domingo, 30 de mayo de 2010

LOS 25 PRIMEROS AÑOS DE ROCK HISPANOAMERICANO: 100 CANCIONES (1RA PARTE)




Más de 100 personas de más de 10 paises nos contribuyeron, asimismo consulté a los amigos blogueros David Delio (Guatemala), Rodrigo Perez (México) y Nahuel Pereyra (Argentina) (cuyas listas eran diametralmente opuestas una de otra) y consideramos como base la lista de Los 120 mejores temas de rock hispanoamericano de todos los tiempos.

Como siempre, el espíritu es el mismo: Buscar los consensos regionales de una etapa primordial y muy relegada de nuestro rock. Luego hablaré más respecto a estos tiempos y lo que refleja los resultados. Esta primera parte incluye de la posición 100 al 21. Cada uno tiene un enlace a algún video o audio. También vale la pena aclarar que algunos enlaces son meramente videos de fanáticos con collagues y de las que son presentaciones en vivo se ha buscado que sea de años cercanos a la presentación original de la canción. Discusiones, comentarios. Uds dispongan.


Es lo mejor

22. Moris
30 minutos de vida
Vida

24. León Gieco
"Solo le pido a Dios (versión Buenos Aires Rock en vivo con Piero, Raúl Porchetto y Miguel Cantilo)"
1982



"Solo le pido a Dios" es un clásico excelso de la música popular latinoamericana versionado por diferentes artistas a lo largo del tiempo. Compuesto y grabado por León Gieco para el disco IV de 1978, este tema de la nueva canción pasa al repertorio del rock argentino a partir de los megafestivales de la época que empezaron a hacerse popular como respuesta de los músicos ante la Guerra de las Malvinas. Que lo cantaran gente como Raúl Porchetto o Miguel Cantilo en Festival Buenos Aires Rock en 1982 creó mucha empatía en la generación rockera de aquel tiempo, y el resto es historia.

25. Los Saicos
Salvaje / El entierro de los gatos - Single

26. Frágil
Avenida Larco

27. Sandro


28. Charly García
"Yo no quiero volverme tan loco"
1982
Yendo de la cama al living



Tema originalmente grabado originalmente con Serú Girán pero que recupera para su inicio como solista. Se convierte en un himno instántaneo que hablaba de los cambios de los tiempos y como la nueva generación enfrentaba los problemas de una sociedad más compleja desde su propio pellejo. La nueva versión tenía una colaboración vocal de León Gieco, cuyo crédito aparece en el interior del disco.

29. Traffic Sound
"Meshkalina"

30. Pescado Rabioso
Artaud
Kamikaze
Volumen Brutal
Caliente
1982

35. Fania All Stars con Jorge Santana
"El ratón"
1974
Latin - Soul - Rock



La Fania All Stars es el colectivo al que debemos agradecerle el desarrollo del género de la salsa en los 70's. Su existencia coexistía en la Costa Este norteamericana mientras al otro extremo del país el rock chicano buscaba su sonido experimentando con sonidos del latin jazz y el funk. Ello dio la idea a Johnny Pachecho para convocar a Jorge Santana, el lider de Malo, a integrar el megagrupo. La mayor aportación está en "El ratón", un tema bolero-blues rock donde Jorge se acercaba al estilo guitarrero de su hermano, pero consolidaba el encuentro latino del rock con la música afro-caribeña, que hasta ese entonces se miraban con respeto pero de lejos. Las vocales principales están a cargo de Cheo Feliciano.


Los Shakers


39. Manal
Manal
Get on your knees - Single
Serú Girán

42. Leño
Maneras de vivir - Single
El jardin de los presentes



45. Los Brincos
Los Brincos

46. Malo
"Suavecito"
1972
Malo



"Suavecito" podría haber quedado como una curiosidad de los 70's para el mainstream norteamericano. Un bolero en clave de rhthyms & blues que ingresó a la listas de éxitos tocada por la banda del hermano de Carlos Santana. Sin embargo detrás de la romántica letra en spanglish hay un fuerte componente sociocultural al punto de convertirse en un clásico contemporaneo de la comunidad chicana y que buscaba un sonido para reafirmarse en los Estados Unidos. Sugar Ray tomaría el coro para su éxito comercial "Every Morning" a finales de los 90's.

47. La Máquina de Hacer Pájaros
La Máquina de Hacer Pájaros

48. Grupo de Experimentación del ICAIC

49. Los Blops
Los Blops
Coming home

Kaka de Luxe EP

Los Teen Tops

54. Dug Dug's
El loco
Chavo de onda

56. Almendra
"Color humano"
1969
Almendra



"Color humano" era quizás el tema más poderoso en el repertorio de Almendra, un tema de blues rock donde terminaba destacando Edelmiro Molinari y aunque no fueron muchas las oportunidades en que la interpretaron en vivo, estas eran monstruosas y quedaron para la posteridad.

57. Los Rebeldes del Rock
Los Rebeldes del Rock

58. Love Army
Caminata cerebral - Single
Grandes éxitos

60. Charly García
Yendo de la cama al living

61. Wara
El inca

62. Los Brincos
Nadie te quiera ya - Single

63. El Chicano
Viva Tirado
1970
Viva Tirado



Himno total del rock chicano, "Viva Tirado", fue un éxito considerable en la Costa Oeste norteamericano a inicios de los 70s, que era una adaptación de un tema original de jazz y representaba la manifestación de la música de aquella generación de mexicano-estadounidenses: tomar nombres y títulos de su identidad hispana a música de influencia afro-cubana pero que pasaba por la mezcolanza de la época. Una manera de aceptar el "melting pot", que no es más la forma gringa de llamarle al mestizaje.

64. Chac Mool
Nadie en especial

65. Pescado Rabioso
Seremos amigos

67. Triana
El patio

68. Aviador Dro
La chica de plexiglás - Single

69. Los Abuelos de la Nada
Diana divaga - Single

70. Vox Dei
"Génesis"
1971
La Biblia



"Génesis" es probablemente el tema más emblemático del conceptual de La Biblia; la canción marcaba el sendero que seguiría el sonido de la banda a través del disco, un tema que juega con altibajos y una letra que resumen a través de sensaciones lo que hasta ese entonces era impensable. Encajada entre el progresivo y el hard rock, la canción fue recuperada por Soda Stereo que lo interpreta en su "Un"-plugged de 1996.

71. Sui Generis
Confesiones de invierno

72. Lone Star
Mi Calle - Single

73. Génesis
1974

74. Tequila
Rock & Roll

75. Los Secretos
Los Secretos EP

76. El Polen
Fuera de la ciudad

77. La Máquina de Hacer Pájaros
La Máquina de Hacer Pájaros

78. Los Jaivas
La ventana

79. Congreso
"Hijo del Sol luminoso"
1981
Viaje por la cresta del mundo



Aunque Congreso pertenecía a la camada de bandas de folk progresivas chilenas que aparecieron en los 70's, en cierta medida eran la continuidad de la nueva canción que habían sido prácticamente extinguidas tras la dictadura de Pinochet. "Hijo del Sol Luminoso" es un himno que evoca al orgullo de las raices latinoamericanas y fue escrita e interpretada originalmente por Joe Vasconcellos, quien posterioramente iniciarían una carrera con cierto acercamiento a la fusión.

81. El Kinto
1968

82. Moris
30 minutos de vida

83. We All Together
We All Together
Vol. II

85. Litto Nebbia
Solo se trata de vivir


87. Pescado Rabioso
Post-crucifixión / Despiértate nena - Single

88. Los Llopis
Estremécte EP

89. Peace & Love
"Latin feeling"
1972
Latin feeling EP



Aunque ellos pasarían a la historia por ser la banda que ocasionó la controversia que la radio cortara intempestivamente su transmisión en vivo del concierto multitudinario de Avándaro, sería con "Latin feeling" que conseguirían el himno respuesta al rock chicano que solo se tocaba a unos kilómetros al norte de su Tijuana natal, y que quedaría como parte de la película juvenil "Bikinis y rock".

90. Enigma

91. Los Sirex
Que se mueran los feos - EP

92. Los Angeles Negros
Y volveré

93. Totem
Totem

94. Riff
Contenidos

95. Los Teen Tops

96. La Joven Guardia
El extraño de pelo largo - Single

97. Leño
Leño

98. Paralisis Permanente
El acto

99. Siniestro Total
"Ayatolah!"
1982
¿Cuándo se come aqui?



Siniestro Total aparecía con un puñado de canciones que escupían malísima leche en simúltaneo con la apertura de los medios quienes se escandalizaban mientras que los transmitían quizás pensando en que precisamente ello atrae. En "Ayatolah!" no se buscaba putear al islam sino provocar a la audiencia conservadora horrorizada porque el mismo que "te toca la pirola" es el mismo que "mola".
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sábado, 29 de mayo de 2010

CERATI Y SUS OTRAS BANDAS

Ante la expectativa de la recuperación de Cerati, hacemos un mini tributo dando a conocer el otro lado de su trabajo. En sus proyectos alternos, que rara vez duraron más de 3 años y se ponía lejos de los micros (con la excepción de Roken), Gustavo se demuestra amante de la electrónica a través del tiempo. Agradecimiento a los fans por el material, aque le damos un vistazo

FRICCION - ARQUITECTURA MODERNA (1986)



PLAN V - AURORA TURBO (1996)



OCIO - VENGA (1999)



ROKEN - VERTIGO (2004)

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miércoles, 26 de mayo de 2010

33. EL TRI - SIMPLEMENTE (WARNER - 1984)







En una época que el rock en español estaba despegando en México pero aún no había llegado al climax comercial (que alcanzaría en 1987), El Tri aparecía con su disco debut, o en todo caso renacía con un nuevo concepto tras el rompimiento de Three Souls In My Mind (aunque si se le pregunta a Alex Lora, se trata de la misma banda).

Viéndose en retrospectiva la discografía de El Tri, lo que difereciaba "Simplemente" de todo lo que vendría por delante, es que en esta producción su había una verdadera vocación de trabajar como banda antes que de un grupo opacado por el protagonismo de su lider. Sergio Mancera en guitarra principal y Arturo Labastida en el saxo, que venían de la agrupación anterior tenían participación en la composición de los temas y ello se siente en la oída final. Lo mismo sucedía con el batero Mariano Soto.

Las canciones pasean entre el rock and roll y el blues rock con pequeños pero interesantes acercamientos al hard rock. Entre los temas más destacados están el cover de Rockdrigo Gonzáles del "Metro Balderas" (que ayudaría a popularizar el tema original) y el hard blues "San Juanico" (basado en un tragedia real). Pero la canción que termino por consagrarse al punto que ha sido versionado en un sinnúmero de veces es "Triste canción de amor", un blues rock que en la voz de un Lora menos alborotado pero con un final in crescendo y digno de clásico instantáneo.

Vale recordar que la recepción del disco no fue rápida. De hecho, su éxito tuvo que esperar un tiempo luego de la salida del álbum y luego que la Warner vio que algunas canciones funcionaban bien en otros países (como sucedió en Perú), ral como sucedería con otras producciones de rock mexicano que fueron considerados como "bichos raros" por un público local incrédulo, que con el tiempo termina por rendirse ante los mismos.






CONSIGUE EL DISCO AQUI

1. Sopleme Usted Primero
2. San Juanico
3. Vicioso
4. Juanita
5. Triste Canción
6. Agua, Mi Niño (La Curva)
7. Violencia, Drogas y Sexo
8. Metro Balderas
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domingo, 23 de mayo de 2010

VOTA POR LA MEJOR CANCIONES DE LA ERA DORADA DEL ROCK EN ESPAÑOL (1983-1997)




A partir del "Clics Modernos" de Charly García todo cambió, empieza a emerger una industria musical que no solo ve las cosas a nivel local sino que se va a la búsqueda de llevar a bandas a través de la región, y ello a su vez genera una identidad única para esa generación. El rock en español se integra a la música popular latinoamericana en sus distintas vertientes y ello proseguiría hasta los años 90's, cuando Molotov lanzaba su polémico "¿Dónde Jugarán las Niñas? y Soda Stereo se despedía en un mítico concierto. 15 años son imposibles de resumir pero tu puedes votar por los temas que merecen ser inmortalizados de esa época. VOTA AQUI
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viernes, 21 de mayo de 2010

FALLECIO RAUL PEREIRA, FUNDADOR DE EL POLEN




Tengo que confesar que la gran bulla por el seguimiento a lo que pasa con la vida de Gustavo Cerati y la fijación mediática, me hizo enterarme algo tarde de esta noticia. Y es que Raúl Pereira no es cualquiera. El lider de una de las bandas que llegó a crear un sub-género en el mundo del rock en Hispanoamérica.

Y es que así como aparecían diversos movimientos con brotes experimentales alrededor en la región, en la zona andina, El Polen entraría en contacto distinto con el sonido tradicional pero sin traicionar la vena rockera que siempre le impactó. De hecho, los hermanos Pereira venían de corrientes más puramentes rocanroleras a través de las bandas Los Shain's y Los Drags.

Pero será desde fines de los 60's que su nueva búsqueda los llevaría a crear en los 70's 2 albumes excelentes: "Cholo" y "Fuera de la ciudad". Pese al poco reconocimiento mediático, Los Jaivas los han mencionado muchísimas veces como influencia directa en su propio concepto (una de esas oportunidades fue cuando Eduardo Parra nos escribió respecto a como la canción Mambo de Machaguay llegó a su repertorio).

Pereira sufría de hemiplejia y ya había abandonado los escenarios completamente desde hacía 2 años. Partió el 19 de mayo de este año.


El Polen y Los Jaivas entrevistados en TV Chile


El Polen - "Concordancia"
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jueves, 20 de mayo de 2010

34. LOS TRES - LA ESPADA Y LA PARED (1995 - SONY)




Hoy me propuse la tarea de reseñar otro de esos discos que cualquier fanático del rock en español debe escuchar por lo menos una vez en la vida. "La Espada y La Pared" marcó su camino como el disco que internacionalizó a Los Tres, un éxito de ventas en Chile y un compilado de composiciones frescas de las cuales "Déjate Caer”" es solo el abrebocas. A diferencia del título anterior, "Se Remata el Siglo", la banda abre sus parajes sonoros pero no deja de lado esas raíces que la caracterizaron.

La primera canción del disco se siente como hibrido de música folklórica chilena a la que se le suma un jazz pervertido por el skabilly; por su parte, la letra nos deja todo a la imaginación y unas ganas locas de darle besos a la madre. No es hasta que comenzamos a pisar el terreno del resto del material cuando nos damos cuenta del potencial inagotable del que está hecho.

"Hojas de té" tiene esa esencia de juventud rebelde al igual que el absurdo de fusionar la razón y el olvido para acabar con las ataduras: "los recuerdos harán que te olvide… que no se te olvide acordarte que me tienes que olvidar" ..simplemente genial. "La Espada y la Pared" es una joya indiscutible, constatado desde las evidentes influencias del punk hasta en el uso de acordeones; todo encaja magistralmente en un track que se extiende por cinco minutos de adrenalina elegante. "Tírate", por su parte es otra canción obligada del disco, decadente y cruel, descorazonada y apasionada, llena de furia, visceralidad que deambula como perro callejero por sendas desoladas donde los músicos tocan piezas de jazz a media noche.

En el trayecto del disco encontramos más de esas fusiones bien logradas y nada pretenciosas de la banda, un sonido tan único, alimentado por años de experiencia y por qué no, por la decadencia noventera, más explicita en un corte de influencias eléctricas como "Tu cariño se me va" (cover de Buddy Richard), y hasta el cover de Velvet Underground que tiene tanto de grunge como de pieza experimental, conjurando sintetizadores y secuencias que al sumarse la voz crean un ambiente envolvente ante el cual es imposible resistirse. El legado conjunto de este disco es invaluable.


1. "Déjate caer"
2. "Hojas de Té"
3. "La Espada & la Pared"
4. "Dos en Uno"
5. "Tírate"
6. "Te Desheredo"
7. "Partir de Cero"
8. "Moizefala"
9. "V & V"
10. "Me Rompió el Corazón"
11. "La Espada"
12. "Tu Cariño Se Me Va"
13. "All Tomorrow's Parties"
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miércoles, 19 de mayo de 2010

PUYA ESTRENA AREYTO Y SU NUEVO SENCILLO

Ya dejando su etapa con RCA y regresando a lo independiente. Puya estrenará su disco "Areyto" y su canción "No hay mal que por bien que no venga" ya está disponible para ser oida por la red, la cual demuestra que aún la banda tiene el potencial para mostrarse luego de años de separación.

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CERATI EN GRAVE ESTADO DE SALUD





Desde hace unos días ya teníamos la noticia de un desmayo tras su concierto en Venezuela el sábado último, producto de una descomposición. Su página web hablaba de una mejora y breve interrupción a su gira, por lo que no parecía mayor problema.

Sin embargo, fue entre el lunes y el martes cuando las noticias de que no había mejora se hicieron eco y se habló de lo peor. Hasta de un derrame cerebral comentaban algunas noticias, su website oficial especifica que es una isquemia transitoria cerebral. Aunque aún mucho se especula, la idea es esperar el paso de las horas y los días, para saber si el músico ha salido de peligro.


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domingo, 16 de mayo de 2010

35. TRIANA - EL PATIO (1975 - MOVIEPLAY)







Triana parecía ser el punto cumbre de una experimentación que buscaba fusionar el rock con el flamenco en España. Y "El Patio" buscaba ser la consagración de ello, el trabajo que mejor aglomeraba el término de "rock andaluz."

El trío conformado por Jesús de la Rosa Luque (voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (percusión) encontró su base a partir del rock progresivo (aunque con el apoyo de Manolo Rosa al bajo y Antonio García de Diego en la guitarra eléctrica) pero eran las raíces de su natal Sevilla lo que permitía una amalgama casi mágica, permitiéndose lucirse con grandes solos.

El disco cortaba con unos 70's, donde muy pocos grupos habían podido enrumbar el movimiento del rock tan rápidamente coincidiendo con una época democrática tras la caida de Franco, que de paso significaba el fin del centralismo y la celebración de ciudades consideradas periféricas hasta ese entonces dentro de la nación española.

Los 2 más grandes clásicos de la banda estarán contenidos en esta producción: "Abre la puerta" y "En el lago", canciones que superan los 6 minutos y donde dan gran proeza de las más grandes habilidades para gustar así como para sorprender. Pero hay que dejar en claro que pese a la invención, el rock siempre fue el género bajo cual ellos se manejaba e inclusive al punto de reconocer influencias como la de Vanilla Fudge o King Crimson.

La banda seguiría manejando ese línea (aunque con acercamientos a formatos más comerciales que les permitiría llegar a un público mayor) hasta el fallecimiento de Jesús De La Rosa en 1983 por un accidente automovilístico. Sin embargo, ninguna de sus obras se pudo acerca a esta, al punto que incluso su repercusión ha superado largamente el mundo hispanoamericano y es considerado una joya dentro del progresivo mundial.






CONSIGUE EL DISCO AQUI


1. Abre la puerta
2. Luminosa mañana
3. Recuerdos de una noche
4. Sé de un lugar
5. Diálogo
6. En el lago
7. Todo es de color
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viernes, 14 de mayo de 2010

A LA GENTE LE GUSTA EL TERMINO "ROCK EN TU IDIOMA"



Haciendo nuestra encuesta acerca de los diferentes términos sobre eso de lo que siempre hablamos y cuya pequeña imprecisión puede llevar a hablar de algo distinto. Sin embargo, la encuesta demuestra que los términos comerciales se imponen por supremacia y la confrontación entre el "rock en tu idioma" ochentero con el "rock en español" noventero fue a muerte. Por lo menos, luego no nos quejemos que por qué no hablamos de Los Bravos, Traffic Sound, etc, etc.
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miércoles, 12 de mayo de 2010

36. SODA STEREO - COMFORT Y MUSICA PARA VOLAR (SONY - 1996)






En la serie Unplugged que ofrecía la cadena de videos MTV en los 90s, era una buena oportunidad para que las bandas se expongan al desnudo dejando la complejidad, el ruidismo o toda la parafernalia y se acerquen a lo orgánico y simple de la música. Ello iba simplemente en contracorriente con lo que Soda Stereo quería plasmar en su concierto "Plugged" que para evitar problemas con el resto de la serie en su versión latinoamericana se le prefirió llamar como "Comfort y música para volar".

Y no es precisamente porque las canciones quieran presentar distorsiones y carga brutal, pero era inevitable negar la etapa de experimentación eléctrica por la que pasaban sumado al cada vez mayor amor de Cerati por las máquinas, que parece haber encontrado mejor escenario como para mostrar ese acercamiento.

Del concierto original solo entrarían 7 temas (aunque 10 años después ha salido una nueva versión donde se incluye los 13 temas) y 3 de ellos que correspondía a "Sueño Stereo" que tan solo había sido editado un año atrás pero los puntos más altos estaban en los temas más viejos que eran reinventados. Por ello, quedó inmortalizada la versión de "Un misil en mi placard", casi irreconocible comparando al tema original 12 años atrás, y el de "En la ciudad de la furia" cuya versión acompañada por Andrea Echeverri terminó convirtiéndose en uno de los momentos icónicos del rock en español en los años 90's. En algunos temas se deja acompañar la viola, el violoncello y el fagot a cargo de los hermanos Fainguersch.

Otra curiosidad del disco es la segunda parte es que se trató en realidad de temas de estudio que se pensaron lanzar como un lado B de "Sueño Stereo" y cuyos temas variaban entre el shoagaze y la electrónica como un rezago de lo que ya venía de "Dynamo". El empalme entre ambos contrastes del disco está sujeto por una suerte de pestañeo que parece aterrizar el viaje al cual nos quieren llevar.

Sería la última producción que contendría temas de estudio de la banda y con ello, la colocación de disco clásico quedó en la posteridad.




CONSIGUE EL DISCO AQUI


01.En la ciudad de la furia
02.Un misil en mi placard
03.Pasos
04.Entre caníbales
05.Té para tres
06.Angel eléctrico
07.Ella usó mi cabeza como un revólver
08.Sonoman
09.Planeador
10.Coral
11.Superstar
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miércoles, 5 de mayo de 2010

HUMOR ESPAÑOL: BUNBURY INFRINGIENDO LAS LEYES DEL ROCANROL

"Muchachada Nui" es uno de los programas insignes de TVE, y en este sketch que tiene como protagonista a Enrique Bunbury, nuestro héroe pasará por un castigo debido a ser una vergüenza para el rock. Otros personajes que aparecen son Loquillo, Rosendo, Jaime Urrutia y un bizzaro Keith Richards, asi que necesario conocer referencias del rock español. Algo extraño para nuestro continente pero es lo que sucede cuando "Raphael canta tus canciones". Joder!!

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viernes, 30 de abril de 2010

37. FOBIA - AMOR CHIQUITO (1995 - BMG)





Por 1995, Fobia era una banda en crecimiento en cuanto a aceptación, su pop psicótico y de líricas sarcásticas estaban aterrizando a términos más concisos, aunque no por ello menos interesantes. Quizás también se pueda dar el crédito al productor Gustavo Santaolalla quien junto a Anibal Kerpel estaría tras del disco.

Y es que para el disco "Amor Chiquito" cambiaron la rutina como habían grabado discos anteriores. Incluso se hablaba de una presión por parte de la disquera. El resultado fue el de un integro y excelso disco pop que aún cuesta ser entendido en los mismos términos como rock, pese a que los fanáticos del mismo no niegan en adorar cada uno de los 11 temas que integran el álbum (12 sin incluimos el bonus track). ¿Cómo es posible eso?

Las razones pueden encontrarse en las expectativas que esperaban los fanáticos del rock en ese entonces: un disco trasgresor y que escupiera furia maldita que aquí nunca existe. Porque las canciones han sido pensadas en forma calculadora desde el inicial "Revolución sin manos" pasando hasta el pop de referencias a Pixies como en "Descontrol". Se pensó el disco en un largo plazo, y el tiempo ha demostrado ello. La mayoría de los temas terminaron en el colectivo de los fanáticos del género por sobre otros temas de sus anteriores discos que gozaron de mayor popularidad en su momento.

Y es que Fobia nunca supuso forzarse a entrar a un cuadriculado comercial, pero sí a una serie de cambios que terminarían por forzar la salida del baterista "Chiquis" Amaro poco tiempo después de la salida del disco(siendo reemplazando por Jay De La Cueva) y que generarían una buena recepción de canciones como "Veneno Vil", "Vivo" y la aparentemente cursi "Hipnotízame". Ni la referencia implícita a la pedofilia de la portada como del título sería impedimento de ello.




CONSIGUE EL DISCO AQUI


01. Revolución sin manos
02. Descontrol
03. Vestida para matar
04. Hipnotizame
05. Ai kan bagui
06. Veneno vil
07. Mira tete
08. Sin querer
09. Casi amor
10. Vivo
11. Casa vacía
12. Bonus Track
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martes, 27 de abril de 2010

ENRIQUE MORENTE CON SONIC YOUTH - MARTINETE (SIN TITULO) (EN VIVO - OCTUBRE 2004)

Una de las joyas desconocidas de España se llama Omega. Disco que puso a volar los parámetros de la fusión y que llevó a gente como a los de Sonic Youth en pensar en un tipo como el cantaor de flamenco Enrique Morente, con quien se presentaron en el 2004 y crearían un lazo que los ha seguido por años. Aqui les dejo con esa histórica presentación en Valencia donde el ruidismo del rock penetra el flamenco más corrupto y genial el cual nunca se había atrevido a cruzar.

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sábado, 24 de abril de 2010

ARTISTAS ARGENTINOS DETRAS DE REUNION DE PROTAGONISTAS DEL NEO-KITSCH ANDINO: DELFIN QUISHPE, LA TIGRESA DEL ORIENTE Y WENDY SULCA

Gaby Kerpel, uno de los hombres detrás de la reunión kitsch andino.



Hace unos días apareció en la red el video que reunía a los artistas kitsch andinos que son sensación en Youtube. Se trataba de Delfin Quishpe, La Tigresa del Oriente y Wendy Sulca en un tema relacionado al país de Israel y de nombre "En tus tierras bailare". Y aunque este fenómeno, no merecía espacio en el blog más que escribi en el twitter (y que la gente de Panamerika reportó), terminé descubriendo una interesante información detrás del hecho, que ya da razón a muchos para soltar más carcajadas. Y es que detrás de esta colaboración conjunta que a simple vista parecería espontanea, se trata más bien de una iniciativa que nació de 3 de sus "fanáticos". Los 3 argentinos y personas que se desenvuelven en la escena musical contempóranea y la industria del entretenimiento. Se trata de Micaela Epalbaum, Gaby Kerpel y Picky Talarico.

Micaela Epalbaum es la más joven de este trío, pero fue prácticamente la iniciadora de juntar a los artistas andinos como "amante de lo bizarro de la web" (en sus propias palabras). Ella es una cantante que se desenvuelve en el mundo independiente.

Gaby Kerpel es uno de los más experimentados músicos. Es el hermano menor de Anibal Kerpel (uno de los hombres de Gustavo Santaolalla y cuyo trabajo se encuentra desde que era parte de los progresivos Crucis allá por los 70's pasando por Maldita Vecindad, Café Tacuba, León Gieco, entre otros). Interesado en la música experimental asi como música folklórica (donde ha combinado estilos de música de sus raíces judías) ha pasado por varios proyectos, aunque su último acercamiento está en la cumbia. Bajo el seudónimo de King Coya, ha causado sensación en los circuitos under de neo cumbia y es uno de los favoritos de la disquera Zizek. En la canción, él se encargó de la música y la producción la cual se hizo desde los respectivos países de los intérpretes.

Picky Talarico es otro tipo de artista. Es director de videos. Y en las decenas de músicos para los que ha trabajado, que van desde los más pop como Paulina Rubio o Chayanne, están Fabiana Cantilo, Arbol, Libido, Gustavo Cerati o La Vela Puerca. Él buscó manejar la misma estética de los videos de música andina para "En tus tierras bailaré", que denota los bajos recursos y hasta exageraciones en efectos.

¿Y cuál es la ganancia de estos artistas para juntar este singular conjunto? En entrevistas aparecidas en diversos medios, pareciera que apuntar a convertirlo en uno de los videos más vistos de YouTube (incluso dicen que quieren hacerle la competencia al video Telephone de Lady Gaga que supera de lejos los 20 millones de visitas), y cuyos créditos podría darle una excelente publicidad.

Y es que los videos de estos personajes que son vistos como bichos raros han tenido una desquiciada recepción de los internautas hispanoamericanos cuya atracción mezcla el morbo con la curiosidad y la falta de entendimiento de su realidad musical, sumado a esas ansias que tiene ese "mundo marginal" por conquistar el "mundo pop". Todo comenzó cuando la página chilena PorlaPuta.com, conocido por su humor sin tapujos, empezó a rastrear en forma malintencionada videos musicales de países andinos (Perú, Bolivia, Ecuador) conocidos por su estética no urbana y de bajos recursos que eran subidos por la entonces novedosa página YouTube y el resto es historia. El boca en boca (o tecla en tecla) traspasó rápidamente cualquier frontera y la atención por algo que convive durante años en paises como Perú o Ecuador con su escena pop, tuvó la primera oportunidad de trascender y su impresión ha generado una nueva reflexión acerca de lo que sucede cuando un tipo de artista y propuesta musical es recibido en un público totalmente ajeno, y como lo masivo del campo puede ser considerado kitsch en otro. La incomprensión es aún mayor cuando no se entiende por qué estos exponentes de la música aceptan ser tratados como "payasos" y la respuesta se puede dar en la visión de una parte del hombre andino de condición humilde en que su éxito está relacionado a la fama y la popularidad, sin importar la forma.
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jueves, 22 de abril de 2010

38. PATRICIO REY Y REDONDITOS DE RICOTA - OKTUBRE (1986 - INDEPENDIENTE)







Oktubre fue el segundo disco de la banda Patricio Rey y Redonditos de Ricota, la banda independiente más masiva que tuvo Latinoamérica durante los 80's, una década que estaba dando oportunidad a una cultura que ofrecía resistencia a esa movida mediática que estaba atrapando a la nueva generación, pero que contradictoriamente, también permitía abrir los espacios que este tipo de bandas necesitaban.

Y es que el profesionalismo que se plasma al disco también va acorde con el oscurismo y encriptación que solo un disco del underground podría haber emergido. Y es que el Indio Solari, buscaba imprimir a la banda un sello personal que lo distinguiera del simplismo lírico que abundaba en aquellos tiempos y cuyo aborrecimiento hacía público. Ello lo encontró en un concepto que rodeaba el interés de la banda por la Unión Soviética, aunque con mucha ambigüedad, al punto de dudar si se trata de una crítica o una elegía al mismo.

Asimismo, las canciones buscaban tomar distancia de cualquier banda de new wave de aquel entonces, y buscaban un medio entre el rock n roll y el blues rock, aunque siempre con el corte interpretativo del Indio Solari cuya voz recogía otras influencias y terminaba cuajando el distintivo de la banda que ya se venía trabajando desde el otro disco.

El trabajo marca un inicio y un precedente para el mundo independiente, sobre todo para Argentina, que junto a Sumo, se convertirían en los fenómenos que más influenciarían partiendo desde fuera del mainstream (por lo menos en un principio). Canciones como "Fuego de octubre", "Música para pastillas" o "Preso en mi ciudad" calaron en su público férreo aunque sería "Jijiji", el clásico inevitable y conocido por la voz final gritando: "Chernobyl"


CONSIGUE EL DISCO AQUI



01 -Preso en mi ciudad
02 -Música para pastillas
03 -Semen up
04 -Divina TV Führer
05 -Motor psico
06 -Jijiji
07 -Canción para naufragios
08 -Ya nadie va a escuchar tu remera
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miércoles, 21 de abril de 2010

CLUB FONOGRAMA ENTREVISTA A JULIETA VENEGAS




Club Fonograma, el Pitchfork Latino, uno de los blogs que está marcando tendencia básicamente por la cobertura a las bandas independientes de América Latina asi como a la escena alternativa iberoamericana, entrevistó a la mexicana Julieta Venegas. Nota que estuvo a cargo de Andrew Casillas, un escritor musical estadounidense y que vive a fondo la biculturalidad latino-anglo (y que entrevistamos hace unos meses en Rock en las Américas).

Julieta Venegas es una declarada fanática de la red, y ha afirmado en múltiples oportunidades que ha descubierto muchas bandas de esa forma. Y así llegó a Club Fonograma, que en con su cobertura en inglés y su propuesta le fascinó tanto que practicamente ha amadrinado la página en cierta forma y ha sido invitada a algunos especiales de la página como la encuesta de los Mejor de la Primera Mitad del 2009 (junto a este humilde servidor, entre otros).

Aunque en lo personal, me hubiera gustado algunas preguntas más, Andrew hace un recorrido por lo que pasaba por su cabeza durante toda su carrera solista; lo que la llevaba a tomar determinadas direcciones y su evolución. Nos quedamos con una idea suya sobre el dilema de cantar en inglés o español:

(..) I grew up in a border city, and it definitely came up at one point: “Should I sing in English or should I sing in Spanish?” which I dismissed quickly. I only sing in Spanish because that’s the language that I really emotionally grew up in, and I’ve always been emotional about writing. If I write in English, I’m using my mind, my rational side is trying to communicate. I mean, I love English—I love reading in English, I love watching films in English, I’m inspired by music in English, but it’s not something that expresses me and who I am. Is that selfish? {laughs} So it goes back to that. Even if I speak English every day, I spoke to my Mom, and my boyfriends, and my brothers and sisters in Spanish, so I don’t see how I couldn’t sing in that language, since I think that music should express what you are about. And as far as people singing in English when they’re Mexican, I have this thing about Latinos singing in English because of MySpace and because of the internet, and I feel like they’re disconnecting themselves from their place, and it’s becoming this whole universe of people who are singing with a funny accent and just kind of trying to go with the flow, because when you admire someone who sings in English you’re thinking “If I sing in English I’m gonna sound like him.” It’s not expressing who they really are. That’s just what I think.

Crecí en una ciudad limítrofe, y definitivamente llegué a un punto: "¿Debería cantar en inglés o en español?" el cual rechacé rapidamente. Yo solo puedo cantar en español porque es el idioma con que emocionalmente crecí, y siempre he sido emcional al escribir. Si escribo en inglés, estoy usando la mente, mi lado racional tratándose de comunicar. Es decir, yo amo escribir y leer en inglés, amo ver filmes en inglés, estoy inspirado por música en inglés, pero no es algo que me expresa ni quien soy. ¿Eso es egoista? (risas) Entonces regreso a eso. Incluso si yo hablo inglés todos los días, yo hablo con mi mamá, mis novios, mis hermanos en español asi que no veo como cantarles en otro lenguaje, y creo que esa música es lo que debe expresar. Tan lejano como cantar en inglés cuando son mexicanos, yo tengo esa idea respecto a los latinos cantando en inglés por lo del MySpace y el internet, y ello los está desconectando de su lugar, y termina convirtiéndose en un universo de gente cantando con acento chistoso y solo tratando de seguir la corriente, porque cuando admiras a alguien que cantan en inglés piensas "Si canto en inglés voy a sonar como él". Eso no está expresando lo que ellos son. Eso es lo que creo.


La entrevista completa en http://www.clubfonograma.com/

PARTE 1 y 2
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domingo, 18 de abril de 2010

PRESENTACIONES DEL COACHELLA 2010

Realizado entre el 16 y 18 de este mes. Disfrútenlo.

CALLE 13 - NO HAY NADIE COMO TU




ZOE - NO HAY DOLOR




ATERCIOPELADOS - EL ESTUCHE



BABASONICOS - CARISMATICO

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39. CHARLY GARCIA - PIANO BAR (1984 - POLYGRAM)


Fue el cuarto disco de estudio en la carrera del siempre controversial Charly García, grabado en su totalidad en Buenos Aires y mezclado en el Electric Lady Studios en la ciudad de Nueva York. Se trata de un disco redondo, crudo y bastante visceral, de esos que rompen parámetros tradicionales y que se cuentan por pocos. Charly que por 1984 se encontraba en su mejor forma, sin caer preso de los excesos en su vida y carrera profesional, el resultado entonces fue abrumador: melodías pegajosas y letras que criticaban la pasmosidad de la sociedad de aquellos años. "Piano Bar" está basado en un sonido netamente pop-rock arropado con la sutileza y simpleza primordial que Charly solía usar por aquel entonces en sus obras; el disco abre con "Demoliendo Hoteles", seguida de la encantadora "Promesas Sobre el Bidet" y luego, la que obedecía a esos tiempos ochenteros tan eclécticos "Raros peinados nuevos", para darles nuevos aires a una escena musical argentina que venía de salir de la crisis de las Malvinas.

Por supuesto que como buen argentino no podía dejar atrás su cuota tanguera en “No te Animás a Despegar” y su infaltable vena humorística en “No Se Va a Llamar Mi Amor” cuentan que era una crítica a los que no dejaron ponerle de nombre “Mi Amor” a un tema porque ese título tan manoseado ya estaba registrado.

Para las sesiones de "Piano Bar", Charly se hizo acompañar de músicos como Pablo Guyot en la guitarra, Alfredo Toth en el bajo, Willi Iturri en la batería y Fito Paez en los pianos, aquella formación de GIT que fue punta de aquel movimiento fresón llamado "Rock En Tu Idioma" y cuyo primer álbum sería producido por Charly.

Por desgracia el disco va tomando fuerza con la época en la que el público comenzaba ver más a Charly como el hombre-escándalo sobre el músico completo que era, lo cual marcaría a Charly para siempre pese a estar en su pináculo creativo y, toda esa locura y desenfreno no reduce a "Piano Bar" sino que lo lleva al grado de clásico para la posteridad no solo del rock argentino sino del iberoamericano en general. Sin duda la mejor etapa en la carrera del pintoresco Charly que entre los problemas y casi que sin ensayos logró sacar adelante uno de los álbumes pilares del movimiento.

1 Demoliendo hoteles
2 Promesas sobre el bidet
3 Raros peinados nuevos
4 Piano Bar
5 No te animás a despegar
6 No se va a llamar mi amor
7 Tuve tu amor
8 Rap del exilio
9 Cerca de la revolución
10 Total interferencia

Bonus track:

11 Cancion para mi Muerte
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