a los artistas que habían logrado la internacionalización (y que había generado un cierto culto a un rock de códigos netamente argentinos como a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, entre otros). Dentro de la escena del rock hispanoamericano pudo reinvidicar la importancia del trabajo del concepto del disco (que aunque se percibe desde los 80's con albumes como "Signos", terminaron siendo opacados por la importancia del sencillo, producto de las compilaciones de "Rock en tu idioma") y también otorgarle una bocanada de aire fresco a la escena en un momento donde la historia se lo pedía. Ello le permitió ser una de las pocas bandas que pudo pasar con éxito el cambio de década, y con ello coser la costura de una era en Hispanoamérica que visto en retrospectiva jamás podrás alcanzar el mismo nivel de trascendencia en la cultura popular. El rock como esencia de millones de almas que superaron sus fronteras para alzar a una sola voz el coro de una canción. (J.L.Mercado)

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