LOS 250 DISCOS: RESUMEN (10-2)

10		Molotov ¿Dónde jugarán las niñas? (1997) El tiempo suele ser el gran juzgador, y en la música no hay excepción. "¿Dónde Jugarán Las Niñas?" es un disco que ha dividido a la crítica. Para algunos quedo un disco banal de temas para adolescentes que cualquiera puede grabar; para otros significa un parteaguas en la cultura pop musical de América Latina con canciones más importantes de lo que a primera oida pueden sonar. Antes que nada hay que entender que detrás de Molotov nunca hubo un discurso político ni ideológico como muchos vieron en ellos (al punto de que algunos consideraron que algunas de sus canciones eran una nueva forma de "canción protesta" y otros veían una versión más mexicana que perseguía el discurso de bandas como Rage Against the Machine). Más bien, liricamente sus antecedentes se pueden rastrear a las bandas incorrectas del pop español de inicios de los 80s como Los Nikis o Siniestro Total, pero llevados a la generación MTV, donde recubiertos de un funk metal potente les daba una potencia que el público masivo jamás había visto en una banda de la región. Y es que hay que tener en cuenta cuanta cucufatería ha habido en los medios masivos latinoamericanos que se espantaban porque los Hombres G decían "Mamón" en "Devuélveme a mi chica" y así los convertieron en un fenómeno. Mientras canciones de amor o melodías simplonas retransmitidas para toda la región desde Miami con Univisión o Ciudad de México con Televisa, Molotov explotó hasta el tuétano los medios alternativos e hizo que su humor sin desparpajo encuentre una identidad distinta en la gente que hizo de las canciones verdaderos clásicos. Pero la revolución de Molotov desde sus letras también tenían se caracterizaron por demostrarle a la industria musical que el uso de modismos no generaban menor identificación en paises no habituados a los mismos. La industria había obligado o perseguía que los exponentes internacionales usaran un castellano uniforme para que puedan ser entendidos por todos (y lo hicieron desde los "artistas" Televisa hasta los exponentes del rock en tu idioma de Argentina que cambiaban el "vos" por el tú"). Sin embargo, Molotov pudo vender solo en Argentina más de 100 mil copias diciendo "gacho" o "chinga tu madre". Y Molotov pudo hacer de la contradicción una virtud, o quizás demostrar que el mundo no se dividía tan simple como blanco y negro. Una canción como "Gimme the power", pudo ser coreada hasta por grupos anti-norteamericanos que nunca se quejaron de que hubiera términos en inglés en la canción; o que gente en Bolivia, Uruguay o El Salvador, coreara el "Viva México, cabrones!" como si se la cantasen a sus propios paises, sin perder el poder que llevaba la misma canción. El poco humor con que se lo tomarían los medios masivos, sobre todo en su natal México, solo terminó dando más crédito así como un carácter político al disco (que también se relacionaba con los tiempos que el PRI dejaba el poder), lo cual Universal sabría explotar a nivel mundial, y otorgaría a Gustavo Santaolalla verdadero status de Rey Midas (si es que aún dudaban tras el disco "Re" de Café Tacuba). Por cierto, Santaolalla, es el artífice de haber llevado el sonido de la banda a terrenos más alterlatinos y poder emalgamar ese sonido corajudo llevado por un bajista subestimado quien es Micky Huidobro. Referencias a personajes de televisión, a la suegra, a los chicanos, a las perras, a los narcos, a los putos y a los gordos terminaron recreando a los personajes de los cuales se pueden seguir contando chistes dentro del folclor urbano, que en su mal gusto y visceralidad, podía terminar generar un éxito desbordante. Pesados pero enarbolando el espíritu juvenil que los acercaba a un público mundial que gustaba del rapcore (y que los hizo inesperadamente conocidos por un momento en países que no entendían las letras como Alemania o Japón). La banda jamás se jactó de no ser comercial (y muchos fans que recién entendían con el tiempo el concepto de la banda terminarían desilusionándose). Sin embargo, es imposible poder subestimar el impacto de "¿Dónde jugarán las niñas?" que por donde se lo vea es un disco que generó un cambio para bien en la mentalidad del público masivo, la industria y la escena; y por otro lado que supo imprimir canciones que van desde lo más simplista (como "Puto") a lo más complejas (como la subestimada "Más vale cholo", que tiene un desarrollo narrativo comparado con "Pedro Navaja"). (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...ninas-1997.html
9		Héroes del Silencio Senderos de traición (1990) "Senderos de traición", un álbum trascendental en un momento que definiría a la música española en el panorama internacional. La banda optó por su sonido duro con influencias de las grandes bandas clásicas así como el rock gótico, y los hizo abanderados únicos para las masas. Para la critica especializada española para 1990, la era dorada de la música contempóranea local había muerto. Para llegar al mainstream, se había perdido la espontaneidad que habían caracterizado a las bandas de inicios de los 80's y había mucho escepticismo sobre nuevos actos. Por otro lado, el rock duro en ese país había perdido a los aliados mediáticos que los habían apoyado durante años y muchas bandas habían regresado al underground, desde donde se forjaban. En ese sentido, Héroes del Silencio quedaba en una suerte de limbo, donde si bien se cerraban muchas puertas, se abrían otras. Una de ellas significaba de liderar el nuevo camino de la escena rockera en ese país. Pese al éxito de "El Mar No Cesa", se sentían en la obligación de abandonar el sonido casi básico del disco para tomar posturas más épicas, de rock de estadio, para abanderar multitudes. La banda requirió la ayuda de Phil Manzanera, quien decidió rescatar influencias que la banda había tenido pero que había dejado de lado en su disco debut. El disco sería grabado entre Madrid y Londres durante setiembre y octubre de 1990 y el título del disco haría referencia a un película del director francés Costa Gavras. En "Senderos de Traición" nos muestra dominio del sonido y loable trabajo grupal; y aunque no fue concebido como una unidad, el disco toma una coherencia lineal a la primera oida. Canciones como "Entre dos tierras" o "Maldito duende" habían sido rescatadas de demos y maquetes de 1987, pero que bajo la nueva producción tomaban cuerpo y eran propicias para el momento de su lanzamiento. El disco se pensó en los conciertos (y eso se agradecería en las extensas giras que le seguirían al lanzamiento del álbum). La ecualización de la batería es impecable, pero las guitarras de Valdivia se oyen más fuertes, y por encima pasa la voz de Enrique. La elegancia ante todo. Las dos canciones mentadas previamente se convirtieron en parte de la cultura pop de los 90's (aunque los fanáticos también tendrán en cuenta "La carta", "Malas intenciones" y "Con nombre de guerra"). "Entre Dos Tierras", el tema más largo del disco, se convertiría. La canción empalma con "Maldito Duende", que toma una dirección más pausada más no lenta. Bunbury gana potencia en la voz (llegando a las notas que tenía que llegar), ideal para el hard rock y los solos de guitarras toman protagonismo (cambiaría su Fender Stratocaster por diferentes modelos de Gibson Les Paul). Las letras siguen proyectando tristeza, aunque hay ciertas frases que juegan entre lo ridículo y lo enigmático. La recepción del disco sería excelente, y con ello, la banda se embarcaría en una gira impresionante para aquellos tiempos por toda América y gran parte de Europa, teniendo un éxito nunca antes visto para una banda de rock que interpretaba música en español en paises como Italia o Alemania (en este último país tienen una dedicación de culto que se ha mantenido en el tiempo). En el continente americano, se los vio como los redentores del rock llenando un vacío que habían dejado las bandas del otro lado del charco, tras el boom de las bandas españolas de los 90's, al punto que fueron la única banda de rock que pudo recibir la misma atención que las bandas latinoamericanas en la próxima era de la generación MTV Latino. "Senderos de Traición" marcó un momento en el que la historia del rock hispanoamericano exigía a las bandas que tenían que cambiar. Muchas desaparicieron y se perdieron en la nostalgia. En tanto, Héroes del Silencio terminó por registrar los temas más emblemáticos de su carrera. Canciones que han tomado postura legendaria a través del tiempo, reivindicando el sonido duro a nivel masivo pero enarbolando los principios que toda banda pop que deja huella tener. A partir de este álbum, el público les otorgó un lugar en la historia que hasta ahora nadie ha podido superar. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...enderos-de.html
8		Caifanes El silencio (1992) En 1992, Caifanes había pasado el dilema del segundo álbum, con aceptación del público y la crítica (particularmente en México, su tierra natal). Ello les otorgaba más libertad para poder encomendarse a su siguiente trabajo. Es así como convocan al ex-King Crimson Andrew Belew para que se encargue de la producción. La concepción de "El Silencio" era buscar lo mejor de los anteriores trabajos pero desde una óptica distinta. Caifanes parecía ser una banda bipolar hasta ese entonces: Por un lado mostraba esa cara tradicionalista que gozaba con las influencias místicas mexicanas o cubanas, y tenías esa otra cara rockera y frontal que parecía negarlo. En este álbum se busca congeniar estas dos facetas de la banda y el engranaje es tan perfecto que el tiempo lo ha ensalzado como un disco aún no superado en su conjunto. El resultado final es un disco redondo y sumamente cuidado, y en su país en particular, se terminó por darles la categoría de banda épica y a la altura de las bandas hispanoamericanas de otros paises (recogiendo las críticas locales de ese momento). Y es que era una época donde las bandas como Héroes del Silencio o Soda Stereo se exigían para hacer un trabajo a posterior respecto a los discos (los primeros reventaban aún en la radio con "Senderos de Traición" del '90 mientras Soda Stereo lanzaba "Dynamo" importándoles un carajo la masividad). Es inevitable mencionar que los egos nacionalistas también estaban en juego, pero el resultado es de disfrute universal y compagina en los tesoros que consagra el rock hispanoamericano. La banda nunca sonará tan cohesionada y aparecía en un momento de transición para el rock mexicano (Maldita Vecindad había lanzado un año antes "El Circo" con grandísima atención y Café Tacuba debutaba). El disco lo grabaron en Estados Unidos, luego de haber armado los temas previamente. La característica principal era tomar las texturas de la música tradicional latinoamericana pero sin perder las armonías así como sonoridad y potencia de una banda de rock. Es así como puedes encontrar la canción más poderosa del su carrera ("Metamorfeame") y enpalma perfectamente con las matices de huapangos y música banda sinaloense que aparecen en temas como "Piedra". Este empalme entre las capas sonoras y las atmósferas hace dudar si se trata de un disco de fusión. No hay reminiscencia a Santana. Ni siquiera se puede encontrar una referencia de Mano Negra (salvo el paralelismo cronológico) en el concepto. Se trata de un disco cuya base el rock, aveces con una estructura más pop, aveces con ligeras reminiscencias a la música progresiva e inclusive a la música funk. Aunque se puede darle el crédito de haber recibido influencias del movimiento alternativo que sucedía en los Estados Unidos por aquel entonces, la inspiración de este venía desde su ideología de ser originales rompiendo el modelo de "estandarización" en vez de tomar de una forma "copiosa" los sonidos de las bandas del momento. El juego sincrético gana fuerza y hasta se puede hablar de música alterlatina con actitud, donde las guitarras aún eran las más usadas y revestían a las canciones, a diferencia de lo que sucede en los últimos años. El disco se encargó de darle un sello al rock mexicano y fue uno de los fundamentales en la segunda mitad de la era dorada del rock en español. El tiempo ha terminado por inmortalizarlo y hacer de la banda su ejemplar discográfico más representativo. Aunque aún merece mayor reconocimiento en parte de Sudamérica, las razones de que sea subestimado no responden a su calidad, demostrada hasta el hartazgo sino a esa ignorancia cínica de parte de los que cuentan la historia del rock hispanoamericano, que no advierten que bandas más internacionales como Café Tacuba o Molotov estaban tomando la posta de la herencia de estos. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...o-1992-bmg.html
7		Pescado Rabioso Artaud (1973) Los 70's fueron una década mala para hacer rock en Latinoamérica, que no quiere decir que haya sido una década que hubo mala música. De hecho, en muchos sentidos, es una década excelsa, de cual muchos fanáticos de la música suelen disfrutar llena de experimentaciones donde el rock siempre estuvo involucrada de manera más indirecta en algunas ocasiones que otras. La salsa se nutría de los sonidos de Nueva York, y la nueva canción dejaba las posturas rurales para construir sus propios códigos con referencias a la música occidental. Luis Alberto Spinetta se encontraba en ese contexto, sumado a su vida como ciudadano de una Argentina compleja. Pescado Rabioso, reconocido como banda de blues rock, en esta ocasión no era Pescado Rabioso ni una banda de blues rock. Spinetta reconstruye la banda que abandonó Amaya, Lebón y Cutaia y convoca a dos de sus viejos amigos de Almendra así como a su hermano. Pese a los cambios, Spinetta se maneja como líder nato. De hecho, la crítica lo considera como su primer disco solista (pese al "Spinettalandia y sus amigos" de 1971), y se maneja bajo la concepción que tenía del rock. Mientras los distintos movimientos en Latinoamérica negaban la inevitable influencia del rock en su evolución, el más bien la reconocía y le otorgaba un intelectualismo de impronta personal, que seguía el sendero marcado por el álbum Almendra de fines de 1969. Ello le permitió ser cobijado por los circuitos universitarios del Cono Sur de los 70's y fue en gran parte, el gran causante del atesoramiento del rock argentino por un público que le dio la talla de patrimonio local y negó el carácter de "música extranjerizante" que ensombrecía a toda la región. Fue la primera vez que el rock podía ser entendida como parte de la música latina, como parte de una nueva cultura popular que estaba en plena formación. Las canciones aunque son en su mayoría acústicas, también hay experimentación con el pop progresivo, el jazz y el avant-folk. La canción más conocida del disco es un tema cantada a la mujer que es madre: "Todas las hojas son del viento" que incluye una referencia anti-drogas. También destaca el psicótico "Starosta el idiota" que incluye un sample de "She loves you" de The Beatles. Las referencias a este disco a lo largo del tiempo han sido varias. Las más destacadas vienen de Gustavo Cerati quien en su disco "Amor amarillo" versionó el tema "Bajan" y en el disco (Un)Plugged de Soda Stereo incluyen un fragmento de "Cementerio Club" dentro de "Té para tres". En síntesis, el álbum es el punto climático en la carrera de un músico que supo construir un lenguaje que terminó haciendo de un disco de culto, el medio necesario para que músicos populares construyeron un movimiento que si bien tomaba los preceptos de la música que alimentaba al mundo tuviera su propia personalidad. El rock hispanoamericano aprendió a que escarbar en el intelectualismo y la vanguardia no iba en contra de reconocer su territorio. Cuando el rock recibía las peores embestidas, solos los mejores sobrevivieron, y los 70's demostraron por qué Spinetta sobrevivió y terminó por enaltecer el imaginario rockero de América Latina. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...3-microfon.html
6		Manu Chao Clandestino (1998) Manu Chao había pasado por un largo recorrido para llegar a "Clandestino", desde un punk que se entía identificado con la ideología de The Clash por haber sido un marginal extranjero en Paris (que pese a ser parisino de nacimiento siempre fue tratado como forastero por su origen español) a un aventurero que recorría medio Tercer Mundo en busca de nuevas respuestas. El entendimiento del rock para Manu Chao venía con una mentalidad para los tiempos de la globalización. La occidentalización y el capitalismo salvaje se estaba comiendo los últimos refugios de resistencia, y su trabajo toma como núcleo central los discursos del Comandante Marcos, presentes a lo largo del disco. El álbum en sí, es un viaje y a partir del minimalismo busca confeccionar un rompecabezas tomando desde estilos musicales tradicionales a hilos experimentables; todo desde una grabadora que recoge los distintos sonidos de su recorrido. Hay que reconocer que las canciones suelen tener ganchos que atrapan rápidamente pero el conjunto del disco puede no ser digerible tan fácilmente en tanto transita como un espiral. Como los trabajos de Mano Negra, "Clandestino" está en varios idiomas, siendo el castellano el principal, incluida la canción principal, un himno para los inmigrantes en situación ilegal. Otras canciones que también calaron fueron "Mentira" y "Desaparecido". Una canción está conectada a otra, muchas veces enlazadas por los samples. La hazaña de poder etiquetar el disco por la crítica (¿es música latina?¿es reggae?¿es electrónico?) ha terminado por darle un lado más ecléctico que su filosofía ha querido dejar en claro. Para el público internacional, el disco ha terminado siendo consagrado por su hazaña de hacer canciones pop a partir de collages (con una preferencia en particular por "Bongo Bong") y el público hispanoamericano ha recogido el lado cancionero del mismo (llamado por algunos como canción protesta de vanguardia). Lo que no queda mayor duda es que en un tiempo donde el rock había empezado a ser cuestionado por su imposibilidad a ser crítico y directo sin dejar los clichés, "Clandestino" marcaba un nuevo tiempo para la música en América Latina. Inauguraba una era para la música alterlatina que bandas como Calle 13, Aterciopelados (en su segunda etapa) o Bomba Estéreo han tomado la posta adaptándola en diversas formas y a nivel mundial se encumbró como un lider de la música worldbeat (que a diferencia de la entonces conocida world music no eran música para restaurantes finos sino que era música con actitud) para artistas como Gogol Bordello, Asian Dub Foundation o Diplo. La inserción del sonido rezagado en el mundo del rock, modernos pero diferentes. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...998-virgin.html
5		Santana Abraxas (1970) Durante casi 10 minutos un guitarrista de origen mexicano pudo convertirse en el rey del rock y poner a miles de hippies drogados alucinar a otro nivel en un festival que la historia ha terminado por inmortalizar. Pero claro que no todo era Carlos, había un grupo fenomenal que hizo que la música tuviera el impacto que hizo, sobre todo por el percusionista José "Chepito" Areas y el batero Michael Shrieve. Sin embargo, Carlos tenía la visión y el concepto. Un sonido que bajos otras bandas hubiera sido un mero recurso esotérico e instantaneo, era en ella un precedente que terminó otorgando una nueva forma de identidad para el rock del sur. Desde la impresionante cubierta a los riffs de guitarra eléctrica vertidas influencias de jazz, Carlos tiene esta sensación conmovedora que sólo una pocas leyendas de la guitarra pueden dar la impresión que crean sin esfuerzo y Santana no dejaba de cautivar, mostrando una versatilidad muy interesante cuya mezcla entre sonidos que muy pocas veces se habían cohesionado atraían a un público norteamericano que se quedaba boquiabierto. Escuchar a alguien que domina la guitarra como él, pueden hacer olvidar lo difícil que algunos de los acordes son en realidad. El juego de lo suave con la cadencia rítmica que le da una aura mística dentro de la potencia que se mueve en el rock termina redondeando lo que significa "Abraxas". El disco se grabó en Wally Heider Recording Studio en un poco de más de dos semanas durante la primera mitad de 1970. Se tomaron dos canciones prestadas ("Oye como va" o "Black magic woman") y bajo las nuevas versiones cobraron otra vida. El tema original de Tito Puente es cantada por Rico Reyes. El órgano y guitarra brillan gracias a Carlos y Gregg Rolie con momentos donde se luce cada uno. Otro de los títulos en castellano del disco, "Se acabó" (que aparece en el disco original como "Se a cabo"), son un juego de jolgorio en el disco donde convulsiona el bloque percusivo con la dupla guitarra-teclado que produce un tema de latin jazz muy potente como fascinante. En "Samba pa ti", Santana imprime su sello en guitarra acústica con un tema instrumental que ha terminado inmortalizandose hasta en las clases más básicas del instrumento. Por otro lado significó la entrada de la cultura latina a la música moderna y con ello, hacía callar a muchos rockeros en América Latina que se negaban a cantar en castellano porque consideraban que era un idioma ilegítimo para hacerlo (y eso incluía a bandas que ya habían integrado ritmos latinos y afrocaribeños). Introdujo a una persona de origen latinoamericano al mundo del rock anglo y se dio el lujo de cambiar las reglas de juego. Aunque el impacto en el Sur tomó un poco más de tiempo, se adelantó a la introducción de ritmos caribeños a la música popular como luego lo haría Bob Marley con el reggae (y que a la larga tendría un poco más de credibilidad debido a lo que representó para su país Jamaica). Sin embargo, es innegable que en conjunto plantó la semilla que luego artistas como Los Fabulosos Cadillacs o Mano Negra (o inclusive Maná, para hablar en términos de la música pop) terminarían trabajando desde diversas ópticas y reminiscencias. Y en los Estados Unidos aportó enormemente en la reivindicación de la cultura chicana en la Costa Oeste y abrió una conversación con la escena de la Costa Este que bajo influencias un poco menos "descontaminadas" terminarían creando el boom de la salsa con La Fania All Stars. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...s-cbs-1970.html
4		Mano Negra Casa Babylon (1994) "Casa Babylon" es el disco latinoamericano de Mano Negra. Punto. Sin embargo, a lo largo del recorrido que la banda francesa había hecho por el mundo había dejado de funcionar como banda para trabajarse como un colectivo, con liderazgo de Manu Chao, algo que poco a poco había comenzado a abrir las grietas que llevarían a la separación final. Durante este album hacen gala de todo lo que habían ido aprehendiendo en el camino. Las sonidos empiezan a ensamblarse a partir de un sound system que se compone a partir de samples de discursos y canciones grabadas así como potentes sonidos bailables en vivo. Manu juega entre ser un intrépido MC en unas canciones y en otras ser cantautor intermediario entre una realidad oculta y una audiencia ignorante. Es así como la búsqueda de Mano Negra de Latinoamérica no se da en un sentido folklórico ni recogiendo ese sentimentalismo tradicionalista que otros músicos han buscado imprimir a lo largo del tiempo, sino a partir de un collage urbano donde se pierden los gritos de revolución, los cánticos futboleros o las locuciones de divertidos DJ de radio que buscan atraer sintonía. Si el oyente busca encontrar raggae o ska podría decepcionarse porque el disco le escupirá un sonido corrompido que hasta le puede parecer repulsivo sino entiende el contexto. El contexto era una realidad convulsionada entre una lucha contra el narcotráfico cada vez más violenta y que incluía la muerte del capo de la droga Pablo Escobar, a los gobernantes latinoamericanos que llevaban a los países hacia el libre mercado y la resistencia por algunos grupos como el EZLN en México. En el fondo, cosas que siguen pasando bajo otras formas y otros personajes, pero que en ese momento, la banda pensó que era el momento para inmortalizarlo. Debido a los problemas internos que la banda sufrió, personajes externos tuvieron importancia en la concepción del disco. En particular, el argentino Fidel Nadal, miembro de Todos Tus Muertos, que hace apariciones en varios tracks del album y trabajó en la composición de los mismos. La canción bandera del disco, "Señor Matanza", marcó todo una tendencia en su momento en cuanto a sonido (y también por el recordado videoclip filmado en Colombia con la estética urbana latinoamericana). Y aunque por tratarse de un disco cuya inspiración se encontró en la región con canciones tan distintas como "El alakrán", "Santa Maradona", también hay canciones con temas en inglés como "Drives me crazy". El disco juega con un paseo que va de un estado eufórico a la parsimonía y a lo apocalíptico (con el fatal "This is my world"), poniendo cerradura a este sub-mundo sonoro donde la banda se jacta de celebrar entre pesimismo y denuncia, sin advertir la postura minimalista que luego tomara Manu Chao en "Clandestino". En síntesis, "Casa Babylon" se adelanta a la onda alterlatina que entrará con fuerza a partir de finales de los 90's y toma por sorpresa a una escena latinoamericana que estaba buscando su propia identidad sin dejar de lado los principios del rock que hacían hincapié en el cambio generacional. Mano Negra pasó de ser una banda mestiza francesa de base punk para convertirse en la plataforma que Manu Chao necesitaba para sembrar la semilla de un movimiento desde América Latina que recogía los sonidos e ideas de los rechazados pero expulsado a un solo chorro. Ahi están los preceptos: energía y rebeldía de una manera que otros artistas están tratando de emular. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...994-virgin.html
3		Charly García Clics modernos (1983) 1983 es un año trascendental para la música latinoamericana contemporanea. Era el inicio de una revolución donde una juventud tenía voz mientras la sociedad vivía momentos de progreso. La voz de los 80s era llevada por un viejo rockero que no moría, sino más bien que se reinventaba. "Clics modernos" era la banda sonora de ese momento. Charly García se pone al servicio del new wave y los sonidos bailables. El nunca negó que se inspiró de alguna manera en el funk y la música que se encontró en Nueva York cuando grabó el disco. De alguna manera, Joe Blaney que había trabajado como ingeniero en "Combat Rock" de The Clash y que ahora hacía de productor junto a García, puso su grano de arena en el conjunto sónico. Sin embargo, Charly rompía con la emulación de lo anglo al proponer algo más que ser el importador de los nuevos sonidos al rock latinoamericano, sino que más bien procura que el mismo no pierda a la tradición lírica que había construido desde los 70's con Sui Generis y aún mantenía en el predecesor "Yendo de la cama al living". Remarcar la importancia de la letra en el nuevo sonido, era darle una marca fundacional a los tiempos que luego se conocería como la "era dorada del rock en español". Y es que hay un cuidado por el cual se procura que cada una de las canciones se consolide como un himno. Es asi como detrás del beat pegajoso de "Nos siguen pegando abajo (pecado mortal) -por ejemplo- hay una canción de protesta social casi inconsciente, las referencias a la represión, a las drogas y el impacto de la sociedad ante la tabú era descrito de una manera corta y directa al oyente popular. Canciones digeribles fundacionales de un movimiento que sobrepasaba la escena argentina. Otras canciones inmortalizadas son "No me dejan salir" y "Báncate ese defecto". Claro que el piano rock no está dejado de lado completamente y hace de sus delicias en el ahora clásico tema "Los dinosaurios", una canción dirigada a los dictadores del regimen militar argentino. Entre los músicos colaboradores destacan su amigo de Serú Girán Pedro Aznar en el bajo así como el guitarrista Larry Carlton. Hay que recordar que debido a los presupuestos que se costeaban por ese entonces no era posible llevar a músicos locales hasta Nueva York donde con la excepción de Aznar, se armó una banda llena de músicos norteamericanos. Para las presentaciones en vivo contaría con sus músicos que al poco tiempo formarían a G.I.T. La recepción del album no fue positiva inmeditamente. De hecho gran parte de la crítica y su público se sentía abandonados. Pero ha sido el tiempo y la visión en retrospectiva el que ha permitido entender que este disco es el eslabón perdido para entender como Latinoamérica respondería a la música pop y como el fenómeno del rock popular en los 80's y década venideras cambiarían la gran escena así como la consagración del cronista del rock en un ícono internacional y que otros artistas tomarían para llevarlo por aires más comerciales y masivos a lo largo del tiempo. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...ernos-1983.html
2		Soda Stereo Canción animal (1990) Cuando Soda Stereo había hecho con nombre propio una labor que la enaborlaba como la banda más importante a lo largo de la región "Canción animal" reconstruye los preceptos del rock latinoamericano. Soda nunca negó que hacía un pop-rock estilizado pero siempre se sintió en la obligación a adelantarse a sus colegas, porque el encanto en un género limitado es tomar los riesgos antes que los demás. En este disco los sintetizadores pasan a un segundo plano para darle protagonismo a las guitarras. El disco gana terreno en la diversificación de su sonido pero jamás pretende ser pretencioso y ahi radica su gusto popular en el tiempo. A lo que si renunció Soda fue a la concesión a dar temas fáciles para la radio que por ese entonces había terminado por prostituir la etiqueta del "rock en tu idioma" con el fin de maximizar su masividad. Es así como una banda masiva piensa en un disco a largo plazo con temas de trascedencia. Una canción como "De música ligera" no se hizo un clásico de la noche a la mañana, fue su confección la que la hizo resistente y le dio la inmortalidad bajo la cual ahora se pasea por cuanto aparato de sonido tenga el latinoamericano promedio. Y lo mismo sucedía con canciones como "Un millón de años luz" o "Hombre al agua". Por otro lado, se busca un mensaje más directo, pensado pero nunca complejo, respuestas al momento de creatividad que estaban pasando. El trabajo de la lírica buscaba armonizar el concepto de una canción de rock. En "Té para tres" se puede ser melancólico o en "Sueles dejarme solo" se puede ser pesado. No se puede hablar de una sola dirección pero si se puede entender perfectamente que lo que querían. Para las presentaciones en vivo sería la última vez que trabajaría con sus músicos invitados, ya que pasarían por una etapa de minimalismo sónico. El impacto de "Canción animal" fue primordial para Soda Stereo tanto para Argentina como para el rock hispnoamericano en general. En su país natal, la banda pudo consolidarse y terminar con esa condena que hacía el público local al abandonar a los artistas que habían logrado la internacionalización (y que había generado un cierto culto a un rock de códigos netamente argentinos como a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, entre otros). Dentro de la escena del rock hispanoamericano pudo reinvidicar la importancia del trabajo del concepto del disco (que aunque se percibe desde los 80's con albumes como "Signos", terminaron siendo opacados por la importancia del sencillo, producto de las compilaciones de "Rock en tu idioma") y también otorgarle una bocanada de aire fresco a la escena en un momento donde la historia se lo pedía. Ello le permitió ser una de las pocas bandas que pudo pasar con éxito el cambio de década, y con ello coser la costura de una era en Hispanoamérica que visto en retrospectiva jamás podrás alcanzar el mismo nivel de trascendencia en la cultura popular. El rock como esencia de millones de almas que superaron sus fronteras para alzar a una sola voz el coro de una canción. (J.L.Mercado) http://rockenlasamericas.b...-sony-1990.html

¿QUE MUSICA TE LLEVAS DE AMOEBA MUSIC?

Amoeba Music es la cadena más importante de música en California. Pero, no es una cadena comercial, son tiendas pensadas en los melómanos para los melómanos. En su filial en Sunset Boulevard puedes encontrar 250 mil discos!! Todo un paraiso.

Sin embargo, lo que nos trae aquí, es una sección de su website llamado "What's in my bag?" donde aprovechan para preguntarle a muchos de los que algunas vez han ido a comprar por recomendaciones. Y es que entre las personas que han ido se encuentra gente desde Krist Novoselic y Dave Grohl (ex Nirvana), la gente de Yo La Tengo, Noel Gallaghet, Duran Duran, Ace Frehley (de KISS) o actores como Ben Stiller o Elijah Wood.

Pero también una cuota importante de los entrevistados son gente del mundo del rock hispanoamericano o el latin alternative. Así podemos ver a Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido recomendado "Leisure" de Pulp, o a Los Amigos Invisibles hablando de "Nada Personal" de Soda Stereo, a El Guincho hablando maravillas del LP "The Hustler" de Willie Colón, Aterciopelados llevándose el disco "Sonido Amazónico!" de Chicha Libre, y a Roco de La Maldita Vecindad comentando sobre un DVD de Daniel Santos con La Sonora Matancera. Aqui recogemos algunos de ellos:

INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO


AMIGOS INVISIBLES


ATERCIOPELADOS


MALDITA VECINDAD Y LOS HIJOS DEL QUINTO PATIO

TOP 10: COVERS DEL 2010

Estamos en temporada de listas, pero nadie se percató que el 2010 fue un año de muchas versiones. Desde los más inesperados hasta los hechos por encargo, aqui se recoge un top 10 con la variedad de covers que las hicieron bandas de distintos orígenes.


10. HOT CHIP - SHE WOLF (Original de Shakira)

La sensación británcia indie electrónica Hot Chip quiso homenajear a la embajadora mundial del pop latino Shakira grabando una inesperada versión de la canción "Loba" en inglés en su sesión para la BBC en la primera mitad del año.



9. LOS ESTRAMBOTICOS - BARATA Y DESCONTON (Original de Trolebús)

Los amantes del ska, los mexicanos Estrambóticos, hicieron un disco de puros covers donde incluyen una versión rocanrolera y bailable del clásico de la banda local underground Trolebús.



8. TRIANGULO DE AMOR BIZARRO - LENTO (Original de Julieta Venegas)

Ha sido el año de Triángulo de Amor Bizarro en cuanto exposición, pero ellos no se jactaron cuando los del Club Fonograma les pidieron hacer una versión, escogiendo la dulce canción de Julieta Venegas "Lento" que pasa por una transformación a la Velvet Underground.



7. LOS BUNKERS - EL NECIO (Original de Silvio Rodriguez)

Los Bunkers es otra de las bandas que ha hecho un álbum entero de covers, pero estos son únicamente dedicado al trovador cubano Silvio Rodriguez. Aquí una versión rockera de la declaración que Silvio haría en 1992 llamada "El necio".



6. SAN PASCUALITO REY - CON NOMBRE DE GUERRA (Original de Héroes del Silencio)

Del disco tributo que se le hace tanto a Héroes del Silencio como a Enrique Bunbury, uno de las versiones más rescatables es la que hacen los mexicanos San Pascualito Rey donde hacen suya la canción original de "Senderos de Traición".



5. LOS MISERABLES - LATINOAMERICA ES UN PUEBLO AL SUR DE EE.UU. (Original de Los Prisioneros)

Los Miserables de Chile es otra banda que este año lanzó un album entero de covers, pero ellos le rinden tributo a un disco: "La Voz de los 80", de Los Prisioneros. Actualizaron "Latinoamérica es un pueblo al sur de EE.UU." mencionando a Obama y Paris Hilton.



4. LA BANDA ORIGINAL LIMON - NO DEJES QUE (Original de Caifanes)

Desde el tributo para Caifanes y Jaguares decidieron invitar a una banda de música regional mexicana, y la versión de La Banda Original Limón quedó como una de las más curiosas del disco por su evidente conversión.




3. ZOE - PERSIGUIENDO SOMBRAS (Original de Nacha Pop)

El tema que aparece en "El momento" es reactualizado por los mexicanos de Zoé a un space pop ligeramente más acelerado y rígido. Uno de los más destacados del tributo a Nacha Pop y Antonio Vega.




2. JOE CREPUSCULO - HASTA LA VERDAD (Original de Javiera Mena)

¿Españoles versionando artistas chilenos? Bueno, Reincidentes ya lo había hecho con Los Jaivas y Los Prisioneros, y ni hablar de las versiones al repertorio de Victor Jara y Violeta Parra. Pero, esta vez todo quedo en el indie y el intermediario fue Club Fonograma, donde Joe Crepúsculo juega con la exageración, la ironía y el minimalismo de uno de los temas bailables del año.




1. HOPPO - CANCION CON TODOS (Interpretada originalmente por Mercedes Sosa)

Hoppo es una banda formada por Rubén Albarrán (el vocalista de Café Tacuba con decenas de seudónimos) junto a músicos chilenos que este año han lanzado un álbum dedicado de puras versiones del repertorio de la Nueva Canción Latinoamericana. Uno de los "highlights" es "Canción con todos", conocida por la interpretación de Mercedes Sosa y que tras la ejecución de la banda toma un nivel épico. Definitivamente, el cover del año.

LOS 20 MEJORES DISCOS DEL 2010 CONSULTADO RATEYOURMUSIC, PANAMERIKA, NPR, CLUB FONOGRAMA Y SENHOR F

Hay una cantidad impresionante de listas que aparecen a cubrir los mejores discos a nivel hispanoamericano, pero nosotros escogemos las que sabemos que tienen un espectro minimo de la música internacional y ya tienen algún tiempo en esto. Son 5 listas de distintas confecciones pero que en su conjunto nos podrán dar una idea de hacia donde han ido las tendencias. Algo interesante será saber tras el paso de los años, cuales permanecerán en el recuerdo. Veamos..

CLUB FONOGRAMA (los más altos puntajes a lo largo del año)

SENHOR F

RATEYOURMUSIC (consolidado de los puntajes del público latinoamericano)

NPR

PANAMERIKA

1. TRIANGULO DE AMOR BIZARRO - AÑO SANTO

La mencionan en RateYourMusic.com, Panamerika, Club Fonograma y Senhor F. Impresionante si consideramos que hace tanto un disco de una banda española no generaba tanta atención al otro lado del charco.

2. GEPE - AUDIOVISION

El tercer LP de Gepe tiene un alto puntaje en Club Fonograma, aparece en RateYourMusic así como en Panamerika.

3. JAVIERA MENA - MENA

Dos listas la ponen como disco del año. La página super influyente Club Fonograma le dio puntaje máximo y el público de RateYourMusic.com la acobijó. Sin embargo, tuvo una ausencia en listas que se esperaba que le dieran mención debido a su cobertura, lo cual le bajó a la hora de la tabulación.

4. RITA INDIANA Y LOS MISTERIOS - EL JUIDERO

Debut dominicano que fue muy esperado por la atención generada por los sencillos. Aparece en Club Fonograma, NPR y Panamerika.

5. EL GUINCHO - POP NEGRO

Otro disco que tuvo mucha atención en las páginas dedicadas al indie (incluyendo Pitchfork). Ello le generó atención de parte del Club Fonograma y RateYourMusic. Es el disco del año según Panamerika.

6. ODISEA/ALEX ANDWANTER - ODISEA

El debut del ex-Teleradio Donoso tiene una buena respuesta de la crítica. Es uno de los favoritos del Club Fonograma y gustó a Panamerika y a NPR.

7. LAS ROBERTAS -CRY OUT LOUD

Un debut muy sonado en blogs internacionales, se cuela en la lista de Panamerika y tiene un buen lugar en RateYourMusic.com. También tiene el OK del Club Fonograma.

8. CALLE 13 - ENTREN LOS QUE QUIERAN

El disco "popular" mejor rankeado. Tuvo un buen puntaje de Club Fonograma (aunque no tan alto como los predecesores) y aparece en la lista de NPR así como en el gusto del público latinoamericano de RateYourMusic.com

9. CARLA MORRISON - MIENTRAS TU DORMIAS

Desde el norte de México, esta cantante de indie pop ha gustado a la gente de NPR así como a los del Club Fonograma. Segundo disco pero una revelación a nivel hispanoamericano.

10. LOS PUNSETES - LP2

Con su humor negro deudor de Siniestro Total y cómodo en el indie pop, se colaron en la lista de Panamerika y también tuvieron un buen puntaje del Club Fonograma.

11. LA OLA QUE QUERIA SER CHAU - PELICULAS CASERAS

Una de las últimas bandas en causar atención. Indie pop argentino que es bien reseñado en Club Fonograma y también causó el interés de Senhor F.

12. ASTRO - LE DISC DE ASTROU

El disco aparece a fines del 2009, pero entra en el 2010 debido a que recién causó atención este año, lo cual le permitió ser editado en México. Aparece en la lista de Panamerika y tiene un buen puntaje en Club Fonograma.

13. JULIETA VENEGAS - OTRA COSA

Uno de los discos mainstream mejor reseñados. Aparece en la lista iberoamericana de Senhor F y se la puede encontrar en los "outsiders" de RateYourMusic.com. También tiene una nominación al Grammy.

14. MAR DE GRISES - STREAM INWARDS

Sin dudas, el disco metal del año de esta banda chilena que combina furia con elegancia en un disco de tendencias progresivas y parajes oscuros. Aparece en RateYourMusic.com

15. DIVIDIDOS - AMAPOLA DEL 66

Divididos es otra banda que goza con un grupo de fanáticos incondicionales y eso hace que su regreso a un álbum de estudio tras casi 8 años haya aparecido en RateYourMusic.com

16. EL TRIO DE OMAR RODRIGUEZ LOPEZ - CIENCIA DE LOS INUTILES

El primer trabajo de la banda del guitarrista de The Mars Volta con base en México y compuesta por Ximena Sariñana y Aaron Cruz. Aparece en RateYourMusic.com

17. DËNVER - MUSICA, GRAMATICA, GIMNASIA

Indie pop chileno que ha causado mucha atención para Club Fonograma. Ha sido mejor reseñado en blogs españolas que en páginas especializadas de nivel latinoamericano, aunque no ha dejado de ser mencionada.

18. MARIA Y JOSE - ESPIRITU INVISIBLE

Electrobailables desde el norte de México han tenido atención del Club Fonograma y aparecen en RateYourMusic.com fuera de los primeros lugares.

19. PEZ - PEZ

Banda de culto cuyo lanzamiento siempre causará atracción sobretodo en su natal Argentina. Aparecen en el chart anual de RateYourMusic.com.

20. LIDO PIMIENTA - COLOR EP

Ha sido uno de los discos mejor puntados por Club Fonograma, aunque lo díficil de conseguirlo podría limitar su difusión. Sería bueno tomarle atención en el tiempo.

2. SODA STEREO - CANCION ANIMAL (SONY - 1990)

Cuando Soda Stereo había hecho con nombre propio una labor que la enaborlaba como la banda más importante a lo largo de la región "Canción animal" reconstruye los preceptos del rock latinoamericano.

Soda nunca negó que hacía un pop-rock estilizado pero siempre se sintió en la obligación a adelantarse a sus colegas, porque el encanto en un género limitado es tomar los riesgos antes que los demás. En este disco los sintetizadores pasan a un segundo plano para darle protagonismo a las guitarras. El disco gana terreno en la diversificación de su sonido pero jamás pretende ser pretencioso y ahi radica su gusto popular en el tiempo. A lo que si renunció Soda fue a la concesión a dar temas fáciles para la radio que por ese entonces había terminado por prostituir la etiqueta del "rock en tu idioma" con el fin de maximizar su masividad.

Es así como una banda masiva piensa en un disco a largo plazo con temas de trascedencia. Una canción como "De música ligera" no se hizo un clásico de la noche a la mañana, fue su confección la que la hizo resistente y le dio la inmortalidad bajo la cual ahora se pasea por cuanto aparato de sonido tenga el latinoamericano promedio. Y lo mismo sucedía con canciones como "Un millón de años luz" o "Hombre al agua".

Por otro lado, se busca un mensaje más directo, pensado pero nunca complejo, respuestas al momento de creatividad que estaban pasando. El trabajo de la lírica buscaba armonizar el concepto de una canción de rock. En "Té para tres" se puede ser melancólico o en "Sueles dejarme solo" se puede ser pesado. No se puede hablar de una sola dirección pero si se puede entender perfectamente que lo que querían. Para las presentaciones en vivo sería la última vez que trabajaría con sus músicos invitados, ya que pasarían por una etapa de minimalismo sónico.

El impacto de "Canción animal" fue primordial para Soda Stereo tanto para Argentina como para el rock hispnoamericano en general. En su país natal, la banda pudo consolidarse y terminar con esa condena que hacía el público local al abandonar a los artistas que habían logrado la internacionalización (y que había generado un cierto culto a un rock de códigos netamente argentinos como a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, entre otros). Dentro de la escena del rock hispanoamericano pudo reinvidicar la importancia del trabajo del concepto del disco (que aunque se percibe desde los 80's con albumes como "Signos", terminaron siendo opacados por la importancia del sencillo, producto de las compilaciones de "Rock en tu idioma") y también otorgarle una bocanada de aire fresco a la escena en un momento donde la historia se lo pedía. Ello le permitió ser una de las pocas bandas que pudo pasar con éxito el cambio de década, y con ello coser la costura de una era en Hispanoamérica que visto en retrospectiva jamás podrás alcanzar el mismo nivel de trascendencia en la cultura popular. El rock como esencia de millones de almas que superaron sus fronteras para alzar a una sola voz el coro de una canción.

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1 (En) El Séptimo Dia 4:22
2 Un Millón de Años Luz 5:03
3 Canción Animal 4:07
4 1990 3:38
5 Sueles Dejarme Solo 3:46
6 De Música Ligera 3:32
7 Hombre al Agua 5:54
8 Entre Caníbales 4:05
9 Té Para 3 2:24
10 Cae el Sol 4:21

3. CHARLY GARCIA - CLICS MODERNOS (1983 - POLYGRAM)

1983 es un año trascendental para la música latinoamericana contemporanea. Era el inicio de una revolución donde una juventud tenía voz mientras la sociedad vivía momentos de progreso. La voz de los 80s era llevada por un viejo rockero que no moría, sino más bien que se reinventaba. "Clics modernos" era la banda sonora de ese momento.

Charly García se pone al servicio del new wave y los sonidos bailables. El nunca negó que se inspiró de alguna manera en el funk y la música que se encontró en Nueva York cuando grabó el disco. De alguna manera, Joe Blaney que había trabajado como ingeniero en "Combat Rock" de The Clash y que ahora hacía de productor junto a García, puso su grano de arena en el conjunto sónico.

Sin embargo, Charly rompía con la emulación de lo anglo al proponer algo más que ser el importador de los nuevos sonidos al rock latinoamericano, sino que más bien procura que el mismo no pierda a la tradición lírica que había construido desde los 70's con Sui Generis y aún mantenía en el predecesor "Yendo de la cama al living". Remarcar la importancia de la letra en el nuevo sonido, era darle una marca fundacional a los tiempos que luego se conocería como la "era dorada del rock en español".

Y es que hay un cuidado por el cual se procura que cada una de las canciones se consolide como un himno. Es asi como detrás del beat pegajoso de "Nos siguen pegando abajo (pecado mortal) -por ejemplo- hay una canción de protesta social casi inconsciente, las referencias a la represión, a las drogas y el impacto de la sociedad ante la tabú era descrito de una manera corta y directa al oyente popular. Canciones digeribles fundacionales de un movimiento que sobrepasaba la escena argentina. Otras canciones inmortalizadas son "No me dejan salir" y "Báncate ese defecto". Claro que el piano rock no está dejado de lado completamente y hace de sus delicias en el ahora clásico tema "Los dinosaurios", una canción dirigada a los dictadores del regimen militar argentino.

Entre los músicos colaboradores destacan su amigo de Serú Girán Pedro Aznar en el bajo así como el guitarrista Larry Carlton. Hay que recordar que debido a los presupuestos que se costeaban por ese entonces no era posible llevar a músicos locales hasta Nueva York donde con la excepción de Aznar, se armó una banda llena de músicos norteamericanos. Para las presentaciones en vivo contaría con sus músicos que al poco tiempo formarían a G.I.T.

La recepción del album no fue positiva inmeditamente. De hecho gran parte de la crítica y su público se sentía abandonados. Pero ha sido el tiempo y la visión en retrospectiva el que ha permitido entender que este disco es el eslabón perdido para entender como Latinoamérica respondería a la música pop y como el fenómeno del rock popular en los 80's y década venideras cambiarían la gran escena así como la consagración del cronista del rock en un ícono internacional y que otros artistas tomarían para llevarlo por aires más comerciales y masivos a lo largo del tiempo.

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1 Nos siguen pegando abajo (pecado mortal) 3:30
2 No soy un extraño 3:18
3 Dos cero uno (transas) 2:09
4 Nuevos trapos 4:08
5 Bancate ese defecto 4:56
6 No me dejan salir 4:21
7 Los dinosaurios 3:28
8 Plateado sobre plateado (huellas en el mar) 5:02
9 Ojos de video tape 3:37

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Hemos hecho muchas encuestas a lo largo de la existencia del blog, pero esta es una de las más ambiciosas y busca a integrar a los artistas de los géneros-movimientos más importantes en la región hispanoamericana: Nueva Canción-Música de Cantautor, Rock en Español-Rock Latino, Canción Ligera-Pop Latino, Música AfroCaribeña Contemporanea-Salsa, Rap Latino-Reggaetón; y pedirle al gran público de nuestro blog sus elecciones. Luego los resultados van a ser tasados con otras dos páginas importantes de música para tabular los puntajes finales.

A.N.I.M.A.L.
Alberto Cortez
Alejandro Lerner
Alejandro Sanz
Alfredo Zitarrosa
Ali Primera
Almendra
Alux Nahual
Andrés Calamaro
Angela Carrasco
Angeles del Infierno
Angelica María
Armando Manzanero
Atahualpa Yupanqui
Aterciopelados
Attaque 77
Aventura
Babasónicos
Barón Rojo
Bersuit Vergarabat
Botellita de Jerez
Brujería
Café Tacuba
Caifanes
Calle 13
Camilo Sesto
Carlos Mejía Godoy
Carlos Vives
Catupecu Machu
Celia Cruz
Charly Garcia
Chayanne
Cheo Feliciano
Compay Segundo
Control Machete
Daddy Yankee
Daniel Viglietti
Diego Torres
Divididos
Don Omar
Duncan Dhu
Dyango
Eddie Palmieri
Eddie Santiago
El General
El Gran Combo de Puerto Rico
El Gran Silencio
El Otro Yo
El Último de la Fila
Ely Guerra
Emmanuel
Enanitos Verdes
Enrique Bunbury
Enrique Iglesias
Facundo Cabral
Fito Páez
Fobia
Franco De Vita
Frankie Ruiz
Gilberto Santa Rosa
Gloria Estefan
Grupo Niche
Gustavo Cerati
Gustavo Santaolalla
Héctor Lavoe
Héroes del Silencio
Hombres G
Ibrahim Ferrer
Illya Kuryaki and the Valderramas
Inti Illimani
Ismael Rivera
Jaguares
Jaime López
Jarabe de Palo
Javier Batiz
Jeannette
Joan Manuel Serrat
Joaquin Sabina
Joe Arroyo
Johnny Pacheco
Jorge Drexler
José Feliciano
José José
José Luis Perales
José Luis Rodriguez
Juan Gabriel
Juan Luis Guerra
Juanes
Julieta Venegas
Julio Iglesias
Kinky
Kortatu/Negu Gorriak
La Barranca
La India
La Ley
La Lupe
La Oreja de Van Gogh
La Polla Records
La Revolución de Emiliano Zapata
La Sonora Ponceña
Larry Harlow
Laura Pausini
Leño
Leo Dan
León Gieco
Loquillo y Troglóditas
Los Amigos Invisibles
Los Angeles Negros
Los Auténticos Decadentes
Los Brincos
Los Bunkers
Los de Abajo
Los Fabulosos Cadillacs
Los Gatos
Los Iracundos
Los Jaivas
Los Locos del Ritmo
Los Pericos
Los Piojos
Los Planetas
Los Prisioneros
Los Rodriguez
Los Saicos
Los Teen Tops y Enrique Guzmán
Los Tigres del Norte
Los Tres
Los Van Van
Los Violadores
Lucybell
Luis Aguilé
Luis Alberto Spinetta
Luis Eduardo Aute
Luis Miguel
Mago de Oz
Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio
Maná
Mano Negra
Manolo Galván
Manu Chao
Marc Anthony
Marco Antonio Solis
Marisol
Mecano
Mercedes Sosa
Miguel Bosé
Miguel Mateos
Miguel Ríos
Miranda!
Mocedades
Molotov
Moris
Nacha Pop
Nino Bravo
Noel Nicola
Omara Portuondo
Orishas
Oscar Chavez
Oscar D'León
Pablo Milanés
Palito Ortega
Panda
Pappo
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota
Pescado Rabioso
Piero
Plastilina Mosh
Porter
Puya
Quilapayún
Radio Futura
Raphael
Rata Blanca
Ray Barretto
Ricardo Arjona
Ricardo Montaner
Ricky Martin
Ritchie Ray & Bobby Cruz
Roberto Carlos
Roberto Jordan
Robi Draco Rosa
Rocío Dúrcal
Rockdrigo Gonzalez
Roy Brown
Rubén Blades
Sandro
Santa Sabina
Selena
Sentimiento Muerto
Serú Girán
Shakira
Silvio Rodriguez
Siniestro Total
Ska-P
Soda Stereo
Soledad Bravo
Sui Generis
Sumo
Tego Calderón
Tequila
Three Souls in My Mind/El Tri
Tijuana No!
Todos Tus Muertos
Vicente Fernandez
Vico C
Victor Heredia
Victor Jara
Violeta Parra
Virus
Willie Colón
Zoé
Zurdok

LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (10-1)

Continuación de LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (20-11)

10. Sol de invierno

Javiera Mena

9. Fotografía

Jumbo

8. No me importa morir

El Otro Yo

7. Espiral

Porter

6. Viva Satana

Babasónicos

5. Bestia

Hello Seahorse!

4. Un amor violento

Los Tres

3. Mr. P. Mosh

Plastilina Mosh

2. La locomotora

Café Tacuba

1. Primavera 0

Soda Stereo

Canción germinal para que el mundo hispanoamericano entendiera la "cosa" del rock alternativo. Un movimiento que juega entre el underground y el mainstream pero reconoce que su encanto está en intentar sonar diferentes, modernos o simplemente no digeribles a las masas. Esta canción fue confirmada por la gente como el tema alterno-indie de todos los tiempos

LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (20-11)

Continuación de LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (30-21)

20. Ja ja ja

La Lupita

19. Miéntele

Los Bunkers

18. Azul casi morado

Santa Sabina

17. La distancia adecuada

Christina Rosenvinge

16. Niño bomba

Plastilina Mosh

15. Minutos de aire

Quiero Club con Jorge Gonzales

14. Mataz

Lucybell

13. Abre los ojos

Zurdok

12. Miel

Zoé

11. Olor a gas

Los Tres

LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (30-21)

Continuación de LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (40-31)

30. La espada y la pared

Los Tres

29. Tornasol (vuelves a ser)

La Gusana Ciega

28. La verdad

Juana Molina

27. Hasta la verdad

Javiera Mena

26. Que grosero

Ultrasónicas

25. Playa azul

Los Amigos Invisibles

24. Miño

Los Bunkers

23. Un buen día

Los Planetas

22. Noches de tu piel

La Castañeda

21. Love

Zoé

LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (40-31)

Continuación de LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (50-41)

40. El último polvo

Caramelos de Cianuro

39. Ayer

Santos Dumont

38. El fantasma de la transición

Triángulo de Amor Bizarro

37. La playa

Los Planetas

36. Mentiras

Los Amigos Invisibles

35. Palmitos Park

El Guincho

34. No me hables de sufrir

Los Bunkers

33. La música

El Otro Yo

32. Namás

Gepe

31. D-Generación

Babasónicos

LOS 50 ALT-INDIE DE TODOS LOS TIEMPOS (50-41)

Lo alternativo nació simplemente porque en un momento el rock empezó a hacer tan popular que la radioformula lo empezó a convertir en algo tristemente trillado. La propia industria lanzaría sus propuestas, pero nadie se dio cuenta que tomaría su propia forma hasta poder hablar del concepto de lo "indie". Sin embargo, hay que tener en cuenta que en una escena tan amplia como la hispanoamericana, el mainstream local puede ser algo alternativo en otro "universo". ¿Me entiendes? Estoy seguro que no, por eso veremos que sabor nos dejan estas 50 canciones de todos los tiempos (básicamente los últimos 20 años).

50. La corbata de mi tío

Ex

49. Zorra

Dermis Tatú

48. Amar en el campo

Teleradio Donoso

47. El reloj

Jóvenes y Sexys

46. Drulos

Ultrágeno

45. Terroristas tercermundistas

Cienfue

44. Dulce

Francisca Valenzuela

43. Un verdadero cajón de madera

Banda de Turistas

42. Van Nuys (es very nice)

Los Abandoned

41. Desfachatados

Babasónicos