Los rockeros siempre buscaron una manera de integrar las raices tradicionales a su música; aveces lo hicieron con misticismo, aveces lo hicieron desde la misma reivindicación del barrio o aveces lo hacían como una forma de construir un lenguaje totalmente nuevo. Sea como sea es casi imposible negar el aporte del mismo a la construcción del rock latino y que se ha manifestado de diversas formas a lo largo del tiempo. Aquí 50 canciones que proponemos para rendirle un homenaje sin agradecer a la gente que votó y que aportó a la construcción de esta lista.
Canción básica. Fue la que introdujo a los habitantes del mundo pop hacia sonido más duros y fue la que oxigenó nueva vida al sonido pesado. Nunca tranzó con la escena heavy y de hecho su éxito pudo ser hasta disuasivo en algún momento, pero no hay duda que para los que quieren disfrutar de la música más allá de cualquier etiqueta, "Entre dos tierras" significa una canción dura por excelencia con solos rompedores, un vocalista enfocado y una letra misteriosa, que entre gustos, generaciones y geografías ha terminado por ser el tema que generó mayor consenso.
El título puede hacer pensar que hablamos solamente de hard rock pero no. Pedimos ayuda de nuestros lectores para que cubrieran una lista con canciones de rock hispanoamericano de todos los tiempos de diversos géneros unidos por su pesadez. Cubre desde blues rock pasando por rock duro y hasta heavy metal, aunque también otros estilos como música punk. Todos ellos comparten las guitarras molestas y su incomodidad para el amante de la música bonita. Los sonidos pueden ser distintos, o inclusive antagónicos (desde baladas power a canciones poderosas), pero todos han dejado una huella.
"Casa Babylon" es el disco latinoamericano de Mano Negra. Punto.
Sin embargo, a lo largo del recorrido que la banda francesa había hecho por el mundo había dejado de funcionar como banda para trabajarse como un colectivo, con liderazgo de Manu Chao, algo que poco a poco había comenzado a abrir las grietas que llevarían a la separación final.
Durante este album hacen gala de todo lo que habían ido aprehendiendo en el camino. Las sonidos empiezan a ensamblarse a partir de un sound system que se compone a partir de samples de discursos y canciones grabadas así como potentes sonidos bailables en vivo. Manu juega entre ser un intrépido MC en unas canciones y en otras ser cantautor intermediario entre una realidad oculta y una audiencia ignorante.
Es así como la búsqueda de Mano Negra de Latinoamérica no se da en un sentido folklórico ni recogiendo ese sentimentalismo tradicionalista que otros músicos han buscado imprimir a lo largo del tiempo, sino a partir de un collage urbano donde se pierden los gritos de revolución, los cánticos futboleros o las locuciones de divertidos DJ de radio que buscan atraer sintonía. Si el oyente busca encontrar raggae o ska podría decepcionarse porque el disco le escupirá un sonido corrompido que hasta le puede parecer repulsivo sino entiende el contexto.
El contexto era una realidad convulsionada entre una lucha contra el narcotráfico cada vez más violenta y que incluía la muerte del capo de la droga Pablo Escobar, a los gobernantes latinoamericanos que llevaban a los países hacia el libre mercado y la resistencia por algunos grupos como el EZLN en México. En el fondo, cosas que siguen pasando bajo otras formas y otros personajes, pero que en ese momento, la banda pensó que era el momento para inmortalizarlo.
Debido a los problemas internos que la banda sufrió, personajes externos tuvieron importancia en la concepción del disco. En particular, el argentino Fidel Nadal, miembro de Todos Tus Muertos, que hace apariciones en varios tracks del album y trabajó en la composición de los mismos.
La canción bandera del disco, "Señor Matanza", marcó todo una tendencia en su momento en cuanto a sonido (y también por el recordado videoclip filmado en Colombia con la estética urbana latinoamericana). Y aunque por tratarse de un disco cuya inspiración se encontró en la región con canciones tan distintas como "El alakrán", "Santa Maradona", también hay canciones con temas en inglés como "Drives me crazy".
El disco juega con un paseo que va de un estado eufórico a la parsimonía y a lo apocalíptico (con el fatal "This is my world"), poniendo cerradura a este sub-mundo sonoro donde la banda se jacta de celebrar entre pesimismo y denuncia, sin advertir la postura minimalista que luego tomara Manu Chao en "Clandestino".
En síntesis, "Casa Babylon" se adelanta a la onda alterlatina que entrará con fuerza a partir de finales de los 90's y toma por sorpresa a una escena latinoamericana que estaba buscando su propia identidad sin dejar de lado los principios del rock que hacían hincapié en el cambio generacional. Mano Negra pasó de ser una banda mestiza francesa de base punk para convertirse en la plataforma que Manu Chao necesitaba para sembrar la semilla de un movimiento desde América Latina que recogía los sonidos e ideas de los rechazados pero expulsado a un solo chorro. Ahi están los preceptos: energía y rebeldía de una manera que otros artistas están tratando de emular.
1 Viva Zapata 2:02 2 Casa Babylon 2:01 3 The Monkey 2:47 4 Señor Matanza 4:06 5 Santa Maradona (Larchuma Football Club) 3:27 6 Super Chango 2:53 7 Bala perdida 2:13 8 Machine Gun 4:25 9 El Alakran (La mar esta podrida) 3:50 10 Mama perfecta 1:54 11 Love and Hate 2:28 12 Drives Me Crazy 3:38 13 Hamburger Fields 3:14 14 La vida (La vida me da palo) 2:41 15 Sueño de solentiname 2:54 16 This Is My World 4:48
Durante casi 10 minutos un guitarrista de origen mexicano pudo convertirse en el rey del rock y poner a miles de hippies drogados alucinar a otro nivel en un festival que la historia ha terminado por inmortalizar.
Pero claro que no todo era Carlos, había un grupo fenomenal que hizo que la música tuviera el impacto que hizo, sobre todo por el percusionista José "Chepito" Areas y el batero Michael Shrieve. Sin embargo, Carlos tenía la visión y el concepto. Un sonido que bajos otras bandas hubiera sido un mero recurso esotérico e instantaneo, era en ella un precedente que terminó otorgando una nueva forma de identidad para el rock del sur.
Desde la impresionante cubierta a los riffs de guitarra eléctrica vertidas influencias de jazz, Carlos tiene esta sensación conmovedora que sólo una pocas leyendas de la guitarra pueden dar la impresión que crean sin esfuerzo y Santana no dejaba de cautivar, mostrando una versatilidad muy interesante cuya mezcla entre sonidos que muy pocas veces se habían cohesionado atraían a un público norteamericano que se quedaba boquiabierto. Escuchar a alguien que domina la guitarra como él, pueden hacer olvidar lo difícil que algunos de los acordes son en realidad. El juego de lo suave con la cadencia rítmica que le da una aura mística dentro de la potencia que se mueve en el rock termina redondeando lo que significa "Abraxas".
El disco se grabó en Wally Heider Recording Studio en un poco de más de dos semanas durante la primera mitad de 1970. Se tomaron dos canciones prestadas ("Oye como va" o "Black magic woman") y bajo las nuevas versiones cobraron otra vida. El tema original de Tito Puente es cantada por Rico Reyes. El órgano y guitarra brillan gracias a Carlos y Gregg Rolie con momentos donde se luce cada uno.
Otro de los títulos en castellano del disco, "Se acabó" (que aparece en el disco original como "Se a cabo"), son un juego de jolgorio en el disco donde convulsiona el bloque percusivo con la dupla guitarra-teclado que produce un tema de latin jazz muy potente como fascinante. En "Samba pa ti", Santana imprime su sello en guitarra acústica con un tema instrumental que ha terminado inmortalizandose hasta en las clases más básicas del instrumento.
Por otro lado significó la entrada de la cultura latina a la música moderna y con ello, hacía callar a muchos rockeros en América Latina que se negaban a cantar en castellano porque consideraban que era un idioma ilegítimo para hacerlo (y eso incluía a bandas que ya habían integrado ritmos latinos y afrocaribeños). Introdujo a una persona de origen latinoamericano al mundo del rock anglo y se dio el lujo de cambiar las reglas de juego.
Aunque el impacto en el Sur tomó un poco más de tiempo, se adelantó a la introducción de ritmos caribeños a la música popular como luego lo haría Bob Marley con el reggae (y que a la larga tendría un poco más de credibilidad debido a lo que representó para su país Jamaica). Sin embargo, es innegable que en conjunto plantó la semilla que luego artistas como Los Fabulosos Cadillacs o Mano Negra (o inclusive Maná, para hablar en términos de la música pop) terminarían trabajando desde diversas ópticas y reminiscencias. Y en los Estados Unidos aportó enormemente en la reivindicación de la cultura chicana en la Costa Oeste y abrió una conversación con la escena de la Costa Este que bajo influencias un poco menos "descontaminadas" terminarían creando el boom de la salsa con La Fania All Stars.
Desde el año 2006, Rock en las Américas se ha encargado de hacer su listado del año con las canciones que por su popularidad, trascendencia o porque han hecho hablar a muchos, han terminado consagrándose como los temas del año. El mismo también refleja las tendencias y las nuevas búsquedas sónicas del entorno del rock hispanoamericano, veamos cuales han sido las número 1 hasta el momento:
En el 2009, ya advertíamos que era una época de transición. Cambios generacionales, nuevas formas de distribución de la música y de cómo obtenerla se están imponiendo. Incluso, las fuentes a donde la gente suele recurrir para encontrar nuevas propuestas quedan en un segundo plano sino están en la Internet (si es que esta ya no es de por sí una fuente para encontrar nueva música).
De la misma forma, hay artistas que están adaptando a estas nuevas épocas y se rehusan a obedecer a su viejo legado de fans que les molesta que se reinventen, o por otro lado, otros artistas obtienen el reconocimiento debido, por ser precursores en las nuevas vías de como llegar a sus fans. Nuevos y viejos sonidos, mezclas, reciclados y aculturaciones parece que envolviera lo que será la nueva década. ¿Aún existe el rock? Uds podrán responder esa pregunta después de checar estas canciones de acuerdo a los criterios de siempre.
Hemos aumentado de 10 a 12 canciones la lista anual, así que comenzamos...
LOS 12 TEMAS DEL AÑO
No son los mejores necesariamente, si no los que han sobresalido ya por expectativa, popularidad o propuesta. Ya lo dijimos pero en el mundo de los necios siempre vale redundar..
12. Panda - La célula que explota
Este año si que ha sido un año para los covers. Han habido para todos los gustos, desde los que tributan el viejo repertorio hispanoamericano a los que tributan las nuevas propuestas indies. En ese pandemoniun de versiones nos quedamos con la de Panda. Sí, esa banda que deberíamos odiar porque es para púberes, como dicen los reyes del buen gusto. Y es que esta versión representa todo lo que puede hacer una banda de un público antagónico al de su homenajeado: sumirse en su esencia sin atreverse a hacer metamorfosis extravagante porque hiciera lo que hiciera estaba condenada al repudio anticipado.
11. La Vida Bohéme - Radio capital
Una banda que aprovecha precisamente los recursos de la independencia para hacer buenas canciones pop. Este tema no tiene nada de novedoso pero se encarga de recoger los mejores de distintos conceptos, y desde Venezuela se proponen a ser uno de las bandas indies que otorgan mayor frescura como lo muestra esta canción.
10. Quiero Club - Las propiedades del cobre
Quiero Club es otro de esos grupos que ha estado haciendo trabajo de hormiga desde hace muchos años para cosechar esa popularidad que está teniendo sobre todo en su México natal. Más bailables que nunca y luego del espaldarazo que les dio el ex-Prisioneros Jorge Gonzalez en "Minutos de aire" fueron por las tendencias dance con uno de los sencillos más relajados del año.
9. Hello Seahorse! - Casa vacía
El año pasado escogimos con bombos y platillos "Bestia" como canción del 2009, y hasta la fecha es una canción que mucha gente sigue conociendo día a día. Sin embargo, ellos han optado por renovar su sonido, jugar más con el lo-fi y la folktrónica tal como lo demuestra esta canción.
8. Las Robertas - V for you
Para los que han checado previamente nuestras listas anuales, sabrán que somos reacios a incluir temas en inglés de bandas hispanoamericanas. Esta es la segunda vez que rompemos con la excepcíon, porque se trata de una banda que ha roto con muchas barreras en un tiempo más corto de lo que suele hacerlo una banda nueva. Aparicieron casi de la nada desde un país que no se suele hablar mucho de su escena internacionalmente (como es Costa Rica) y ya blogs de los más importantes a nivel anglo (y el 2010 ha sido el año de los blogs) las mencionaban con buen aprecio. Hay mucho de revival a lo Pixies aquí, pero no se dejen engañar, el potencial existe.
7. Perrozompopo - El pais de la mentira
Hace un par de años rescatabamos con orgullo al panameño Cienfue por su concepto alternativo folk. Es algo sumamente fascinante ver que Centroamérica es un semillero para ese estilo de música. Perrozompopo no es un precisamente un artista nuevo; sin embargo, su nueva forma de distribución de música lo está llevando a nuevos lugares que incluyen una nominación de su disco a un Grammy Latino (para algo sirven esos premios, ¿no?). Desde ese disco, de nombre CPC (que viene de un juego de palabras entre Canciones Populares Contestataris y Consejos del Poder Ciudadano, estos últimos considerados como herramientas políticas para la izquierda en su país), aparece esta canción donde se imprime su crudo sentimiento hacia su tierra Nicaragua.
6. Gustavo Cerati - Magia
El nombre de Cerati ha estado más de lo habitual en los medios pero no ha sido precisamente por una noticia que implica la música. "Magia" fue el sencillo que no pudo lanzarse, el video aún sigue sin editar ya que sin Gustavo, Sony no ha querido darle salida. La canción es agridulce cuando choca con la inevitable verdad, pero era imposible dejar de lado algo de lo último que ha hecho; un tema que evoca referencias clásicas y del pop por igual y que es mejor tributo que suene un ipod a cualquiera de sus canciones archiconocidas de Soda Stereo.
5. Lido Pimienta - Mueve
A finales del 2009, aparecía casi como plaga por diversos blogs posteado el video de una niña que parecía cantar sobre un humano bajo un puente y lo había filmado con una cámara casera. ¿Qué carajos?? Una prueba más del efecto hipster y como tira un montón de cosas a la pared para ver si una de ellas queda pegada...Al poco tiempo, en Club Fonograma aparece con "Mueve", canción bandera de la niña y las estrellas se alinearon. Gente tan diversos países como los de Zizek Records (Argentina), Julieta Venegas (México), Javiera Mena (Chile) o Pernett (Colombia) la enarbolaron como flamante diosa del indie latino (¡Justo en el año en que el indie despegó como nunca!). Dándole el beneficio de la duda, hay que reconocer que la canción funciona muy bien y a paso de tortuga se postula como futuro clásico de culto, sin exagerar.
4. El Trío de Omar Rodriguez López - Miércoles
Omar Rodriguez López puso en segundo plano su megaproyecto de The Mars Volta, uno de los grupos fundamentales a nivel internacional de la década pasada, y hay que echarle la culpa a Ximena Sariñana, su novia y ahora su musa, a quien dedica sus acordes para que se adecúen a su voz. "Miércoles" es una balada engañosa que se esconde en el oscurismo, single atípico que solo funciona cuando entiendes que su encanto está en que se va desvaneciendo desde que comenzó.
3. El Guincho - Bombay
La música del español había funcionado muy bien internacionalmente y, su primer disco ya se hizo de un nombre en el mundo de los melómanos pero tenía que demostrar que era mucho más que una canción como "Palmitos Park". "Bombay" cobra vida propia y se gana a los escépticos sin tanto freak cultista y con más rendición a un inteligente pop que guarda una letra fantastica casi escondida en las capas sonoras.
2. Javiera Mena - Hasta la verdad
Club Fonograma reseñó el último álbum de la chilena con un 100 perfecto y aclamando con él, la muerte del rock en español. Lamentablemente, tenemos que decirles que el rock en español ya estaba bien muerto antes de este disco, y en todo caso, Javiera se encarga de desplomar un cadaver. Un cadaver que no pudo hacer ser Lazaro y que es ametrallado por un himno pop que ha sido acogido por los sempiternos mundos rechazados (los freaks, los gays, etc). Si el mundo no quiere una revolución y sí quiere bailar, Javiera llegó tu momento. Ya no es "Hasta la victoria", ahora es "Hasta la verdad."
1. Los Planetas con La Bien Querida - No sé como te atreves
Los Planetas no hicieron tanta bulla como con discos anteriores ni fueron tan aclamados. De hecho, en comparación a otras bandas de este año, hubo cierto perfil bajo. Y es lo mejor que pudieron haber hecho. No se contagiaron de la algarabía de la tendencia, y se dedicaron a hacer lo mejor que saben hacer: extrañas canciones de rock. En esta oportunidad, le pusieron más romanticismo y es inevitable decir que el crédito se la lleva La Bien Querida (que como la hubiera cantado Jeannette hace unos 30 años) le imprimió una inocente ambigüedad que lo hace un tema esencial para el 2010, un año de conmemoraciones de nuevos reyes sin celebración.
Si no gustó a nadie por completo...habremos descrito el año en 12 canciones con total éxito...
Manu Chao había pasado por un largo recorrido para llegar a "Clandestino", desde un punk que se entía identificado con la ideología de The Clash por haber sido un marginal extranjero en Paris (que pese a ser parisino de nacimiento siempre fue tratado como forastero por su origen español) a un aventurero que recorría medio Tercer Mundo en busca de nuevas respuestas.
El entendimiento del rock para Manu Chao venía con una mentalidad para los tiempos de la globalización. La occidentalización y el capitalismo salvaje se estaba comiendo los últimos refugios de resistencia, y su trabajo toma como núcleo central los discursos del Comandante Marcos, presentes a lo largo del disco.
El álbum en sí, es un viaje y a partir del minimalismo busca confeccionar un rompecabezas tomando desde estilos musicales tradicionales a hilos experimentables; todo desde una grabadora que recoge los distintos sonidos de su recorrido. Hay que reconocer que las canciones suelen tener ganchos que atrapan rápidamente pero el conjunto del disco puede no ser digerible tan fácilmente en tanto transita como un espiral.
Como los trabajos de Mano Negra, "Clandestino" está en varios idiomas, siendo el castellano el principal, incluida la canción principal, un himno para los inmigrantes en situación ilegal. Otras canciones que también calaron fueron "Mentira" y "Desaparecido". Una canción está conectada a otra, muchas veces enlazadas por los samples.
La hazaña de poder etiquetar el disco por la crítica (¿es música latina?¿es reggae?¿es electrónico?) ha terminado por darle un lado más ecléctico que su filosofía ha querido dejar en claro. Para el público internacional, el disco ha terminado siendo consagrado por su hazaña de hacer canciones pop a partir de collages (con una preferencia en particular por "Bongo Bong") y el público hispanoamericano ha recogido el lado cancionero del mismo (llamado por algunos como canción protesta de vanguardia).
Lo que no queda mayor duda es que en un tiempo donde el rock había empezado a ser cuestionado por su imposibilidad a ser crítico y directo sin dejar los clichés, "Clandestino" marcaba un nuevo tiempo para la música en América Latina. Inauguraba una era para la música alterlatina que bandas como Calle 13, Aterciopelados (en su segunda etapa) o Bomba Estéreo han tomado la posta adaptándola en diversas formas y a nivel mundial se encumbró como un lider de la música worldbeat (que a diferencia de la entonces conocida world music no eran música para restaurantes finos sino que era música con actitud) para artistas como Gogol Bordello, Asian Dub Foundation o Diplo. La inserción del sonido rezagado en el mundo del rock, modernos pero diferentes.
1 Clandestino 2:28 2 Desaparecido 3:47 3 Bongo Bong 2:38 4 Je ne t'aime plus 2:02 5 Mentira... 4:37 6 Lágrimas de oro 2:57 7 Mama Call 2:21 8 Luna y sol 3:07 9 Por el suelo 2:21 10 Welcome to Tijuana 4:04 11 Día luna... Día pena 1:30 12 Malegría 2:55 13 La vie à 2 3:00 14 Minha galera 2:21 15 La despedida 3:09 16 El viento 2:26
Los 70's fueron una década mala para hacer rock en Latinoamérica, que no quiere decir que haya sido una década que hubo mala música. De hecho, en muchos sentidos, es una década excelsa, de cual muchos fanáticos de la música suelen disfrutar llena de experimentaciones donde el rock siempre estuvo involucrada de manera más indirecta en algunas ocasiones que otras.
La salsa se nutría de los sonidos de Nueva York, y la nueva canción dejaba las posturas rurales para construir sus propios códigos con referencias a la música occidental. Luis Alberto Spinetta se encontraba en ese contexto, sumado a su vida como ciudadano de una Argentina compleja. Pescado Rabioso, reconocido como banda de blues rock, en esta ocasión no era Pescado Rabioso ni una banda de blues rock. Spinetta reconstruye la banda que abandonó Amaya, Lebón y Cutaia y convoca a dos de sus viejos amigos de Almendra así como a su hermano.
Pese a los cambios, Spinetta se maneja como líder nato. De hecho, la crítica lo considera como su primer disco solista (pese al "Spinettalandia y sus amigos" de 1971), y se maneja bajo la concepción que tenía del rock. Mientras los distintos movimientos en Latinoamérica negaban la inevitable influencia del rock en su evolución, el más bien la reconocía y le otorgaba un intelectualismo de impronta personal, que seguía el sendero marcado por el álbum Almendra de fines de 1969.
Ello le permitió ser cobijado por los circuitos universitarios del Cono Sur de los 70's y fue en gran parte, el gran causante del atesoramiento del rock argentino por un público que le dio la talla de patrimonio local y negó el carácter de "música extranjerizante" que ensombrecía a toda la región. Fue la primera vez que el rock podía ser entendida como parte de la música latina, como parte de una nueva cultura popular que estaba en plena formación.
Las canciones aunque son en su mayoría acústicas, también hay experimentación con el pop progresivo, el jazz y el avant-folk. La canción más conocida del disco es un tema cantada a la mujer que es madre: "Todas las hojas son del viento" que incluye una referencia anti-drogas. También destaca el psicótico "Starosta el idiota" que incluye un sample de "She loves you" de The Beatles. Las referencias a este disco a lo largo del tiempo han sido varias. Las más destacadas vienen de Gustavo Cerati quien en su disco "Amor amarillo" versionó el tema "Bajan" y en el disco (Un)Plugged de Soda Stereo incluyen un fragmento de "Cementerio Club" dentro de "Té para tres".
En síntesis, el álbum es el punto climático en la carrera de un músico que supo construir un lenguaje que terminó haciendo de un disco de culto, el medio necesario para que músicos populares construyeron un movimiento que si bien tomaba los preceptos de la música que alimentaba al mundo tuviera su propia personalidad. El rock hispanoamericano aprendió a que escarbar en el intelectualismo y la vanguardia no iba en contra de reconocer su territorio. Cuando el rock recibía las peores embestidas, solos los mejores sobrevivieron, y los 70's demostraron por qué Spinetta sobrevivió y terminó por enaltecer el imaginario rockero de América Latina.
A1 Todas las Hojas Son del viento 2:17 A2 Cementerio Club 5:02 A3 Por 1:44 A4 Superchería 4:26 A5 La Sed Verdadera 3:38 B1 Cantata de Puentes Amarillos 9:18 B2 Bajan 3:35 B3 A Starota, el Idiota 3:21 B4 Las Habladurías del Mundo 4:08
En 1992, Caifanes había pasado el dilema del segundo álbum, con aceptación del público y la crítica (particularmente en México, su tierra natal). Ello les otorgaba más libertad para poder encomendarse a su siguiente trabajo. Es así como convocan al ex-King Crimson Andrew Belew para que se encargue de la producción.
La concepción de "El Silencio" era buscar lo mejor de los anteriores trabajos pero desde una óptica distinta. Caifanes parecía ser una banda bipolar hasta ese entonces: Por un lado mostraba esa cara tradicionalista que gozaba con las influencias místicas mexicanas o cubanas, y tenías esa otra cara rockera y frontal que parecía negarlo. En este álbum se busca congeniar estas dos facetas de la banda y el engranaje es tan perfecto que el tiempo lo ha ensalzado como un disco aún no superado en su conjunto.
El resultado final es un disco redondo y sumamente cuidado, y en su país en particular, se terminó por darles la categoría de banda épica y a la altura de las bandas hispanoamericanas de otros paises (recogiendo las críticas locales de ese momento). Y es que era una época donde las bandas como Héroes del Silencio o Soda Stereo se exigían para hacer un trabajo a posterior respecto a los discos (los primeros reventaban aún en la radio con "Senderos de Traición" del '90 mientras Soda Stereo lanzaba "Dynamo" importándoles un carajo la masividad). Es inevitable mencionar que los egos nacionalistas también estaban en juego, pero el resultado es de disfrute universal y compagina en los tesoros que consagra el rock hispanoamericano.
La banda nunca sonará tan cohesionada y aparecía en un momento de transición para el rock mexicano (Maldita Vecindad había lanzado un año antes "El Circo" con grandísima atención y Café Tacuba debutaba). El disco lo grabaron en Estados Unidos, luego de haber armado los temas previamente. La característica principal era tomar las texturas de la música tradicional latinoamericana pero sin perder las armonías así como sonoridad y potencia de una banda de rock. Es así como puedes encontrar la canción más poderosa del su carrera ("Metamorfeame") y enpalma perfectamente con las matices de huapangos y música banda sinaloense que aparecen en temas como "Piedra".
Este empalme entre las capas sonoras y las atmósferas hace dudar si se trata de un disco de fusión. No hay reminiscencia a Santana. Ni siquiera se puede encontrar una referencia de Mano Negra (salvo el paralelismo cronológico) en el concepto. Se trata de un disco cuya base el rock, aveces con una estructura más pop, aveces con ligeras reminiscencias a la música progresiva e inclusive a la música funk.
Aunque se puede darle el crédito de haber recibido influencias del movimiento alternativo que sucedía en los Estados Unidos por aquel entonces, la inspiración de este venía desde su ideología de ser originales rompiendo el modelo de "estandarización" en vez de tomar de una forma "copiosa" los sonidos de las bandas del momento. El juego sincrético gana fuerza y hasta se puede hablar de música alterlatina con actitud, donde las guitarras aún eran las más usadas y revestían a las canciones, a diferencia de lo que sucede en los últimos años.
El disco se encargó de darle un sello al rock mexicano y fue uno de los fundamentales en la segunda mitad de la era dorada del rock en español. El tiempo ha terminado por inmortalizarlo y hacer de la banda su ejemplar discográfico más representativo. Aunque aún merece mayor reconocimiento en parte de Sudamérica, las razones de que sea subestimado no responden a su calidad, demostrada hasta el hartazgo sino a esa ignorancia cínica de parte de los que cuentan la historia del rock hispanoamericano, que no advierten que bandas más internacionales como Café Tacuba o Molotov estaban tomando la posta de la herencia de estos.
1 Metamorfeame 2:44 2 Nubes 4:35 3 Piedra 4:34 4 Tortuga 4:39 5 Nos vamos juntos 5:08 6 No dejes que... 4:40 7 Hasta morir 3:45 8 Debajo de tu piel 3:31 9 Estás dormida 3:37 10 Miércoles de ceniza 4:53 11 El comunicador 4:57 12 Para que no digas que no pienso en ti 3:56 13 Vamos a hacer un silencio 5:16 14 Mariquita [bonus track] 1:56
