NO ME IMPORTA MORIR: LA HISTORIA DEL ROCK ALTERNATIVO EN LATINOAMERICA (PARTE IV - TOP 20)

Aca los 4 capitulos para los que no pudieron leer cuando salió:

PARTE 1

PARTE 2

PARTE 3

PARTE 4


Es asi como el rock altenativo en Latinoamérica tiene una actitud de "no me importa morir en el intento", consciente que nunca conquistará el mainstream como en los paises anglos, el rock alternativo siempre será una opción para los miles de fanáticos que no se contentan con las listas de éxitos (y sus eternos personajes enfrascados) y buscan una música reflejada en la tendencia internacional pero que a su vez tengo original y sorprendente.

Aca un top 20:

1. SODA STEREO - PRIMEVERA 0 (1992 - VERSION EN VIVO 1997)



2. BABASONICOS - ¡VIVA SATANA! (1996)



3. CAFE TACUBA - 13 (1999)



4. ZURDOK - ABRE LOS OJOS (1999 - VERSION VIVE LATINO 2000)



5. ZOE - DEAD (2004)



6. FOBIA - EL DIABLO (1991 - VERSION PARA "SESIONES")



7. PORTER - ESPIRAL (2004)



8. LUCYBELL - MATAZ (1998)



9. EL OTRO YO - NO ME IMPORTA MORIR (1999)



10. LOS BUNKERS - NO ME HABLES DE SUFRIR (2003)



11. PLASTILINA MOSH - AFROMAN (1998)



12. LIBIDO - TRES (2000)



13. CARAMELOS DE CIANURO - EL ULTIMO POLVO (2003)



14. CATUPECU MACHU - Y LO QUE QUIERO ES QUE PISES SIN EL SUELO (2000)



15. PEZ - MALDICION (2004)



16. LOS BRUJOS - KANISHKA (1993)



17. CUCA - EL SON DEL DOLOR (1992)



18. ELECTRO-Z - GRITAME (1999)



19. ULTRAGENO - ULTRGENO (1998)



20. DERMIS TATU - TERRENAL (1995)

CALLE 13 CON VICENTICO - COMBO CABRÓN (BAILA O DISPARO)

Calle 13 es una de las pocas bandas de hip hop latina con presencia en el mainstream (en parte, gracias a su inicial asociación al reggaetón), pero ha querido dejar en claro su propuesta y su respeto por la música latinoamericana en general con sus colaboraciones. Una de ellas es la de Vicentico, con quien grabó 2 temas. Uno de ellos, que solo se puede encontrar en el disco solista del vocalista. El tema se llama Combo Cabrón (aunque en la red se la conoce como "Baila o disparo") que habla en primera persona de una sociedad norteamericana que se ha dejado llevar por el morbo de la guerra y su posición en el globo.

DANIEL F, PELO MADUEÑO, MARCELLO MOTTA, GIANMARCO Y EL CANTANTE DE BARETO FORMARAN BANDA

Una banda poco convencional tocará por única vez el próximo 12 de marzo en la discoteca Vocé por una causa benéfica en apoyo a los niños con labio leporino y paladar hendido.

Los 5 tipos, provenientes de distintas vertientes de la escena local, se unirán para un show. El pop de Gian Marco, al rock de canción de "Pelo" Madueño, a la visceralidad de Daniel F, el guitarrista efectista de Marcelo Motta (de la banda Amén) y Joaquín Mariátegui de Bareto, han dado lugar a un grupo llamado "EL Enredo", y brindarán una variedad de sorpresas al público asistente.

Las entradas para esta única presentación estarán a la venta en Teleticket a S/. 50.

NO ME IMPORTA MORIR: LA HISTORIA DEL ROCK ALTERNATIVO EN LATINOAMERICA (PARTE IV)

La tercera oleada del rock alternativo aparece en un momento donde las grandes corporaciones de la industria musical se ven obligadas a reducir sus presupuestos y se inicia la independencia en el sentido más estricto de la palabra. Los vientos parecieron favorecer a un pequeño grupo de bandas fuera de las más grandes escenas a internacionalizarse (como pasó con Los Bunkers, Libido y Caramelos de Cianuro) que provenían como embajadores del pop-rock de sus respectivas escenas pero se perfilaban como grandes propuestas en la nueva camada del rock alternativo.

Pero lo que parecía enmarcar un nueva tiempo para la música alternativa era ese cada vez menor interés por parte de los rockeros para experimentar con la fusión de los ritmos latinoamericanos, como había pasado en la década pasada. Parecía que la sobre-explotación había generado un desgaste en los oidos de los fanáticos del rock quienes se insertaban en buscar propuesta musicales a través de la red, y con ello, un sinnumero de alternativas que giraban de los principales medios online de Estados Unidos y Europa a la palma de la mano. El rock alternativo de Latinoamérica se insertaba con las demás propuestas alrededor del mundo y había posibilidad para la autopromoción.

Si bien un signo de la nueva era fue el "Cuatro Caminos" de Café Tacuba, el disco que le dijo al mundo que el rock había virado de lo alterlatino a la influencia del indie rock. Pero el indie no tendrá su real oportunidad hasta el inesperado éxito del EP de Zoé, "The Room", lanzado por Noiselab tras haber terminado su contratado con Sony Music. Nuevos medios (algunos con más consistencia que otras) han logrado canalizar las propuestas y aunque hasta cierto punto se ha regresado a la localización (a diferencia de la regionalización de la era dorada del rock en español) por lo menos, el internet ofrece una chance de poder acercar esa música que antes tenía que esperar la chance de un tipo que trabajaba en una multinacional. De esa manera pueden haber bandas indies argentinas tocando en el Vive Latino o venezolanas en el Rock al Parque o mexicanas en el Coachella, por dar algún ejemplo.

En esta oleada tenemos bandas como Los Dynamite, Austin TV, Pez, Kinky, Juana Molina, Javiera Mena, El Mató a Un Policía Motorizado, Chikita Violeta, Los Natas, Buenos Muchachos, San Pascualito Rey, Banda de Turistas, Descartes a Kant, Entre Ríos, Turbopótamos, entre muchísimos más. Sin embargo, la banda que ha podido destacar más es la banda mexicana Porter, formados en la Ciudad de Guadalajara, una banda que pudo recrear un concepto influido por distintas bandas indies de referencia y que pudo llevar su música a un público importante considerando la independencia de la banda y cuyo resultado pudo plasmarlo en su LP "Atemahawke", pocas antes de su casi reciente desaparición.

SAICOMANIA: ALIMENTADO EL MITO

No hay duda que una leyenda en crecimiento desde los 90's (y sobre todo de la recopilación española en el 2002 "Wild Teen Punk From 1965") ha ocurrido en torno a nuestros compatriotas de Los Saicos. Más alla de que algunos la hayan denomiando como "la primera banda perdida del punk" entre otros sobrenombres más, lo que no hay duda es que los tipos se adelantaron a su tiempo en tomar distintas referencias (surf, rock and roll, entre otras) para escupir un humor alejado de la ingenuidad de la época. No por ello, bandas de distintos paises han versionado sus canciones en distintas oportunidades, entre ellas los ya conocidos Café Tacuba, asi como sus compatriotas Lost Acapulco y los españoles Wau y los Arrrghs!!

El peruano Héctor Chavez, radicado en Amsterdam ha buscado rendirle tributo a la banda nacida en 1963, con un documental super interesante y que a través del YouTube va adelantando cachitos y trailers del mismo, que se espera su lanzamiento en el transcurso del año. Aqui el último trailer de hace un mes:

NO ME IMPORTA MORIR: LA HISTORIA DEL ROCK ALTERNATIVO EN LATINOAMERICA (PARTE III)

La segunda oleda del rock en español aparece a mediados de los 90's, pero se consagra a fines de esa década. En cuestión de sonido hubo una influencia más directa del llamado brit-pop (Oasis, Blur, etc), aunque no era lo único, obviamente.

Desde México, aparecieron bandas como Azul Violeta, Jumbo, La Gusana Ciega y Zurdok (antes Zurdok Movimiento), asi como proyectos como los de Plastilina Mosh. En esa etapa hubo una movida desde la ciudad de Monterrey que se le denominó la Avanzada Regia (y que la componían bandas de diversos estilos) y que tuvo un impacto real en la música alternativa en ese país.

En Argentina, la segunda oleada la componían bandas como Fun People, El Otro Yo (que venía de años antes), Turf o Catupecu Machu, pero fueron opacados considerablemente por el crecimiento del rock de barrio o chabón que había tomado las emisoras del país del sur.

En tanto, en otros paises, en cuanto iba creciendo la industria del rock local, iba apareciendo opciones alternativas a los mismos. Es asi como tenemos el caso de bandas como El Aire, Dolores Delirio o Electro-Z, en Perú; Bajo Tierra, La Derecha o Ultrágeno, en Colombia; La Rue Morgue, Los Ex, Supersordo, Santos Dumont o Lucybell (este último con la mejor proyección internacional de todas las bandas enumeradas) en Chile; La Muy Bestia Pop o Dermis Tatú, en Venezuela.

Ante la necesidad de buscar un álbum que mejor describa esta segunda oleada, tenemos que optar por "Hombre Sintetizador" de fines del 99 por la banda Zurdok, uno de los discos que mejor supo balancear vanguardia y armoniosidad, y que era lo que cautivaba al gran público alternativo de la época.

Para inicios de los 2000's, empieza a caer esta oleada, por las mismas razones que conllevaban el término de la primera. Sin embargo, en esta oportunidad una crisis en la industria discográfica iba a resentir más profunda la exposición. O no? El internet se abría como una oportunidad para bandas desde disqueras independientes que tenían un mundo nunca antes tenido para artistas que se manejaban a si mismos.

LOS MOX! - RON DAMON (TRIBUTO A DON RAMON)

La Vecindad del Chavo ya es un referente de nuestra cultura latinoamericana contemporanea pero si hay un personaje que quedo en la cultura del rock por su carisma criolla fue Don Ramón, interpretado por Ramón Valdez.

El grupo chileno Los Mox! le rindió un justo homenaje hace unos años y aca podemos ver el video realizado por un fanático de la banda:

POP Y GLOBALIZACIÓN

"Una humilde opinión" es un blog mexicano que recoge distintas opiniones (valga la redundancia) sobre distintos temas y como en este blog creemos en el respeto de opinión recogemos un texto de alli, escrito por David Agustín Belgodere “Bogus” y compartiré algunos fragmentos. Si quieren leer el artículo completo darle click AQUI.

Antes que nada, es importante definir ¿qué es la cultura pop?. La cultura pop es un movimiento cultural nacido en los Estados Unidos de América y en Gran Bretaña a mediados del siglo pasado, influenciado por el cine, los nuevos ritmos musicales y la publicidad de sus artistas favoritos de la época, hecha en posters. El fin de la cultura pop es la comercialización del arte y la expansión de valores liberales.

La música pop y rock y los contenidos de sus letras, los cuales han impulsado una visión burguesa de vida y valores liberales, dieron vida y fortalecieron la consolidación de la cultura pop. Vemos que artistas como: Michael Jackson, The Beatles, Madonna, Celine Dion, Guns n´ Roses, Mariah Carey y Pink Floyd, figurando con distintas producciones, con 2 ó más, en la lista de los 100 discos más vendidos de la historia, bajo eso criterio diremos que son los artistas más emblemáticos de esta cultura. En esta lista figuran también el mexicano Carlos Santana y el puertorriqueño Ricky Martin. Por desgracia la cultura pop también ha impulsado artistas y proyectos de mediana o poca calidad, quienes viven de un solo éxito, varios de los cuales figuran también en la lista de los 100 discos más vendidos de la historia, como: las Spice Girls con “Spice” y “Spice World”, Mc Hammer con “Please Hammer Don´t Hurt´Em” y Vanilla Ice con “To the Extreme”. Lo triste de esto es que figuras como The Rolling Stones, The Cranberries y The Doors quedan fuera de mencionada lista.

NO ME IMPORTA MORIR: LA HISTORIA DEL ROCK ALTERNATIVO EN LATINOAMERICA (PARTE II)

El rock alternativo ha tenido 3 oleadas en América Latina, y esta se proponía como una opción fresca frente a la "bastardización" del rock en español, por parte de la industria que intentaba sacarle el jugo a la moda que se había el rock. Lo irónico, que la banda que se constituía en esa opción era precisamente la banda que hasta poco antes había liderado precisamente el rock comercial y había llevado al género a su masficación: Soda Stereo.

Es así que en 1990, la banda argentina edita "Canción animal", un disco que regresa a la fibra que se había perdido en el rock en los últimos años. El regreso a lo eléctrico lo pone a una paso adelante de las bandas que tenían que adaptarse a la radio-fórmula. Obviamente, los sencillos del disco tuvieron una difusión mucho menor en las radios latinoamericanas, aunque el trabajo significó una reconciliación con el público argentino donde prácticamente expectoró a todas las bandas "internacionales" del "rock en tu idioma" que gozaron de mucha popularidad y quienes habían acusado de "vendidas".

Es así que se inicia la "primera oleada" de bandas alternativas. En Argentina, aparecen un grupo de bandas al que la prensa le dio el nombre de "Nuevo Rock Argentino". Ahi se encontraban grupos como Los Brujos, Los Visitantes, Peligrosos Gorriones, La Portuaria, entre otros. En México, Fobia parece adelantarse con su disco "Mundo Feliz" (anteriormente editaron un disco pero estuvo más asociado con el "rock en español" de la radio-fórmula), y luego aparecerán grupos como La Cuca, Víctimas del Doctor Cerebro, La Lupita, entre otras. En esta primera oleada la diversidad de sonidos y propuesta fue lo que primó, ideas originales y alocadas, y bandas sin asociación a seguir algún patrón determinado, por lo que sónicamente tenían poco que ver con el grunge, aquel género que paralelamente invadía las estaciones de rock y estaba liderada por Nirvana y Pearl Jam.

Esta oleada inicial estuvo patrocinada básicamente por las disqueras multinacionales que dieron un importante apoyo a las mismas. Sin embargo, para los años 96 y 97, ya muchas de estas las habían abandonado y muchas de estas interesantes propuestas desaparecieron como efecto dominó. En parte, no tuvieron el éxito en el mainstream que las disqueras querían y en parte, fueron disminuidos por otro movimiento alternativo que sobrepasaba el movimiento rockero: el alterlatino. Las bandas como Mano Negra, Café Tacuba o Los Fabulosos Cadillacs tuvieron un impacto mucho más fuerte, en la música latinoamericana en general, y atrás traían un discurso de identidad muy atractivo para un público que no había visto algo asi y que hasta era temática en el mundo académica.

El único gran sobreviviente de la primera oleada serían Babasónicos, una banda que se ha convertido en una de las bandas más importantes del rock alternativo hecho en Latinoamérica, y que en su primera etapa se caracterizaron por la experimentación sónica. Y sin lugar a dudas, el disco que mejor personifica la primera oleada es su trabajo "Trance Zomba" de 1994, un disco que se pierde en el juego de los sónidos más inverosimiles oidos en un mismo album.

La adoración de la banda superó al propio público alternativo creciente, cuando el mismo Ian Brown, ex-vocalista de The Stone Roses, banda británica y referencia alternativa por excelencia les pide que le graben un tema para su disco Golden Greats, el cual se llama "Babasonicos".

USC MARCHING BAND - MATADOR (COVER DE LFC)

Probablemente esto no tengo que mucho con lo que escribimos en el blog, pero es un interesante dato curioso. En Estados Unidos, Mark Sanchez, es una de las grandes figuras del equipo de futbol americano (un deporte tan americano que más de la mitad del continente AMERICANO no lo practica) de su universidad, la USC (la Universidad de California del Sur). Este jugador, quien se ha vuelto el consentido del equipo, le han apodado "El Matador", y por ello, la banda de su universidad le toca el famoso tema de Los Fabulosos Cadillacs en los partidos. De esta banda marchante se puede decir mucho, entre las últimas, de que hace unos días acaban de acompañar a Radiohead a interpretar el tema de "15 Step" en los premios Grammy de este año.

CINEMA ROCK EN LAS AMERICAS PRESENTA: DELFIN QUISHPE, LA PELICULA

Asi es, es nuestro segundo ciclo de película en este blog. Hace unos meses, les presentamos antes que nadie la película "El Argentino" de Benicio del Toro que cuenta la historia de el Che Guevara. En esta oportunidad, bajamos el tono de la seriedad que caracteriza el blog para presentarte la película de Delquin Quispe, asi como lees: la película del fenómeno de Youtube autor del tema de techno-folklore "Torres Gemelas", donde trata de darle sentido al sinsentido, y te lo presentemos antes que cualquier blog. Advertencia, no apto para críticos de cine.

LAS VULPES - ME GUSTA SER UNA ZORRA (1983)

Uno de los momentos más polémicos de la televisión española llegó en 1983, cuando dejaron que este video musical sea emitido al aire. El grupo de punk de chicas "Las Vulpes" interpretaron está canción que se mofaba de la cucufatería con la más desfachatada letra alguna vez oida. El programa donde se emitió el video inmediatamente fue sacado del aire, y sí, es una adaptación del tema de The Stooges "I wanna be your dog". El grupo desapareció tan rápido sacó este sencillo, pero igual quedó como un momento memorable de la música pop española de los 80's.

"¡Tú cabrón!
Dejando ahora mi profesión,
te pido un deseo de corazón,
quiero meter un pico en la polla
a un cerdo carroza llamado Lou Reed."

Por cierto, a la versión de TV le cambiaron el "zorra" por "morra"...

NO ME IMPORTA MORIR: LA HISTORIA DEL ROCK ALTERNATIVO EN LATINOAMERICA (PARTE I)

Una banana la cual pocos entenderán que hace acá

Anteriormente había dedicado un espacio muy grande para hablar del proceso evolutivo del "latin alternative" o lo alterlatino, Un movimiento que tomaba evidentemente influencias del rock y del entorno del mismo para crear un sonido fusionado que fue una opción frente a los puros ritmos tradicionales y sobre todo frente al manufacturado pop latino que nutre clichés antes que propuesta. Ahora hablaremos del proceso del rock alternativo, un movimiento que aun está en plena construcción, ahora bajo la etiqueta del "indie rock", pero para ello una breve introducción.

El "rock alternativo" tuvieron 2 motivaciones distintas tanto en Estados Unidos como Gran Bretaña.

En Estados Unidos, es una etiqueta usada por la industria para una camada de banda que se proponían como propuesta a inicios de los 90s frente al alicaido rock mainstream de aquel entonces, que lo componían básicamente bandas del decadente glam metal. Claro que sus influencias podían venir de los iniciales R.E.M o Sonic Youth, o inclusive más atrás, con Velvet Underground.

En Gran Bretaña, más bien siempre estuvo relacionada con el llamado "indie", ya que se trataba de un puñado de bandas que a mediados de los 80's conquistan las listas de éxitos, pese a que eran bandas de disqueras pequeñas (la distribución para una independiente es mucho más sencillo para un país pequeño como Reino Unido a diferencia de EE.UU.) y estaban comandadas por The Smiths. Aunque sus antecendes estaban en la propuesta de Joy Division, y esa tendencia "DO It Yourself" que venía de la filosofía punk.

La música alternativa jamás tuvo un sonido en particular (de hecho varias bandas alternativas tenían sonido mucho más pop que otras que conquistaban el mercado por aquel entonces) pero eran sus letras que hablaban con crudeza de lo que sucedía a los jovenes entre los 18 y 25 años, lo que identificaba esta tendencia sobre todo lejos de las letras épicas o diabólicas del metal o, sociales y decadentes del punk. Poco a poco, lo alternativo fue conquistando el hype hasta pasar en una etiqueta de moda en el mundo anglo, que incluso bandas que no eran considerados inicialmente como "alt-bands" como U2 aceptaban el término.


¿Cómo fue este proceso alternativo en América Latina? Como verán en este espacio dejaremos de lado el proceso en España, ya que tuvo una historia muy aparte desde Surfin Bichos, el boom con Australian Blonde y luego, Dover y finalmente, la consagración con "Una Semana en el Motor de un Autobús" de Los Planetas, considerado casi sin objeción como el disco del climax de ese movimiento que sigue hasta en la actualidad.

BLOG RECOMENDADO: ROCK AROUND THE BLOG

En esta oportunidad quiero recomendar el blog de Javier Lishner, un peruano radicado en California y que durante mucho tiempo trabajó en medios de comunicación, asi que conoce mucho de la música mainstream que pasó por el Perú en los 70's y 80's pero a su vez es gran amante del rock. Asi que si te gusta leer anécdotas y referencias del rock clásico, este es tu blog. Nostalgia para los de antes y curiosidades para los que somos un poco más jóvenes.

LOS 70'S: LAS OBRAS EN LA MEMORIA

No hay duda que la década de los 70's fueron de la más díficiles para las de hacer rock en Iberoamérica. La canción (o llámele trova) gozó de la aceptación de público joven de clase media, hubo un desarrollo de la música salsa de la ciudad de Nueva York y que en el hype la balada romántica monopolizó la radio. Más allá de cierta negativa del rock por parte de la lucha ideológica, era la propia industria la que practicamente había vetado su desarrollo, ya que la veía poco viable para ser comercializada. Tenemos que tener en cuenta que el rock en está década gozaba de lo pretencioso y por tanto, muy pocas veces las compañías discográficas se iba a atrever a financiar presupuestos que veían difíciles de recuperar. Pero claro hubo artistas que sacaron la vuelta al asunto, quizás porque vivieron contextos distintos o si gozaron de un pequeño público que los cobijo hasta que el rock tuviera mejor aceptación y en la actualidad pueden gozar de ser indispensables de culto.

A continuación recojo 20 obras discográficas de la década escogidas por los usuarios de Hispanoamerica de acuerdo a una lista de la página Rateyourmusic.com (muy buena para consultas, por cierto) y veamos cuales son las que el tiempo las convirtió en imprescindibles:

1

Pescado Rabioso

Artaud (1973)

Este album también ha sido escogido como el mejor album del rock argentino según la filial local de la revista Rolling Stone, asi que ello ha generado un impacto en el interés para los melomanos latinoamericanos por este trabajo. Asi que mejor que remitirnos a la larga reseña que el periodista Pablo Schanton hizo para la revista: 

"Antonin Artaud nunca quiso que su obra fuera considerada literatura. Del mismo modo,Artaud nunca quiso ser un disco, sino un gesto de vanguardia. Sin embargo, ahora lo es: el mejor de la historia del rock nacional, según esta votación. Es cierto: el álbum de L. A. Spinetta firmado por Pescado Rabioso ("¿Vieron? Pescado era yo"), como si fuera el tercer LP del grupo, y bautizado como el poeta maldito francés, contiene música registrada en unas líneas circulares sobre un plástico negro. ¿Entonces? Entonces empecemos por recordar la mítica tapa, que de mera decoración o funcionalidad tenía poco. Spinetta la llamaba la "deformé". El boceto que le envió al diseñador Juan O. Gatti ni siquiera podría considerarse "estrella", es inclasificable. Claro; el primer problema de ese pack era ubicarlo en las bateas y discotecas hogareñas. Efectivamente, el disco-objeto era un inadaptado: denunciaba con su deformidad la cuadratura, la falta de libertad y el sometimiento a la geometría industrial del resto. Qué mejor síntesis sobre la vida y obra de Antonin Artaud. Decía el escritor francés en "Surrealismo y revolución" (1936): "Más que un movimiento literario, [el surrealismo] ha sido una revolución moral, el grito orgánico del hombre, las palabras de nuestro ser contra toda coerción. En primer lugar, contra la coerción del Padre". Para neurosis de los coleccionistas es imposible encontrar una tapa original de Artaud sin las puntas ajadas: ese desafío a los patrones (padres) geométricos e industriales se pagaba con la degradación. Otra forma de hablar del trágico destino de Artaud. Y eso que todavía no pasamos de la tapa.

Sigamos. En el booklet del disco, que parecía prospecto de remedio, también se leía: "«Acaso no son el verde y el amarillo cada uno de los colores opuestos de la muerte, el verde para la resurrección y el amarillo para la descomposición y la decadencia?» (Antonin Artaud, carta a Jean Paulhan, París, 1937)". De ahí las tonalidades de la portada y el gag de salir a escena con guantes verdes en uno de los shows de presentación del álbum en el Astral, durante la primavera de 1973. En realidad, Spinetta buscaba redimir el mensaje nihilista y el contagio de dolor que acarrea la obra artaudiana. Artaud funcionaba como un antídoto contra Artaud. La contrafigura siempre es Lennon (de ahí el "She Loves You" en el collage de "A Starosta, el idiota"). "Para él [Artaud], la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor.Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento", le aclaraba a Eduardo Berti en los 80. La interpretación spinettiana era bien rockera. En un reportaje de 1973 aparecido en Gente, Spinetta resumía: "Artaud fue un tipo que vivió la vida de un rockero, como si fuese Hendrix". El Artaud-Hendrix spinettiano empujó a muchos a la lectura del poeta, produciendo lo que la revista Algún Día en 1974 llamó "la onda Artaud que se ha desatado en Argentina". Luis Alberto sabía que tenía que ser didáctico: en sus shows exhibía "diapositivos" (sic) con textos de Artaud y entregaba un manifiesto "Rock: música dura, la suicidada por la sociedad", donde denuncia la "profesionalización" y el "negocio" del rock, además de oponerse a la etiqueta de "música extranjerizante" en boga en aquellos días en que el rock era una subcultura de domingos a la mañana y una música "progresiva" que se oponía a la oficial, la "complaciente" de los Palitos y los Sandros. Aquel ritual de mil quinientos roqueros un domingo a la mañana en el teatro Astros era descripto por Jorge Pistocchi en una nota de Pelo: "Cada uno se prepara a entender. Nos dan un papel escrito, con claves que no son gratuitas. En él se reúnen distintos estallidos de Kerouac, Artaud, [Miguel] Grinberg, Thomas Merton, Luis, Timothy Leary, etcétera. Y nos abren el paso". Eran tiempos pre YouTube, tiempos en que los libros y cierta forma de arte alimentaban la idea de contracultura. Hasta el dúo folk naif Vivencia usaba una pintura de Van Gogh en su disco Mi cuarto y los duros de Vox Dei en La nave infernal instalaban un collage de Max Ernst en tapa y un poema de Rimbaud en la contra. En los recitales del Astral, de "teloneras" se usaban películas mudas como El perro andaluz, El gabinete del doctor Caligari y cortos del argentino Hidalgo Boragno, todo musicalizado por El lado oscuro de la luna, Pompa y circunstancia de Edward Elgar y Héroe de guerra de Hendrix.

La palabra clave en la Argentina de 1973 era "liberación". Volvían la democracia y Perón a escena: el candidato del justicialismo, Héctor Cámpora, prometía una "patria liberada". A comienzos de aquel año, los roqueros porteños comenzaron a reunirse los domingos en Parque Centenario para debatir sobre cuál sería el lugar del rock. Músicos como Spinetta, Emilio Del Guercio, Rodolfo García, Gustavo Spinetta (estos tres fueron los únicos músicos que acompañaron a Luis Alberto en Artaud ), Miguel Abuelo y otros se sentaban a la sombra a charlar con periodistas como Grinberg o Pistocchi, y quienes eran su público. "Teníamos una visión más holística de la revolución", nos recuerda Del Guercio.

"Nos preocupaba saber cuál iba a ser el lugar del arte y la cultura en la sociedad por venir, cómo la transformación personal de cada uno y la comprensión del otro podían modificar la sociedad." De ese cuestionamiento total es hija la libertad de Artaud. El rito del Centenario terminó "y ahora nos reprimen igual que antes del triunfo de Perón. (...) Vos sos parte de la liberación. No tiene que ser espectacular, estará formada de pequeños gestos y grandes ternuras", escribía resignado Grinberg en su revista Rolanroc, donde también figuraba el manifiesto "Rock: música dura...". En ese manifiesto, Spinetta recurría a la misma idea "micropolítica" de liberación: denunciaba su "yo enfermo" por su incapacidad de expresarse de manera más directa (más artaudiana), consigo y con los demás. Como su primer disco solista post Almendra, Spinettalandia y sus amigos (72), Artaud funcionaría como un "automanual de autoayuda". Esa autoliberación implica aislarse, despojarse de todos y de todo: otra vez, el Lennon post Beatles que busca purgarse; su mensaje de amor a Yoko redime todo el nihilismo de Artaud. Aquellos 70 eran años de "psicodelia reflexiva", como se puede comprobar en la letrística de Molinari, Smilari o Pappo y su dialéctica de "pensamiento versus locura". A Spinetta, la "divina tragedia del pensar" de Artaud (como la llama Susan Sontag) y el disco El lado oscuro de la luna le sirven para articular esa problemática relación entre alucinación y alienación, como queda claro en las voces internas de "A Starosta" o en "La sed verdadera" y sus enajenaciones espaciotemporales. Otro tema esencial: encontrar una forma de vida en la madurez. Como sucede en Floyd y en el Graham Nash de "Teach Your Children", "Todas las hojas son del viento" provee leves instrucciones para rockeros que van madurando y formando familias, y deben afrontar la paternidad siendo antipaternalistas. El "yo enfermo" que quiere liberarse sabe que "las palabras nunca son/ lo mejor para estar desnudos". Así, Artaud fue un laboratorio de la canción. Por un lado, la letra. Aquí se llega al máximo de desarticulación del discurso poético en "Por", construido a partir de sustantivos sueltos que surgen de las líneas melódicas. Hay un redescubrimiento de la dimensión poética de las palabras que sólo puede lograrse liberándolas de la oración. Por otro, la música. Resaltan los nueve minutos de la "Cantata de puentes amarillos", que continúa el formato fluido de una rapsodia o una canción "muy celular" como la llamaban los Incredible String Band, en quienes los Beatles se inspiraron para "Happiness Is a Warm Gun". El modo en que se canta la palabra-fetiche "mañana" (de ahí viene el que ya es un refrán clásico del rock nacional: "Mañana es mejor") es un punto alto. También la burocracia versosestribillos o tensión-distensión ("Superchería") es puesta en duda. ¿Qué significa que Artaud sea elegido el mejor disco del rock nacional en el año 2007? El paso del tiempo obligó a su reducción: de vinilo con tapa "deformé" a vinilo con tapa cuadrada en los 80, luego cd diez años después, ahora mp3 almacenado en un disco rígido. ¿Qué queda de aquel Artaud que no quería ser sólo un disco sino un acto cultural liberador y lo repetía desde la molestia de su tapa? ¿Sólo grandes canciones? Más: un aura de algo irrepetible. Un pelo de pincel en el color. El aura de una forma de hacer y ser rock más directa, más artística, más artesanal y menos masiva que ya no existe desde 1982. O sea, un ayer mejor: todo lo contrario de lo que el álbum quería enseñarnos en 1973."

2

Santana

Abraxas (1970)

Sobre este disco ya se ha hablado bastante, asi que en esta ocasión no agregaremos nada más.

 

3

Triana

El patio (1975)

El disco que definió el progresivo español y la fusión del rock con el flamenco. 

 

4

La Máquina de Hacer Pájaros

La Máquina de Hacer Pájaros (1976)

Charly García en su momento más pretencioso, con acercamientos a lo sinfónico. 

 

5

Sui Generis

Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)

Sui Generis en un proyecto complejo mediando el folk con lo progresivo mediante un disco conceptual con evidentes referencias teatrales que relatan personajes urbanos.

 

6

Veneno

Veneno (1977)

Muy flamenco para los rockeros, muy rock para los flamencos. Restregó lo más sucio de las influencias norteamericanas y funda una nueva tradición que impacta hasta al mismo Camarón de la Isla.

 

7

Invisible

El jardín de los presentes (1976)

El jazz-rock con impronta argentina con el sello que solo Spinetta le podía poner.

 

8

Los Jaivas

La ventana [Todos juntos] (1973)

El progresivo buscando las raices la música andina.

 

9

Sui Generis

Vida (1972)

El disco de rock que mejor conectó con la gente en los 70's. Los canticos de juventud e inocencia eran la clave.

 

10

Pescado Rabioso

Pescado 2 (1973)

Un juego entre la psicodelia y el progresivo con el entonces precario rock pesado.

11

Canarios

Ciclos (1974)

Ex intérpretes del rock soul hacen un tributo sinfónico a Las 4 Estaciones de Vivaldi.

 

12

Sui Generis

Confesiones de invierno (1973)

Sui Generis en evolución, un disco de folk sólido.

 

13

La Máquina de Hacer Pájaros

Películas (1977)

La transformación de Charly García en un completo cronista. 

 

14

Serú Girán

La grasa de las capitales (1979)

Serú Girán en su momento más excelso.

 

15

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

Señora Azul (1974)

Joya de un pop español para no digerir fácil.

 

16

Invisible

Durazno sangrando (1975)

Spineta en plena evolución sónica.

 

18

Vox Dei

La Biblia (1971)

El disco profano más divino de la historia.

 

19

Almendra

Almendra II (1970)

Jóvenes experimentando las vértices del rock en un disco sin un sendero pero con muy buenas canciones.

 

20

Serú Girán

Serú Girán (1978)

Charly García se reencuentra con la masividad creando himnos locales y una leyenda creciente.

EN LOS ULTIMOS DIAS

Mientras deje de escribir han pasado algunas cosas curiosas como para escribir:

-El 3 de febrero se cumplió 50 años del "Día que la música murió" según Don McLean. El fallecimiento de Buddy Holly y Ritchie Valens, este último, el creador del primer éxito de rock en idioma castellano: "La Bamba", un clásico seminal que décadas después fue recuperado por Los Lobos.

-El 7 de febrero falleció el músico mexicano Jorge Reyes, aunque durante gran parte de su carrera dedicó al cultivo de la música prehispánica de su país (oigan su disco Nierika), estuvo en una de las bandas más importantes del progresivo iberoamericano: Chac Mool. Su disco más importante es "Nadie en Especial" de 1980.



-Se dice que habrá un musical de la historia del rock en español. Asi como lo oye:

"Esta historia comienza en aquella Argentina de la dictadura militar que perdió la Guerra de las Malvinas, al tiempo que Charly García lanzó su disco solista Yendo de la cama al living, Miguel Mateos convenció a Freddy Mercury para abrir el concierto de Queen en Buenos Aires y Soda Stereo presentó su primer disco en un restaurante de comida rápida de la Avenida Corrientes.

Es la historia de “Rock en tu idioma”, aquel concepto mercadológico inventado para etiquetar y vender de manera masiva en Latinoamérica discos de bandas que hacían rock en español en la década de los 80. ¿Ya te sabes esta historia? Pues ahora te la van a contar, cantar y bailar en una obra musical producida por Lemon Live (la compañía de los hermanos Billy y Fernando Rovzar) y Óscar López (precisamente uno de los creadores de “Rock en tu idioma”).

Y no será uno, sino tres musicales que contarán de manera cronólogica el surgimiento de este fenómeno. López apenas puede encontrar superlativos al explicar su proyecto: “Estrenaremos primero en Argentina, para ser congruentes con la historia, y luego haremos la parte que corresponde a México y España, aunque todavía no decidimos cuál será primero”. Cada uno será diferente y se referirá a las bandas de cada país."
http://www.yancuic.com/nota.php?seccion=9&noticia=7771

Parece que ese musical sacará algunas chispas nacionalistas si se concreta, seguiremos el transcurso de los detalles en los próximos meses.

-Por último, se empiezan a correr la voz con nombre para lo que será el Vive Latino 09; según http://mundodecrystal.blogspot.com/ (saludo para el kingblogger) se habla de Los Fabulosos Cadillacs y Andrés Calamaro. Sin embargo, pese a todo, nada es oficial aún y puede ser solo rumores ¿Se sumará algún peruano a la lista?.

RED HOT CHILI PEPPERS - CABRÓN

Esta canción esta contenida en el By The Way del 2002, y pese a lo insultante que puede parecer el título, en realidad se trata de un tributo al mexicano que se va a Los Angeles, la ciudad de la banda, a trabajar duro. La palabra "cabrón" hace referencia al término común que usan esos inmigrantes para llamarse entre ellos.

"I see you in the park
You're always wearing dark or blue
My dawg and me
And anyone from any other crew
I am small but I am strong
I'll get it on with you
If you want me to
What else can I do
Everyone would take a cue from anything you do
If you want them to
What else can it do
I don't want to fight
I want to get along with you
This time ff nights for singing songs about the love from you"

"Te veo en el parque
Ustedes siempre vestidos de oscuro y azul
Mi amigo y yo
Y cualquiera de alguna otra banda
Soy pequeño pero soy fuerte
Te interesarás por mi
Si me deseas a mi
Qué más puedo yo hacer
Cualquiera tomaría una señal de lo que haces
Si lo deseas
Qué más se puede hacer
No deseo luchar
Quiero llevarme bien contigo
Para en las noches para cantar sobre el amor para ti"

RE-INTRODUCCIÓN. ¿POR QUE ESCRIBO ESTE BLOG?

Este es una especie de auto-análisis de por que escribo este blog, pero explicando el punto de todo. Ante todo, este blog es una vía de escape a la música, algo que he ido formando hasta hacerla mía. Pero en Rock en las Américas, quería dar una nueva perspectiva a lo que ya había hecho en un programa de radio hace un tiempo, era buscar una identificación con alguien que entendiera lo que escribía.

Lamentablemente vivimos en tiempos donde la gente no escucha música para sentir sino por una aparente lucha por ser incluidos en algún grupo y no ser rechazado. Se toma demasiado a pecho el escuchar a una u otra banda y todos deben defender lo suyo a capa y espada como una barra brava. Eso es quizás algo patético, y aunque quizás se pueda entender que en los mocosos exista esa patología, lamentablemente la siento en gente cada vez mayor. Espero equivocarme.

El rock iberoamericano, es algo que disfruto mucho y he ido conociendo con el paso de los años. Me gusta conocer cada día algo más y me gusta de las personas que puedan aportar un poco más de sus puntos de vista. Yo, por mi parte, solo quería transmitir lo que sé y que sea llevado a un lenguaje simple y buscando ciertas referencias. Para eso, uno tiene que quitarse ese odioso término llamado "rock nacional".

El rock nacional es perfecto para hablar de una determinada escena en un punto geográfico, su desarrollo y como esta se ha convertido en una cultura. El problema es que mucha gente empieza a darle más importa a lo NACIONAL que a lo de ROCK. Comienza los diferentes problemas chauvinistas, y el típico A es mejor que B. Es bueno el debate, de vez en cuando, pero muchos son totalmente ridículos.

Cuando escribo sobre rock iberoamericano, me sirve mi propia autodidáctica asi como haber conversado sobre el mismo con gente de Chile, Argentina, Colombia, Venezuela, Centroamérica, México y España, asi como de mi país, para tener una idea más clara al respecto. Desde fanáticos a periodistas y gente que toma el mismo de una forma más académica del mismo.

Un punto que siempre busqué inicidir era el espacio del rock iberoamericano. Nuestra música se relaciona con otras tradiciones y otros artistas que son muy relevantes, y muchas veces poco mencionados, por esta costumbre de buscar delimitar el género. Otro absurdo común; si en el Primer Mundo, precisamente hacen lo contrario. En las tendencias indie y alternativas se abraza el electrónico, el hip hop, las influencias africanas, celtas, etc. Otra muestra de nuestro primitivismo en formación musical. Leonard Cohen, Kraftwerk, Run-DMC o Madonna, son invitados en el mundo del rock (festivales, condecoraciones, etc), pero artistas como Rubén Blades, Silvio Rodriguez, Serrat, etc son expectorados, vistos como demasiado ajenos. Claro que no todo es así, quizás estoy poniendome algo extremo, pero es una manera para que puedan entender por qué acá se habla, por ejemplo, de la relación del rock con la canción. La relación entre Serrat y Spinetta puede ser menor de lo que muchos creen.

Todo eso, porque creo que estamos en una época donde revalorar muchos artistas (y dejando de lado la "cosa nacional"), ya que la Academia de Grabación (LARAS) ni la MTV jamás lo harán. No podemos dejar que nos definan como "música latina". Nuestra cultura supera el término, y precisamente no podemos estar en el exterminio de aniquilar nuestro patrimonio por un término homogeneizador que termina por decir que lo que nos representa es Ricky Martin y el reggaetón. 

Para eso tenemos que entender el impacto de lo hispano en Estados Unidos, el país que alimenta la cultura al mundo. El centro de gravedad pan-hispano se dirige hacia allá, y yo no lo digo. Se debe romper cualquier barrera que separa la gran comunidad hispana allá con lo de acá, y alimentar a nutrir la gran cultura musical contempóranea (trascendiendo incluso al rock mismo). En otras palabras la globalización iberoamericana, todos en feedback. Mientras, pueda poner mi granito de arena, enhorabuena.

Muchas gracias a muchos de los lectores, les pediría que me dejen sus comentarios, ya que eso es un aliciente para seguir escribiendo. Tampoco tendré mucho tiempo, pero igual, gracias y a seguir pa'delante.